Archivo | 9 de marzo de 2012

Cine europeo

NOUVELLE VAGUE

La Nouvelle Vague es el primer movimiento de ruptura cinematográfica. El nombre de este movimiento fue utilizado por la crítica para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses, surgido a finales de la década de los años 50. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés les imponía. Este movimiento estaba encabezado por dos cineastas: Godard, y Truffaut.

Los cineastas de este movimiento son:
-Por un lado, con una vertiente más aplicada a la técnica, Godard, Resnais, Rhomer, Varda, entre otros.
-Por otro lado, dentro de una vertiente de renovación temática, tenemos a Truffaut, Chabrol, Demy, Malle, entre otros.

La obra de Truffaut “Los 400 golpes” y de Resnais “Hiroshima mon amour” despertaron la atención y fueron el comienzo de este nuevo fenómeno cinematográfico. El proceso de consolidación de la Nouvelle Vague quedó de manifiesto en el Festival de Cannes de 1959, ganó Truffaut, que recibió el premio a la mejor dirección por “Los 400 golpes y Resnais obtuvo un gran éxito con “Hiroshima mon amour”.
Las características de este movimiento son las siguientes: participan en revistas de cine, como Cahier du Cinema; la mayoría no tiene formación técnica, por lo que tienen que depender de técnicos y directores de fotografía. Tienen una forma muy particular de escoger la trama de sus películas, y se alejan del star system, con los grandes actores y actrices (como los de Hollywoood). Hicieron posible que se rodara con cámara al hombro, en localizaciones naturales, con una iluminación indirecta, sin necesidad de montar grandes escenografías en estudios de cine. Los personajes de estas películas están construidos con una mayor complejidad, al borde de la marginalidad, improvisan sus actuaciones para conseguir efecto de espontaneidad.

Nos encontramos en unos momentos de renovación del cine. Existen otros movimientos de renovación del cine como arte, fuera del asunto más comercial como: Free Cinema inglés, Cinema Italiano, Manifiesto de Oberhausen alemán, países del Este y Nuevo Cine Latinoamericano (brasileño).
Frente a este grupo surgió otro movimiento, llamado “Rive Gauche”, que surgió alrededor de la revista Positif con cineastas teóricamente más vanguardistas como Chris Marker y los escritores Marguerite Duras y Alain Robbe-Grillet. El cine de éstos se caracterizaba por ser más retórico, literario, elaborado y cuidado, que los de la Nouvelle Vague.

Vamos a comentar algunos cineastas del movimiento de la Nouvelle Vague.

JEAN-LUC GODARD

Nació en París en el año 1930. Director, crítico, productor y actor francés. Estudio etnología en la Universidad de La Sorbona.  Frecuenta cineclubs y la Cinemateca Francesa, lugares en los que se hace con buena cultura cinematográfica. Sus películas fueron perdiendo los aspectos estructurales y dramáticos más convencionales hasta convertirse en vehículos casi ensayísticos, hasta el extremo de que este director convirtió el cine en un instrumento político y social. Comenzó a trabajar realizando críticas de cine para la revista “Cahiers du Cinema”. Es primordial en el movimiento de la “nouvelle vague” en Francia, al mismo  tiempo que comenzaba a filmar sus primeros cortometrajes. Se pueden distinguir varias etapas en su obra. La etapa de la Nouvelle vague, que se extiende desde su debut con “Sin aliento”, mezclando elementos de los géneros de detectives, comedia y suspenso hasta “Weekend” en el año 1967; una etapa revolucionaria, desde “Le Gai Savoir” hasta “Tout va bien” en el año 1972; y otra etapa contemplativa, que comienza con “Sauve qui peut la vie” en 1980 y se extiende hasta “Helas pour moi” en 1993. Hacia finales de los años 60 su trabajo se volvió prácticamente marxista, títulos como “Pravda” y “Lutta das clases”. Durante los años 70 experimenta en televisión y video, para llegar a los años 80 con filmes más convencionales como “Sauve qui peut”. En los 90, comienza a planificar su obra más emblemática: “Les histories du cinema”. Sus últimas realizaciones son “The old place” en 1998, “Elogio del amor” en 2001, “Nuestra música” en 2004 y “Socialisme” en 2009. Sus proyectos son de bajo costo, realizadas con equipos no sofisticados y eran distribuidos fuera del circuito convencional. Sus historias son emotivas, contadas por el con un gusto especial. En su cine prima la improvisación, y el desorden se convierte en método de creación. Godard encuentra en el jazz un modelo de inspiración.

En 1959 dirige “Al final de la escapada”, que es un thriller con final trágico, una historia con un argumento simple, pero su interés radica en la modificación que Godard hace del lenguaje narrativo convencional. Introduce desviaciones en el hilo de un discurso para expresar algo que se aparta del tema que se está tratando, utiliza un lenguaje grosero como provocación. El guión recoge sólo algunas ideas anotadas, para que así los actores puedan improvisar. Se salta las leyes del cine, altera el raccord, los movimientos de cámara, los fundidos. Proliferación de imágenes de 2º nivel, como espejos, fotos, carteles. Las secuencias son de una toma única. Rechaza el plano contra-plano. Las entrevistas del personaje en el aeropuerto, que dan sensación de modernidad. Tiene rasgos nihilistas, manifestaciones de Nietzsche, existencialismo. Largas conversaciones de los personajes. Afirmó que “Una película ha de tener planteamiento, nudo y desenlace, pero no necesariamente en ese orden.” Los actores miran fijamente a la cámara en varias ocasiones. La película nos muestra a Michel, encarnado por Jean-Paul Belmondo, un hombre que huye de la justicia tras disparar a un policía. Tras este asesinato, llega a París para reencontrarse con un antiguo amor, Patricia, interpretada por Jean Seberg, una joven estudiante, que trabaja como aprendiz de periodista repartiendo periódicos. Patricia se entera de lo ocurrido, y delata a Michael. Tras delatarlo, se lo confiesa. La huida es rocambolesca. La escena del travelling final es rodada en una silla de ruedas. En esta película la cámara fue casi siempre llevada al hombro por el director de fotografía, Raoul Coutard, quien la escondía a veces en la caja del trípode que Godard llevaba para filmar a la gente y que no se dieran cuenta.

En una entrevista a Godard para Cahiers du Cinêma, confiesa lo siguiente: “Me siento muy diferente de Rivette, Rohmer o Truffaut, pero en general tenemos las mismas ideas sobre el cine”. “En mi calidad de crítico, yo me consideraba ya como un cineasta”. Sobre sus primeros proyectos dice lo siguiente: “Yo preparaba mucho mis primeros cortometrajes y los filmaba luego muy rápidamente. Así empecé “A bout de soufflé”, y para el resto tenía muchísimas notas correspondientes a cada escena. Entonces me dije que este método era una locura y lo abandoné. Pensé que si uno se empeñaba en hacerlo, en un día podrían filmarse cuando menos diez planos. Y que en vez de prepararlos con mucha antelación era mejor prepararlos justo antes de filmar. Es algo que tiene que ser posible si uno sabe lo que quiere. No se trata de improvisación, sino de un acabado de último momento”.

FRANÇOIS TRUFFFAT

Nació en París en 1932. Fue un director, crítico y actor francés. Fue uno de los iniciadores del movimiento llamado Nouvelle vague. Gracias al crítico de cine André Bazin, empieza a trabajar en Travail et Culture. Aparece como actor en varias de sus películas: “La habitación verde”, “La noche americana”, “El pequeño salvaje” y también en la película de Steven Spielberg, “Encuentros en la tercera fase”.

Estudió en el Liceo Rollin. Al terminar sus estudios, es internado en un correccional tras cometer pequeños hurtos. Gran parte de su filmografía está marcada por una infancia y una adolescencia difíciles. La reputación que obtiene como crítico duro y exigente es muy grande y sus escritos eran esperados por sus seguidores. En 1969 es invitado por Gregory Peck, Walter Mirish y Daniel Taradash, en representación de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, a formar parte de esta sociedad. Truffaut acepta, siendo el segundo director francés, después de Renoir, que perteneció a esta academia.

Su cine es más naturalista y cotidiano. Basado en el análisis psicológico de los personajes, que están construidos teniendo en cuenta su trasfondo por el pasado. El tema de la dificultad de amar está presente en muchas de sus obras. Sus personajes se dividen en hombres-niño y mujeres fuertes, todos de comportamientos contradictorios. El amor de la pareja es el tema principal en su filmografía, unido a los recuerdos de una infancia conflictiva y a la nostalgia por la adolescencia perdida.

Una de las películas interesantes de Truffaut es “La noche americana”, en la que  los personajes no son maniqueos, hacen lo que hacen por algún motivo o causa. Aborda una técnica para reflejar la noche a través de unos filtros. El tema del amor está en un segundo plano. Un film sobre cómo se rueda una película, los medios disponibles, las grandezas y miserias de los actores y del propio equipo técnico. Trata el cine dentro del cine. En el guión se entrelazan situaciones, van apareciendo situaciones reales de la vida de los actores y del equipo técnico, con sus conflictos personales. Oímos a los personajes de hablar sobre aspectos técnicos relacionados con el rodaje de la película. La filmación se muestra a través de escenas entre el personal técnico y el director Ferrand, encarnado por Truffaut, que trabajan para lograr entregar la película terminada en el tiempo determinado. No vemos una iluminación muy contrastada. Vemos diversos tipos de planos, movimientos de cámara, en un momento vemos a uno de los personajes que duerme, parece ser que está soñando, y vemos una superposición de imágenes, en la que observamos el cartel de una sala de cine entre sonidos un poco oníricos y de estrellas. Algunos fragmentos están en blanco y negro.

Algunos directores de otros movimientos europeos son los siguientes:
KEN LOACH
Este cineasta es heredero del free cinema. Es un director de televisión y director de cine del Reino Unido, conocido por su estilo de realismo social y temática socialista relacionadas con su militancia trotskista.
Con 25 años, mientras estudiaba Derecho en Oxford, entró en contacto con las artes escénicas, actuando en el grupo de teatro de la universidad. Cuando se graduó trabajó como asistente de dirección en el Northampton Repertory Theatre. Pero le interesaba más el mundo audiovisual y después de obtener en 1963 una beca en la cadena de televisión BBC, se inicia en la dirección. También realiza documentales.
Sus proyectos están muy cuidados; su escenografía es simple. Su cine resulta muy actual, ágil y veraz, aunque nunca provoque una lágrima fácil. Cuenta tragedias que no están dirigidas al corazón, porque intenta llamar más al pensamiento y a la reflexión que a las emociones. Mucha gente no soporta este cine porque les exige complicarse la vida y no están dispuestos a pensar. Lo decisivo en sus obras son el guión y la narración, no destaca por los efectos especiales, ni por los maquillajes, ni por grandes escenarios ni por unas músicas excepcionales. El guión es pieza clave en su cine, pero sus actores son generalmente inexpertos y están obligados a improvisar para conseguir realismo y espontaneidad. Apenas realiza ensayos antes de la grabación.

Los temas del cine de Loach son siempre dramáticos, pero no libres de humor. No es el genial humor británico sutil, estudiado y ajeno al mundo mediterráneo, sino el humor de la propia vida. Se reviven situaciones que divierten a través de una técnica perfecta y que hacen pensar más allá de la pura diversión. Sus películas parecen documentales. Loach en su cine, denuncia los traumas que ocasiona la vida en las ciudades industriales en los seres humanos a pesar de los avances tecnológicos, y con sus historias sacude las conciencias de la sociedad contemporánea con el fin de mejorar las condiciones de trabajo de la clase trabajadora.

Una de sus películas es  “Agenda oculta”. Trata sobre dos abogados norteamericanos Paul Sullivan e Ingrid Jessner, implicados en la investigación de maltratos a prisioneros en Belfast. Cuando recibe información que puede resultar comprometida para el Gobierno de Margaret Thatcher, Paul es asesinado y una cinta con información secreta desaparece. El inspector asignado al caso, Kerrigan, formará equipo con Ingrid para investigar los hechos. Kerrigan es de mediana edad, leal a la corona británica y a la verdad. Su motivación es resolver el caso, aunque se lleve por delante a políticos y personas de poder. Vemos planos cortos y medios para conversaciones e interrogatorios. Planos generales para describir lugares y escenarios. La música es utilizada para provocar estados de tensión, emociones, y las persecuciones. La iluminación de claroscuros es para mostrar la clandestinidad, cautiverio. Los diálogos son constantes interrogatorios, conversaciones. Respecto al montaje, acelera el ritmo para provocar tensión. Todo sucede en orden cronológico. El tema principal es el abuso de poder, como tema secundario podríamos mencionar la lucha por la independencia. Es una crítica al gobierno de Margaret Tatcher por venganza, ya que ésta criticaba sus documentales. Me resulta agresiva la escena en la que los dos policías cogen a la mujer bruscamente. Me gustan la forma de empezar la película, con las tomas aéreas del paisaje y la voz en off situando la historia. En algunas escenas vemos una iluminación contrastada. Su cine es militante, con idea izquierdista. La comprensión se hace dificultosa si no se está al tanto y el panorama de los años 80. Se rechaza el uso de la violencia y provoca indignación en cuanto a política.

EMIR KUSTURICA
Es un director de cine y músico serbio nacido en Sarajevo en la República Socialista Federal de Yugoslavia (hoy Bosnia Herzegovina). Con una impresionante serie de largometrajes, Kusturica se convirtió en uno de los directores más creativos urante las décadas del los 80 y del 90. Kusturica se convirtió al cristianismo ortodoxo en 2005. Después de finalizar en 1979 sus estudios en la Academia de Artes Interpretativas (FAMU) de Praga, donde rodó la película “Guernica”.

Una de sus películas es “Prométeme”, comedia serbia, de fantasía. Trata la temática yugoslava. Mezcla el folclore yugoslavo con lo moderno. Vemos imágenes oníricas. La historia muestra a un anciano, que presiente que su muerte está cerca, y embarca en su nieto en una aventura: comprar un icono de San Nicolás. Tsahe es uno de los personajes, que actúa bajo orden de su abuelo. Jasna es aparentemente débil, pero con gran fuerza de espíritu. El jefe Bajo es un mafioso de Belgrado. Muestra las pasiones como el sexo, la zoofilia, la violencia. La madre de Jasna, es una prostituta del local del jefe mafioso. Los gemelos no son malos, colaboran con la mafia por dinero para la familia, no porque sean malas personas. El inspector muestra la corrupción del Estado. Es una comedia satírica con toques de drama. Critica el crimen sociedad contemporánea. La música es fundamental en las películas de Kusturica, que es música serbia. Más que el guión, le interesa el contenido visual. Los personajes son estereotipados. Me resultan muy significativos los planos picados y contrapicados, y los movimientos de cámara son muy rápidos en ciertas ocasiones. Las tomas aéreas me parecen muy buenas. El inicio mientras se va presentando los créditos marean un poco y la banda sonora me resulta característica. También me parece gracioso el abuelillo jugando con la máquina de juegos. Según una crítica de Oscar Martínez9, “Prométeme es una fábula tremendamente positiva repleta de personajes únicos que retrata a su particular modo la vida y los diferentes cambios que han acontecido en la castigada región de los Balcanes”, “una película que, a pesar de no innovar en exceso el registro del cineasta, continúa siendo una maravillosa muestra de buen cine”. “Nos encontramos con un metraje tan largo como endiablado, situaciones surrealistas, humor por doquier a cargo de unos peculiares personajes de claros rasgos fellinianos, y una fotografía repleta de colorido, característico del cineasta serbio a la hora de enfatizar el carácter folclórico de sus películas”.

BERNARDO BERTOLUCCI

Nació en Italia en 1941. Es un director de cine. Empezó a estudiar Literatura moderna en la Universidad de Roma, pero en 1961 abandonó estos estudios para trabajar como ayudante de dirección de Pasolini (escritor, poeta y director de cine italiano), en la primera película de éste, “Accattone”. Más tarde dirigió “La comare seca” en el año 1962.

El cine de este director se identifica por las siguientes características: su puesta en escena, que se caracteriza por un tratamiento muy dramático de la luz. Movimientos de masas con una muy buena coreografía. Es un maestro en planos largos y planos secuencias. Movimiento de cámara de extraordinaria complejidad. Su montaje es estilizado Todas estas características otorgan una dimensión operística a la narración. La mayoría de sus películas transcurren en escenarios más o menos grises, con la excepción de un grupo de películas ambientadas en lugares más exóticos.
Se inició en el mundo del cine realizando cortometrajes en 16 mm con su hermano Giuseppe. En 1961 hizo de ayudante de dirección en “Accattone”. Un año después se estrenaba como director con “La commare secca”. Sus principales características son un minucioso uso de la cámara y del montaje, y el trabajo de la fotografía con finalidades simbólicas. Este director es el más representativo del cinema nuovo. Se dedicó en un principio a la poesía. Podríamos decir que las narraciones de Bertolucci parten de la cotidianidad para ir descubrimiento el surgimiento de la historia. Su cine destaca por un empaque visual, trabaja con planos-secuencia, travelling, picados. La puesta en escena y  la iluminación es muy estudiada. Trabaja como extra en muchas de sus producciones. El montaje es muy estudiado.

Una de sus películas interesantes es “El último emperador”. Es una coproducción de China, Italia, Reino Unido y Francia. Tuvo un presupuesto de 25 millones de dólares. Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi. Es la historia de Puyi, el último emperador de China, que se subió al trono con tres años y fue adorado por millones de personas. Gobernó en la Ciudad Prohibida. Más tarde llegó la revolución comunista y fue encarcelado. En los últimos años de su vida fue jardinero y llevó una vida como un ciudadano anónimo siendo testigo del culto a Mao y de la Revolución Cultural. Tuvo mucho éxito por la puesta en escena. La temática que trata es la idolatría a la dinastía por el emperador. La manera de encuadrar de algunas escenas es muy estudiada. El teatro de la ópera china esta escenificado. Es graciosa la escena en la que el niño se levanta del trono y corre hasta que ve la masa de personas que lo están idolatrando, en esta escena, la cámara lo sigue en su carrera. Me resulta interesante la escena del final, cuando él es jardinero, y compra un ticket para entrar en el palacio y coge la cajita del grillo que le regalaron siendo niño, por sorpresa el grillo sigue vivo. En la película se permiten algunas licencias históricas, pensadas para darle mayor carga dramática. Por ejemplo: Puyi salíó de la Ciudad Prohibida cuando murió su madre, sin embargo en la película se le cierran las puertas. En su vida real, tal como cuenta en sus memorias, no tuvo relaciones íntimas con sus esposas, mientras que en la película se cuenta lo contrario. Me parecen muy interesantes algunos planos generales y planos detalle. Para ciertas escenas utiliza filtros de color. El vestuario y la banda sonora me parecen muy relevantes para la historia. Sin embargo lo que no me resulta apropiado son las escenas en las más o menos del final en las que mantienen relaciones sexuales, me parecen inapropiadas.

KRZYSZTOF KIESLOWSKI

Director y guionista de cine polaco. Nació en Varsovia en 1941. Poco después de finalizar el primer ciclo de estudios, ingresó en la escuela de bomberos pero meses después lo abandona para volver a estudiar. En 1957 se inscribe en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź, Polonia. Su primera producción cinematográfica está centrada en la vida de los trabajadores o los soldados de su Polonia natal. Comienza con cortos documentales.

Tras su paso por la televisión polaca, a mediados de los años 80 comienza a trabajar en Francia, donde realiza su trabajo más importante, la trilogía “Tres Colores”, como homenaje a los colores de la bandera francesa (“Azul”, “Blanco”, “Rojo”). Realiza capítulos de mediometrajes para televisión, como por ejemplo “No matarás”, “No amarás”, que son algunas de sus últimos proyectos. Su cine tiene estilo pausado, intimista: primeros planos, conflictos cotidianos con gente normal. La película “La cicatriz”, tiene un estilo muy diferente al de sus otros trabajos cercano al realismo social, muestra los problemas del protagonista por conciliar su vida familiar y profesional, y la burocracia del sistema comunista. Los protagonistas de sus películas son gente corriente. Su cine se basa en preguntas y sentimientos humanos, como el amor, odio, soledad, entre otros. El mensaje de sus películas es el siguiente: el ser  humano necesita convertirse en otros seres para sobrevivir y vivir el poco tiempo que estamos en el mundo. Replanteamiento de la existencia.

Una de sus películas interesantes es “Azul”. Esta película es un estudio psicológico sobre la libertad. La acción se sitúa en París, donde Julie, esposa del compositor Patrice, debe afrontar la muerte de su marido y su hija en un accidente de automóvil, del que la joven sobrevive. Durante la recuperación intenta suicidarse. Más tarde se enamora de Olivier Benoit, el ayudante de su marido y descubre que Patrice tenía una amante, Sandrine, que ahora tiene un hijo suyo. Julie se hace amiga de Lucile, una prostituta, su vecina, a quien los demás vecinos la quieren echar por dedicarse a la prostitución. Mantiene una relación con el ayudante de su marido, y más tarde comienza una nueva vida. Su única ocupación parece ser nadar en una inmensa piscina. El joven que fue testigo del accidente solicita verla para contarle las últimas palabras de su marido, pero ella no querrá recordar el pasado. Sin embargo, este pasado regresa a su mente. Julie va en busca de su vecino para que le preste su gato y así terminar con los ratones de su apartamento. El director usa varias técnicas para mostrar el sentido de pérdida de Julie y su conflicto. Cuando Julie ve por televisión el funeral desde la cama del hospital, la sombra de su dedo acaricia el ataúd impreso en la pantalla. Utiliza filtros, elementos y luces azules, además de objetos más o menos relevantes. La luz es omnipresente en algunos pasajes de la película y acompaña los compases de la música en torno al cual gira la historia. Algunos fragmentos incluyen varias referencias a los otros colores de la trilogía. Como por ejemplo, en una escena, vemos niños con bañadores blancos y flotadores rojos, saltan a la piscina, cuya agua es azul. Me resultan interesantes los planos superpuestos, como la escena en la que la mujer llora a la vez que vemos un árbol junto a la ventana. Este director juega con lo auditivo-visual. La música va presidiendo la imagen, planos simbólicos y los encuadres son estudiados. Utiliza el fundido negro en el comienzo de la película y para encadenar los planos y las secuencias. En la escena del comienzo, cuando sucede el accidente, vemos los árboles con un verde azulado. Los encuadres muy cerrados indican estado de interiorización. Algunos críticos califican esta película como una de las mejores de la historia del cine. En las tres películas se produce el mismo proceso dramático: amor-pérdida-dolor-transformación-amor, el sujeto está sometido al azar, que aparece como un elemento misterioso que rige el destino del ser humano.

LARS VON TRIER

Nace en Copenhague en 1956. Es un director de cine reconocido mundialmente por la visión crítica del mundo que muestra en algunas de sus películas, generando tanta polémica por los críticos. Ha dirigido series para la televisión danesa como por ejemplo: “The Kingdom y The Kingdom II. Su primera obra se denomina “Orchidergarneren”. Con su segunda obra llamada “Nocturne”, triunfó en el Festival de Cannes.

El tratamiento fotográfico de sus películas es manierista. Prefiere cámara en mano, barridos constantes, que incluso molestan al espectador, utiliza varias tonalidades. Las imágenes las realiza muy rebuscadas. Confiesa que hace películas para satisfacer a Dios y al hombre, pero el resultado puede no ser agradable y puede tener consecuencias nefastas.

Lars Von Trier fue uno de los creadores del Dogma 95, junto con Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen. Es un movimiento que pretende apartándose de los efectos especiales y de la forma de trabajar del star system. Redactan una serie de “reglas indiscutibles” a las que denominan Voto de Castidad. Son las siguientes: El rodaje debe realizarse en exteriores y los decorados deben ser naturales. Solo debe tener los sonidos propios de la acción. La cámara debe sostenerse en la mano. La película tiene que ser en color y la iluminación debe ser natural. Los trucajes y los efectos especiales están prohibidos. La película no debe contener ninguna acción superficial. Los cambios temporales están prohibidos, todo debe tener unidad espacio-temporal Las películas de género no son permitidas. El formato debe ser en 35 mm. El director no debe aparecer en los títulos de crédito. Estas son las características del dogma puro. Sin embargo, los mismos iniciadores de este manifiesto Dogma violan algunas características, porque las ven absurdas. Algunas películas de este movimiento Dogma puro son las siguientes:“Los idiotas” de Lars Von Trier; “Mifune” de Soren Kragh-Jacobsen; “El rey está vivo” de Kristian Levring; “Los amantes” de Jean Marc Barr; “La celebración”, de Thomas Vinterberg. Algunas de estas películas no cumplen totalmente las características del movimiento Dogma 95. Por ejemplo en “Mifune”, vemos tomas aéreas (por lo que no cumple la norma de cámara en mano.

Una de sus películas más emotivas es “Bailar en la oscuridad”. Este film es una mezcla de varios géneros: musical con melodrama descarnado, con toques de tragedia griega. La protagonista, Selma, encarnada por Björk, es una inmigrante checa que vive en Estados Unidos, madre soltera y se aprovechan de ella en alguna ocasión al estarse quedando ciega. Selma se evade de su dura realidad, con sus fantasías musicales, cantando y bailando. Participa en un grupo de teatro. Al estarse quedando ciega, y su hijo se va a quedar también y lo tiene que operar, pero la operación le cuesta mucho dinero, por tanto se tiene que poner a trabajar. Entra a trabajar en una empresa de fregaderos, y hace trampa para entrar, ya que al tener esta discapacidad no la admitirían. La echan del trabajo, y con el dinero que ha conseguido va a operar a su hijo, sin embargo, el sheriff, con el que tiene una relación, le quita el dinero. La joven entra a su casa a reclamarle el dinero, pero cuando lo tiene en sus manos, él la apunta con su pistola, y grita para hacer creer a su esposa que ella ha ido al quitarles el dinero y la manda a por unas esposas, esta escena es truculenta.

Por accidente el arma se dispara y el señor muere. Por este crimen, la mujer es condenada a pena de muerte. Mientras la joven canta, el teléfono suena y su cuerpo cae, colgado del cuello, y un silencio desolador cierra la película. Von Trier nos conmueve con silencios desoladores. La película está rodada con 100 cámaras digitales, para captar todos los ángulos posibles, la fotografía es brillante, la coreografía no es usual, la música es entrañable. Esta película forma parte de la trilogía “Rompiendo las olas” y “Los idiotas”. Me parecen muy buenos los números musicales, que están llenos de imaginación, les dan toques agradables a esta situación tan dura que vive la protagonista, pero creo que le restan credibilidad a algunas situaciones, porque por ejemplo en una corte en la que se está juzgando a una persona por un crimen no se empieza a cantar y bailar, resulta incoherente e ilógico. Ni tampoco es creíble que estando con la cuerda en el cuello, a punto de ser ahorcada por los guardias, empiece a cantar. Me resultan bastante crueles los momentos del final, mientras se prolonga el ahorcamiento de la mujer, le quieren tapar la cabeza con una tela negra, creo que la interpretación de la actriz principal es realmente increíble en toda la película y sobre todo en el final. Parece una crítica a la pena de muerte, ya que es un tema muy candente en la sociedad, y sobre todo en Estados Unidos, que aún se aplica en la actualidad en 26 de los estados del país, además de otros países. Es un film muy emotivo, cuyo final podría dejar traumatizado a algún espectador que tenga cierta sensibilidad. Creo que es importante el valor de la amistad, la relación amistosa que entabla la protagonista con la muchacha.

Martin Scorsese

Es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense. Ha sido nominado numerosas veces a los premios Óscar, pero solo lo ha ganado por la película “Inflitrados”, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. También es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a preservar el material fílmico en deterioro.

Scorsese cursó sus estudios a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. Harvey Keitel, estudió con él, en la misma universidad y participó en algunas de sus películas. Vivió en el barrio de Nueva York, de Little Italy. Sus historias son de de temas relacionados con el mundo de la mafia y el contrabando. Sus personajes suelen ser inmigrantes, minorías.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,1 el machismo y la violencia en la sociedad americana. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas. Scorsese es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. Scorsese tiene influencias de otros directores como Orson Welles, John Ford, Luchino Visconti, Fellini, Michael Powell.

Este cineasta forma parte del nuevo Hollywood, junto a Spielberg, Coppola, entre otros. Estos directores tienen una manera de hacer cine, definida con estas características: tienen una formación universitaria, han colaborado en televisiones y proyectos cinematográficos, antes de dedicarse a la dirección. Se establecen como directores y crean sus propias productoras, y no estar como esclavos para otros productores.

“Jo, qué noche”, cuenta la aburrida vida de un joven llamado Paul. En una cafetería, mientras lee un libro, una chica se le acerca, le habla del libro y le deja su número de teléfono. Queda con ella para pasar una noche, y en este barrio se encuentra a personajes peculiares. El protagonista no está acostumbrado a la vida nocturna. La chica tiene problemas de autoestima. Paul se abre a la noche. Los personajes que aparecen son curiosos: un gay, un portero, una camarera. La película comienza con un travelling de la mesa de su escritorio de trabajo. Vemos muchos movimientos de cámara, muchos picados, contrapicados, cenitales. Observamos dos atmósferas, por un lado el inicio, cuando conoce a la chica, y por otro lado, la vida nocturna, atmósfera de pesadilla. La fotografía, al principio es muy iluminada, luego vemos claroscuros muy marcados, filtros azules y rojos, en la madrugada. Utiliza todo tipo de música. El picado y el contrapicado de la escena de la entrada de la discoteca del protagonista y el portero de la discoteca, da sensación de inferioridad y la superioridad de cada uno de ellos.

“Malas Calles”, Charlie, encarnado por Havery Keitel, está atrapado en el mundo de la mafia y corrupción de Little Italy. Todas las noches se reúne en el club de su amigo Tony con su grupo, a tomar unas copas y conversar. Su principal motivación será conseguir uno de los restaurantes de su tío Giovanni, a cambio de dejar de ver a Teresa (su novia secreta) y Johnny Boy (su mejor amigo), porque según su tío son malas influencias. Charlie se cuestiona la expiación de los pecados a través de la religión, e intenta ayudar a Johnny con sus deudas. Johnny Boy es un joven derrochador, que le gusta vivir la vida y las mujeres, le debe dinero a casi todos en el barrio y no se preocupa por pagar, cuando consigue un poco de dinero, no duda en comprarse cualquier tontería, como un sombrero. Hay violencia tanto física como verbal. Está justificada en la mayoría de las escenas por la temática de la historia. Es una mezcla de drama y gánster, con tono realista, y estilo dramático. Los recursos formales que utiliza son: cámara en mano, panorámica para la descripción de los lugares, travelling para el seguimiento de los personajes, planos secuencias, iluminación muy contrastada (Noche-Día), filtros rojos y negros para las escenas del club y las calles. Vemos el cine dentro del cine (personajes viendo una película en una sala de cine), montaje en paralelo en algunas escenas, superposición de imágenes, colocación de la cámara, en ciertas escenas, muy apegada a los personajes (steadycam), como cuando el protagonista está borracho en el bar de Tony y se cae al suelo, vemos también algunas elipsis. Vemos el tema de la religión, el protagonista entra en la iglesia a rezar, aunque sabe que no esta no es la forma para él, para el perdón de los pecados, y también en otra escena vemos una procesión grabada en directo, en este barrio de Little Italy, de Nueva York. La voz en off de los pensamientos de Charlie, tienen valor narrativo, ya que va contando la historia. Los temas que vemos en esta película son el racismo, machismo, contrabando, vandalismo, la moral religiosa. La comprensión es dificultosa si no se conoce el cine de Scorsese y no sabemos la temática que suele tratar.

“Casino”, trata sobre Sam Rothstein, encarnado por el actor Robert De Niro, es el mejor corredor de apuestas de la ciudad de Las Vegas y trabaja para la mafia haciéndoles ganar mucho dinero. Estos mafiosos le ofrecen la dirección de su nuevo casino. Pero los problemas entre algunos integrantes terminan poniendo en peligro el negocio del casino, dejando al descubierto a la organización y a sus integrantes. Sobre la interpretación de los personajes, se podría comentar que Robert De Niro interpreta bien al tipo celoso que no sabe lo que quiere; Joe Pesci es un personaje violento, y Sharon Stone deslumbra como mujer frustrada. La película comienza con una voz en off, apenas el hombre se monta en el coche, estalla y se forma una nube de fuego, que se funde en luces, que parecen ser de las maquinas del casino. Vemos la historia de la caída de un mafioso, todos los acontecimientos giran alrededor del dinero, la violencia y los sobornos, una mujer comprada con joyas y maletas de dinero, escenas de machismo radical, degradación de la amistad entre mafiosos. Vemos varias historias entrelazadas y oímos distintas voces en off, que van contando la historia.

“El aviador” es una película que dramatiza la vida de Howard Hughes. El filme detalla los romances de Hughes con las algunas actrices de Hollywood. Algunas de las escenas del comienzo de la película, aparecen coloreadas de azul, también vemos escenas con filtros rojos. Scorsese mandó sustituir el color verde por el azul para simular una vieja técnica de dos tonos en filmes. El actor principal de esta película es Leonardo Dicaprio. Aparece el cine dentro del cine, vemos tomas aéreas del exterior del avión. Según mi punto de vista, es una película con un argumento simple, pero con gran variedad de recursos formales y sonoros interesantes.

“La edad de la inocencia”, es una adaptación cinematográfica de la novela de Edith Wharton. En esta película vemos la importancia de la decoración de los distintos lugares en los que se desarrolla la trama, me resultan interesantes las escenas del teatro, y el vestuario de cada uno de los personajes creo que es apropiado para la temática del historia. Cuenta dos historias: por un lado Newland Archer, que está atrapado entre cómo debe comportarse y cómo quiere comportarse y su amor imposible la condesa Ellen Olenska, que intenta ser libre; y por otro lado, la joven prometida de Archer, prima de la condesa, se comporta como la han educado, y bajo una falsa inocencia trama un plan de manipulación, para conseguir la vida que desea y quitarse con elegancia a su rival. Según mi punto de vista, la voz en off original, arrastra al espectador y lo introduce más en la historia y en la psicología de cada uno de los personajes. Me resultan muy elegantes los créditos de apertura de la película mezclados con la banda sonora, y el fundido con las flores, mientras se van abriendo.

“Alicia ya no vive aquí” el argumento que cuenta es el siguiente. El marido de Alice, interpretado por Ellen Burstyn, muere y ella se queda sin dinero, pero debe mantener y educar a su hijo. Antes del accidente de su marido, llevaba una vida monótona y aburrida de ama de casa. Después del accidente decide marcharse con la esperanza de encontrar un sitio donde poder vivir sin carencias. Cuando se instala en la nueva ciudad, consigue un trabajo como camarera, y allí conoce a un hombre generoso. Una de las ambiciones de la mujer es retomar su carrera como cantante. Creo que el argumento es simple, pero transmite valores como el afán de superación. La historia la centra en un personaje femenino, a diferencia de sus otras películas, donde el protagonismo se centra en la figura del hombre, tiene momentos románticos.

“Al límite”, el argumento de esta película es el siguiente: Nicolas Cage es Frank Pierce, un conductor de ambulancia, solitario y la dureza de sus condiciones laborales, se pasa las noches recogiendo enfermos, accidentados. Empieza a sufrir alucinaciones en las que se le aparecen aquellas personas a las que no pudo salvar. Para intentar salvarse, Frank se obsesiona con salvar aunque sea una vida. Como recurso formal interesante, vemos algunas escenas con filtros rojos, gran variedad de planos y recursos visuales. Según una crítica de Ismael Alonso6: “Esta película falla por varias cosas: el complejo de culpa, la obsesión por la autoflagelación, la búsqueda de expiación, el enfrentamiento brutal entre el idealismo y el realismo, la violencia surgida de la impotencia, del abuso de la debilidad”. Según mi punto de vista, tiene algo de razón, porque el protagonista vive obsesionado en salvar vidas y es atormentado por el recuerdo de Rose, una paciente a la que no pudo salvarle la vida, es un personaje torturado, obsesionado, un perdedor nato. A lo largo de la historia, el espectador es testigo de la degradación y el vacío moral que va experimentando.

“El cabo del miedo” es una película de suspense. El argumento de la película sería el siguiente: Max Cady acaba de pasar bastantes años en la cárcel, por haber violado y golpeado a una chica de dieciséis años. En su tiempo de condena, Cady aprende a leer, estudia toda clase de libros y se convierte en su propio abogado. Al salir, decide dedicar cada minuto de su existencia a arruinar la vida del abogado que le defendió, ya que piensa que este no hizo todo lo posible por ayudarle en el juicio. Como curiosidad de los personajes de la película, los tatuajes de De Niro fueron hechos con tinta vegetal, que desaparecieron varios meses después de terminar la película, la escena de Lewis y De Niro en el teatro de la escuela fue improvisada. La escena que me causa más impacto, es más o menos por el principio, en la primera media hora, cuando va a casa con la joven, y en el cuarto la ata con las esposas, la agrede violentamente, y se oye el sonido del bocado que le da en la cara, y le vemos en la cara la herida del bocado, y desde fuera vemos la situación por las cortinas. Nos muestra la tensión en estado puro. La banda sonora tiene algunos momentos inquietantes y terroríficos, lo que nos provoca sobresaltos emocionales. Según mi punto de vista, no tiene una iluminación muy asombrosa, pero vemos efectos visuales interesantes y la interpretación de los actores es muy buena. Me provoca nerviosismo y me resultan bien realizadas las escenas del final, cuando se están peleando en el barco, en medio del mar, y la cámara realiza los mismos movimientos rápidos que hace el barco con el viento.

“Gangs of New York”, se inspiró en el libro “Gangs of New York”, de Herbert Asbury. Mientras se debatía la Guerra Civil, un peligroso grupo crecía en el bajo mundo. El padre Vallon comandaba a un grupo de pandilleros, inmigrantes que se denominaban “Los Conejos Muertos”, que vivían en un ghetto, liderados por Bill el Carnicero. En una batalla para decidir quién dominaba la zona de la ciudad llamada “Los cinco puntos”, Bill mata al padre Vallon. Ámsterdam, el hijo, encarnado por Leonardo Di Caprio, hijo del sacerdote, al quedar huérfano tiene que pasar su infancia interno en un reformatorio, hasta que cumple su mayoría de edad, y al salir, se reintegra en la vida de las calles y las bandas de ladrones. Ámsterdam pasa a formar parte de una más de las pandillas controladas por Bill, y planea vengar la muerte de su padre. Logrará acercarse a Bill, ganando su confianza y mientras busca el momento para matarlo. En un momento de descuido, Ámsterdam intenta matarlo, pero no lo consigue. Todo termina en la tumba del padre Vallon al lado de la de Bill el Carnicero y con una secuencia en la que se muestran sucesivamente los cambios en la apariencia de la ciudad, desde la época de la película hasta la actualidad, destacando que el director decidió dejar la imagen de las Torres Gemelas como la última de la película, a pesar de que para cuando se exhibió ya habían sido derribadas. Respecto a los recursos visuales, vemos transiciones que abren la secuencia, como en el inicio. Para mi opinión, tiene un argumento muy bueno, pero para mí, las escenas sexuales las quitaría de toda la película. Los grupos de personas están muy bien coordinados. La iluminación en ocasiones es con velas, en algunas escenas y es muy interesante. Algunos planos están muy estudiados, como las imágenes de a continuación y hace que nos acerquemos a los sentimientos de los personajes. La escena más dramática y emocionante para mí, es cuando el padre está muerto en el suelo y con las manos llenas de sangre, agarra la cara del hijo, mientras éste le grita que se levante.

“Taxi Driver”, está ambientada en Nueva York, poco después de terminar la guerra de Vietnam. Travis es un hombre mentalmente inestable, comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la vida nocturna. Este señor sufre de depresión y ansiedad al sentirse rechazado por la sociedad. Se apunta como taxista nocturno para aprovechar el tiempo y ganar dinero. Sin embargo, mientras conduce su taxi, es testigo de muchas maldades como la prostitución, la violencia, los barrios bajos. Decide anotar todo en un cuaderno, para responder algún día a la violencia con violencia. Conoce a una joven, encarnada por Jodie Foster, e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta. El protagonista, es el narrador de la historia, desde su voz en off. Hace uso de los primeros planos, y la trama tiene similitudes con la obra de Jhon Ford “Centauros del desierto”. Es gracioso que en una de las escenas finales, Robert De Niro mantiene una conversación con Jodie Foster sentados en un bar. En un momento dado Jodie Foster se quita las gafas de sol que lleva puestas y las pone sobre la mesa, y al poco rato se pone otras gafas distintas. Lo más interesante de los recursos visuales, son los filtros rojos para los exteriores nocturnos. En algunos momentos me resulta interesante la iluminación exterior.

“Toro salvaje”, es una película en blanco y negro, aunque vemos algunos momentos en color. La película muestra a Jacke La Motta, que es un corredor de toros asmático, que se entrena para ser número 1 en los pesos medios. Con la ayuda de su hermano, Joey, verá este sueño cumplido tiempo después. Pero la fama, consiguen empeorar las cosas. Su matrimonio se va empeorando, debido a sus celos, y por otro lado la mafia lo presiona para arreglar combates. Observamos la temática religiosa, símbolizada por la cruz católica que hay en su cuarto. Vemos la violencia del protagonista con su esposa. Me resulta devastadora el momento en el que el protagonista se pelea con un boxeador negro, ya no puede más y le da un golpe tan fuerte, que chorrea la sangre hasta el público que está mirando al ring. A pesar de ser en blanco y negro, se puede apreciar muy bien los contrastes de iluminación. En el rodaje de esta película, Robert De Niro, accidentalmente, le rompió una costilla a Pablo Neruda en una escena de pelea.

“Uno de los nuestros” es un drama criminal, el film sigue el ascenso y caída de tres delincuentes, abarcando tres décadas. Fue protagonizada por Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, entre otros. El argumento es el siguiente: Henry, hijo de padre irlandés y madre siciliana, es testigo de la vida de poder y respeto que llevan los gánsters que habitan en su barrio, en una zona de Brooklyn donde la mayoría son inmigrantes, y que está bajo la protección del patriarca de la familia Pauline, Paul Cicero, interpretado por Paul Sorvino. Henry, a sus trece años, dejará de asistir a clases y, fascinado por la vida mafiosa, entrará a formar parte de la organización, comenzando por ser un mero chico de los recados para ir ascendiendo de posición a medida que crece la confianza depositan en él los integrantes del hampa local, involucrándose cada vez en negocios más sucios. Tiene filtros rojos, fundidos en negro, en ocasiones percibimos  movimientos de cámara muy rápidos. En esta película oímos música italiana de Mina y de otros grupos musicales que le gusta Scorsese.

“Shutter Island” trata sobre unos agentes judiciales que son destinados a una isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una asesina peligrosa, que está recluida en un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el doctor John Cawley. Descubren que el centro guarda muchos secretos y la isla esconde secretos peligros. De esta última película, Scorsese confiesa en una revista7 que quedó fascinado con Shutter island desde la primera lectura del guión en una revista. Dice que “Más que la forma en que se cuenta la historia y la ambientación, para mí lo más importante es lo que le sucede al personaje de Teddy, que me parece muy conmovedor. En él se encuentra la conexión emotiva”. “Este es el tipo de película que me gusta mirar, el tipo de historia que me gusta leer”, explica Scorsese. “A lo largo de los años, he tratado de evitar cierta clase de películas que imitan un estilo que, en cierto sentido, encuentro educativo; sin embargo, estas son las películas que siempre vuelvo a ver, una y otra vez. Lo que a mí me parece interesante es el modo en que la historia y la realidad de lo que sucede van cambiando todo el tiempo y el hecho de que, hasta la última escena, todo gira en torno a la forma en que se percibe la verdad”.

Francis Ford Coppola

Es un guionista, productor y director de cine estadounidense ganador del premio Óscar cinco veces. Hijo del director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, ingresó a la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas, y años después se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Siendo aún estudiante, comenzó a trabajar para Roger Corman.

A principios de los 60 empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son películas eróticas de poco presupuesto. En este período completó los filmes Tonight for Sure y The Bellboy and the Playgirls, mediometrajes con desnudos. En 1962 conoció a Roger Corman, quien vio en Coppola a un joven con talento para ser instruido en el medio cinematográfico, y tiempo después establecieron una relación profesional en la cual él se convirtió prácticamente en su asistente personal.

Su primera película acreditada fue “Dementia 13”, un largometraje de terror de bajo presupuesto hecho para Corman en 1963 y rodado en nueve días en Irlanda. Pero ese mismo año ya había participado en la realización, sin aparecer en los créditos, de otro filme para el mismo director y productor, denominado “The Terror”.

Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX , siendo “El Padrino” la elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y “Apocalipsis Now” una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood. Por su fracaso en ciertas producciones lo han identificado como autor maldito.

La película “Apocalipsis Now” muestra la guerra de Vietnam. El guión está basado en la novela “El corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad ambientada en el África de finales del siglo XIX. La música que se utiliza es “La Cabalgata de las valquirias”, de Wagner. Este film tuvo mucha dificultad para estrenarse por el tema que trata, ya que por esta época no se había tratado esta temática anteriormente. Quería ofrecer la película, que él había coescrito junto a John Milius, a George Lucas. Dándose cuenta de que él mismo era el único con la ambición para llevarla a buen puerto, comenzó el rodaje el 1 de marzo de 1976 y lo finalizó el 21 de mayo de 1977. Hasta 1979 no la estrenaría, con el título Apocalypse Now. El rodaje tuvo problemas, Coppola mandó un informe al ejército americano sobre lo que iba a ir la película (masacre, consumo de drogas de los militares, relaciones sexuales…), pero el ejército se opuso totalmente a la realización de esta película. Tuvo un presupuesto de 27 millones de dólares, 15 millones más de los previsto al principio. Un huracán destruyó gran parte de los decorados. Marlon Brando exigió a Coppola cantidades excesivas de dinero y planes de rodaje a su gusto. El presupuesto del filme se disparó. El gobierno de Filipinas se llevaba los helicópteros que Coppola utilizaba para las escenas de batalla sin previo aviso, ya que estaban en guerra. Fue presentada en el Festival de Cannes, aún sin terminar el montaje, y ganó la Palma de oro. En una rueda de prensa, Coppola dijo la famosa frase: “Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam”. En esta película cuenta con la ayuda de los directores de fotografía Gordon Willis y Vittorio Storaro, y el decorador Dean Tavoularis. La United Artists apoyó a Coppola en este proyecto. Son interesantes las superposiciones de las imágenes del principio de la película, cuando vemos la cara de un militar consumiendo droga superpuesta a un ventilador de techo, se va fundiendo, y aparecen unos helicópteros y fuego en una selva. Vemos tomas panorámicas de la selva de Vietnam. Oímos los pensamientos del personaje en voz en off. Coppola se inspira en un coronel de la realidad, para realizar el papel de este personaje. Este coronel va a acribillar a los vietnamitas y a sentir alegría por la batalla. Vemos también escenas de imágenes con tono sepia, planos aéreos de helicópteros. El viaje del protagonista cada vez es más surrealista. Durante el rodaje, soltaron a un tigre de verdad, hambriento y los actores no tenían conocimiento sobre esto, y se asustaron. Vemos referencias de esta película en una película de Stanley Kubrick “2001: Odisea del espacio”: la música clásica la presencia de Nietzsche (Dios, muerte, superhombre), tema de África, carácter secreto de ambas misiones, biblia y libros que recuerdan a leyendas mágicas. Lo más impactante de esta película de Coppola es el ritual de la muerte, el montaje en paralelo de los golpes al personaje y por otro lado los golpes que le dan al sacrificar al caribú. Según mi punto de vista, lo más impactante de esta película es la iluminación y la interpretación de los actores. Coppola aparece fugazmente en una escena como reportero de televisión.

“The Cotton Club”, un film experimental, mezcla de musical y gánster. Es protagonizada por Richard Gere y Nicolas Cage. Es una mezcla de géneros: el musical, y el gánster. La película comienza con música fantástica, que recuerda a la película “El templo maldito”, de Sipielberg. Hay un trasfondo policíaco. Gere hace el papel de un trompetista, que busca el éxito, cuya suerte cambia cuando salva la vida de un gánster, Dutch Schulz (James Remar); Sandman es un bailarín que sueña con convertirse en una estrella. La coreografía, en la que destaca los números del claqué de los hermanos Hines, (unos hermanos de piel negra) es espectacular y muy estudiada, y la acompaña una excelente banda sonora. Estos bailarines entran en el club por la escalera del servicio, y cuando terminan de bailar claqué, vuelven a salir por el mismo sitio. Richard Gere da sus primeros pasos como bailarín. Coppola realiza montaje en paralelo, como por ejemplo mientras sucede por un lado la matanza y por otro lado el baile del muchacho negro en medio de la pista. Según mi punto de vista, esta escena del baile está muy bien iluminada, la luz de los focos va siguiendo el movimiento del baile del joven. Durante el final sucede una escena de amor, un tren irreal en una estación, a la vez que oímos música fantástica y jazz. Alterna secuencias musicales con otras de violencia, un proceso que ya utilizó en “El padrino”. Vemos en esta película un tratamiento ocre. Trata la realidad con la ficción. El director de fotografía va a trabajar con una cámara Mitchel.

En 1969, fundó sus propios estudios y ese mismo año, recibió un Oscar por su trabajo como guionista de Patton. Ello motivó que en 1972 la Paramount le encargara el guión y la dirección de “El padrino”, basada en la novela de Mario Puzo y galardonada con tres Oscar.

“Corazonada”, que es un melodrama romántico-fantástico. Pero el público no supo apreciarla como una buena película, tuvo mala taquilla. Trata sobre una pareja feliz que rompe en su quinto aniversario, viven aventuras paralelas y terminan volviendo. El personaje de Hank representa los valores tradicionales, quiere tener una relación estable, es posesivo con la novia, y ejerce violencia verbal (en una escena le dice a su novia “perra”). Frannie es inofensiva, trabaja en una agencia de viajes y simboliza las ganas de vivir. Esta película tiene una iluminación muy interesante. A lo largo de la película podemos ver luces muy fuertes, filtros rojos, va perdiendo color conforme va llegando al final. Algunas escenas comienzan con filtros de colores y se van apagando poco a poco, en el transcurso de la escena. Tiene numerosos fundidos que cierran y abren diferentes secuencias. Hay voces en off mientras está el fundido en negro. La música va matizando la historia. Vemos el uso del flash-black, montaje en paralelo, planos-secuencia. La temática que muestra es la pérdida de la pasión, cayendo en la rutina, lucha por la libertad (aviones, aeropuerto), tiene importancia la iluminación, las sombras, las transiciones, tiene un poco de estética de videoclip.

“El padrino 2”, muestra una sociedad ítalo-americana. Es una continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la sucesión en la familia a cargo de Michael Corleone y los orígenes del patriarca, Don Vito, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos. Es un drama gánster. Técnicamente vemos contrastes de iluminación, escenarios sombríos, luces naturales, estética sombría, algunos aspectos teatrales, ya que el director había trabajado anteriormente en el teatro. Edición en paralelo. Como temas vemos el amor, el poder, la superación, el destino, la violencia, el romanticismo, el honor, la traición, la soledad, la corrupción. La Paramount no quería a Coppola porque sus anteriores proyectos fracasaron. El proceso de rodaje fue más duro y largo que la primera parte, este llevó 112 días de rodaje, y viajes a Nevada, Cuba o Sicilia. Tuvo más éxito que la primera parte y consiguió 11 nominaciones.

“La conversación” además de dirigida, está escrita y producida por el propio Coppola, ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes. Una película con un guión inquietante Gene Hackman interpreta a un especialista en escuchas. Así se ve metido en un oscuro asunto en el que se mezcla un caso de homicidio y una serie de intrigas de poder. Un thriller de suspense con un fuerte carácter psicológico, basado en el remordimiento de conciencia. Un film de espionaje y de violación a la privacidad, de conjeturas y vigilancia secreta. Comienza como una simple investigación de infidelidad, pero va derivando en consecuencias inesperadas. Mantiene la intriga en todo momento, y va derivando en un desequilibrio psicológico del protagonista principal hasta límites de la locura. Me resultan interesantes algunos planos y la iluminación de algunas escenas. Me parece graciosa la escena en la que uno de los personajes está viendo la televisión y vemos referencia a la serie de “Los Picapiedra”. Me resulta inquietante la escena en la que el personaje está muerto, dentro de una bolsa de plástico y los medios de comunicación están grabando la situación. Hace referencia a la religión, en la escena en la que el personaje coge un icono de una virgen, la va mirando hasta que le da un puñetazo y la termina rompiendo.

“Drácula”, una adaptación que no escribió. Basada en la novela de Bram Stoker. El vestuario es diseñado por Eiko Ishioka. La película contiene múltiples efectos visuales de fácil concepción (realizados con instrumentos rudimentarios), pero difícil ejecución: sombras, ilusiones teatrales, marionetas, maquetas pintadas en cristal, paredes que se mueven, con el fin de dotar al relato de una extraordinaria atmósfera irreal; todo ello realizado por el fotógrafo Michael Ballhaus en colaboración con el hijo de Coppola. Esta película fue una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero la adaptación que dirigió Coppola está considerada como su adaptación oficial, ya que es el film más fiel a esta novela. La historia nos muestra al conde Drácula, un antiguo líder de un gran ejército del sudeste de Europa, que reside en un viejo castillo de los Cárpatos, en Transilvania. El conde es un vampiro, que se alimenta de la sangre humana. Este ser tiene el poder de manejar a la naturaleza, tiene poder de volar, adaptar la forma de un murciélago. Los productores habían pensado en otros directores de géneros de terror como William Friedkin o John Carpenter, pero finalmente escogieron a Coppola. Creo que es increíble la interpretación de Hopkins en esta película y el sonido de fondo utilizado en ciertas escenas es inquietante. Vemos transiciones para iniciar ciertas secuencias, en algunas secuencias utiliza el recurso de aceleración de imágenes, las sombras son perturbadores y muy marcadas en ciertas escenas. Algunos planos-secuencia pueden provocar intranquilidad. Observamos el cine dentro del cine: en una escena unos personajes están viendo una película en blanco y negro. Los escenarios oscuros de noche producen miedo. En definitiva, una película inquietante. Me resulta muy buena la interpretación de Anthony Hopkins.

“Tetro” empieza con la llegada de Bennie a Buenos Aires, desde Manhattan con la esperanza de reunirse con su hermano mayor. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, Tetro, se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba. Tetro es ahora un hombre distante y desilusionado. Durante el tiempo que Bennie pasa con su hermano y la novia de éste, Miranda, encarnada por Maribel Verdú, los dos vuelven a vivir las experiencias tormentosas de su pasado. Lo que une el primero y el último film de Coppola es el blanco y negro, el ambiente claustrofóbico, las historias de familias con fantasmas paternos y una mujer que lo ve todo desde fuera. Usa el color en determinados momentos de la película. Según una crítica de la página web de cine La Butaca, esta película es5 “un dilatado capricho que quiere pertenecer a otro tiempo, que el director parió acordándose de las sesiones de cineclub que miraban al cine europeo de los 50 y 60. Es una de la más personales de cuantas ha firmado, si no la que más. Una radiografía del autor, del genio en el seno del competitivo contexto familiar que nos remite irremediablemente a la saga misma de los Coppola. “Tetro” es un capricho que quiere pertenecer a otro tiempo”. Para mí, lo más interesante de esta película son los momentos en los que incluye el color, sobre todo en las escenas de flash back y en algunas situaciones dramáticas, como la situación del accidente. Retrata la inmigración italiana que pobló Buenos Aires en los inicios del siglo XX. Es de nacionalidad española, Algunos componentes del reparto fueron Maribel Verdú, Carmen Maura, Vincent Gallo, Rodrigo De la Serna, Leticia Brédice, entre otros.

Coppola decidió abrir una productora en Buenos Aires para producir y rodar esta película, pero en la pre-producción el guión de la película y otros materiales fueron robados. Dos meses después de que la película comenzara a rodarse en La Boca y otras locaciones, la Asociación Argentina de Actores demandó al director por alargar los horarios de rodaje y tener al equipo trabajando en malas condiciones salariales.

Clint Eastwood

Es un, director de cine, actor, productor cinematográfico, guionista, músico y compositor de Estados Unidos. Está considerado como una leyenda del cine. Fue influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar, David Janssen, que luego salió a la luz por su papel como actor en la serie “El fugitivo”, y Martin Milner, que realizó otra serie titulada “La vida de Ritley”. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales. En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, de Carmel, pero luego se vio obligado a abandonar el cargo por la incompatibilidad para realizar sus películas.

Años más tarde, rueda en Almería una trilogía de spaghetti western “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”, con los que Clint Eastwood se embolsó la cifra de 270.000 dólares. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de duro y sin piedad. El 1968 crea su propia productora “Malpaso Company”.

Se le considera un “autor estrella”, según los críticos de cine. Otro crítico, de la revista Cahiers du cinema, Andrew Sarris, propone el concepto de “auteur”, que tiene su surgimiento a partir de una serie de cineastas que luchan para enfrentarse con la televisión, para crear su sello personal en las películas. Hay otros críticos como Laurens Knapp que hablan de “autor estrella”, en el sentido que hay directores capaces de adaptarse a la forma de trabajo de Hollywood, pero sin someterse plenamente al sistema comercial y dando un sello personal.

Este director propone narraciones elípticas, personajes vagabundos, antihéroes, de clase trabajadora. Sus películas recuerdan a John Ford, dan tiempo a los personajes para que se expresen. Tiene un estilo muy marcado. Algunas características son un uso de la iluminación muy realista, colores apagados, prefiere rodar en exteriores, planos-secuencia, narrativas circulares, sus personajes son sencillos, individuales, mantienen una postura frente al mundo, puede parecer que incluso están peleados con el mundo. Conoce a Sergio Leone. Él mismo como actor encarna a un tipo duro, con personalidad estilizada, gesto tipificado y exagerado. Con la película “La muerte tenía un precio”, en la primera secuencia, vemos como sus gestos sugieren en vez de definir, su rostro es impenetrable, arquetípico, masculino, nadie es capaz de sacarlo de sus casillas. Lo que más me llama la atención y me resulta interesante de este director es el vestuario de sus películas de western.

A Eastwood lo podemos catalogar como autor estrella, según el crítico Sarris. Es el autor contemporáneo por antonomasia. Podríamos establecer una serie de categorías para estudiar a los cineastas, en función de su cine.

1-Autor-actor
Los directores que pertenecen a esta categoría dan un sello personal a sus películas. Es un director que interpreta y la película tiene su personalidad.

2-Autor
Podríamos encasillar en esta categoría a Stanley Kubrick. (Que dirigió películas como “La naranja mecánica”, “El hombre elefante” y “2001: una odisea en el espacio”. Son películas que te hacen pensar.  Diseñadas al milímetro, con todo planificado.  Atraen al público, aunque no siempre son un taquillazo.

3-Director independiente

El director de esta categoría es excéntrico, crea unos personajes con problemas de adaptación, de integración, personajes no comunes, subjetivos. Eastwood también trabaja con este tipo de personajes, con problemas de personalidad, sus personajes buscan su identidad.

4-Director de acción-espectáculo
Este tipo de director tiene capacidad para sorprender, con escenas casi imposibles de realizar, efectos especiales increíbles, banda sonora, acción. Aquí podemos incluir a Spielberg y James Cameron.
Clint Eastwood entraría dentro de estas cuatro categorías.

En la película “Cazador blanco, corazón negro”, el comienzo es muy interesante: un personaje cabalgando y un guionista bajando de un avión, va mezclando las dos situaciones mediante el montaje paralelo. Esta forma de presentar el montaje la emplea anteriormente en “El jinete pálido”. En esta película, Eastwood confiesa su idea de hacer cine por la boca de los personajes. Se podría decir que muestra su forma de hacer cine dentro del cine. Se apoya en la obsesión y contradicción de capturar a un elefante y rodar un safari. El guía africano va a morir para salvar al protagonista. Una de las personajes es Irene Sanders, que aparece en varias secuencias, y cuenta su guión sobre la historia de un perrito. En otra secuencia, el protagonista, aparece en un hotel, con una dama antisemita con la que va a mantener una conversación racista, a la que va a humillar, y defiende a los judíos, dado que su amigo presente en la escena, es judío. Según mi punto de vista, lo más interesante del final de esta película es cuando el elefante corre y se acerca al personaje, y el joven negro se interpone, los movimientos de la cámara que realiza son muy interesantes, en varios momentos es como si la cámara mostrara lo que ve el elefante y el estado de nerviosismo en el que se encuentra.

“Sin perdón”, se acerca al género western, el protagonista, Munny, un pistolero viejo y viudo, fue un asesino de mujeres y niños, un borracho que pegaba y maldecía a los animales. Tiene dificultades para sacar adelante a sus hijos. En el pueblo, hay un suceso: una prostituta, queda inhabilitada a causa de una que unos clientes la agreden, y sus compañeras, contratan a Munny, para que haga justicia, y mate a los chicos, por la dignidad de las mujeres. El protagonista, es un pistolero retirado, conocido como atracador, se dedica a criar cerdos, una tarea que no le gusta. La temática es la venganza natural, para luchar por la dignidad de las mujeres. El director se aleja de conceptos enrevesados. La película es elíptica, se abre y se cierra con grandes planos generales. Trabaja con iluminación natural, estética neblinosa, grandes paisajes, vemos las calles con las mantas de agua. La leyenda sale sobreimpresionada tanto al principio como al final del film, utiliza el mismo plano al principio y al final de la película. Munny entra en el bar a matar a quien se le pone por delante, mata sin compasión, sin pensárselo dos veces. Esta escena del interior del bar se desarrolla de una forma lenta. Al final, mientras leemos la leyenda sobreimpresionada, con el gran plano general, vemos que desaparece el protagonista y la ropa que hay colgada en un tendedero.

“Bandera de nuestros padres”, que junto a “Cartas desde Iwo Jima” forma un díptico. En “Bandera de nuestros padres” el lado bélico queda de lado, lo que le interesa a Eastwood es el lado mental. Basada en la novela de James Bradley y Ron Powers. Es rodada en Islandia, en época de verano. Hay un desembarco que recuerda a la película de Spielberg “Salvar al soldado Ryan”. Una escena impactante es cuando uno de los marineros cae al agua, al principio parecía algo divertido, luego pasa a ser una tragedia, donde pasaría a ser presa de los tiburones, porque lo van a dejar atrás, en el agua. Otra escena impactante es cuando los marineros llegan a la isla y se abren una serie de compuertas, por las que aparecerán los cañones, que procederán a disparar, vemos grandes planos generales, montaje paralelo, por un lado los marineros andando por la isla, y por otro lado los cañones de detrás de las compuertas. La imagen de Joe Rosenthal, dio la vuelta al mundo y se convirtió en un icono para Norteamérica: seis marines levantando una bandera, que fue un montaje del fotógrafo, porque llegó tarde y le tomó la fotografía mientras subían la bandera por segunda vez.

“Mistic River” cuenta la historia de Jimmy Markum, encarnado por Sean Penn, Dave Boyle, interpretado por Tim Robbins y Sean Devine, que crecieron juntos en un barrio de Boston, los tres pasaban los días jugando en la calle. Un día unos policías secuestraron a Dave y fue violado. Años más tarde, los tres se vuelven a encontrar por el asesinato de Katie, la hija de Jimmy. La noche del asesinato de la chica Dave llega malherido a su casa, por ello todas las pruebas le incriminan como el posible asesino. Vemos dos planos iguales: al principio del film, cuando Dave es cogido por los pederastas y el coche se va alejando, y casi al final, cuando el padre de la muchacha junto a otro amigo lo hacen montar en el coche, engañado, para ir a tomar unas copas, vemos el mismo plano del coche alejando y él mirando hacia atrás. Los temas que vemos son el abuso, el dolor de un padre y la investigación policial. Son buenos los planos los tomados desde arriba, cuando el padre llega al sitio donde está el cuerpo de su hija, y mira hacia arriba por la desesperación, estos planos, pueden dar sensación de la visión de Dios, que está arriba.

“Los puentes de Madison” empieza en el presente y la mayor parte son recuerdos del pasado. Relata la historia de Francesca una solitaria ama de casa italiana residente en Iowa, que se había casado con un soldado estadounidense y emigrado a Estados Unidos. Mientras su esposo e hijos se encuentran fuera conoce y se enamora de un fotógrafo, encarnado por Clint Eastwood, que ha llegado al condado de Madison para realizar una serie fotográfica sobre los puentes. Los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida por la relación extramatrimonial que mantiene con él, historia que refleja en un diario que sus hijos leerán tiempo más tarde, donde verán que la voluntad de su madre. Esta es la película más romántica de Eastwood hasta los últimos tiempos. Hay momentos de aislamiento de los personajes. Vemos una forma muy clásica de contar las cosas. Me gustan las escenas que están iluminadas con velas. Vemos distintos tipos de planos y de angulación de la cámara en diferentes momentos, oímos la voz en off de los pensamientos de la protagonista mientras va en el coche, su interpretación es muy emotiva.

“Escalofrío en la noche”, trata temas como la violencia, tanto física como psicológica. Es un thriller psicológico, mezcla de drama, intriga con tono realista. La trama del film gira en torno a la obsesión que sufre una mujer, Evelyn, por un locutor de radio llamado Dave Garver, a quien llama todas las noches para que ponga la canción “Nebulosa” en su programa. Tras un encuentro de ambos, la mujer empieza a acosar a Dave. Podemos ver planos generales, planos detalle y primeros planos, movimientos de cámara, como travellings y panorámicas. Utiliza la técnica del claroscuro, contrastes fuertes, desincronización del diálogo. Vemos acoso, amenazas, obsesión violenta, protagonismo de la música jazz, evolución de los protagonistas. Se pueden percibir escenas de paralelismo con “Atracción fatal”, en ambas películas la mujer intenta cortarse las venas y muere. El personaje se va a ir construyendo a sí mismo, recibiendo influencia que lo va a afectar y modificar su personalidad, que es la que lo va a hacer evolucionar. Lo mejor del film resulta cuando aparece siempre el personaje de Evelyn, tanto en las escenas en las que hay cierta acción cercana al terror remarcando cada uno de los cuchillazos y la presencia de la sangre, tanto en el rostro cómo en los vestidos y los muebles que rodean a los protagonistas. Vemos una habilidad con la cámara fascinante, con relevantes planos, que en la penumbra de la noche nos daría algo de miedo.  La trama magnífica, con puntos románticos.

“Deuda de sangre”, un thriller, mezcla el suspense y el crimen. Tiene travellings y panorámicas descriptivas, iluminación natural, casi siempre en exteriores, música jazz y country, diálogos coloquiales, basada en una novela de Conelly. Muestra los temas e la venganza, la constancia, el agradecimiento, no usa falseamiento de la realidad. El dinamismo y la variedad de recursos visuales dan ritmo a la película. El protagonista tiene un comportamiento intimista, minimalista, solitario. El argumento es el siguiente: Terry McCaleb (Eastwood) es un agente retirado del FBI, al que se le ha dado una nueva oportunidad en la vida, mediante un trasplante de corazón de una víctima de asesinato. Terry recibe la visita de la hermana de la víctima, recordándole que está vivo gracias al trasplante que recibió y le pide que investigue el asesinato de su hermana. Más tarde descubrirá que los asesinatos que están ocurriendo tienen cierta conexión, relacionados con unos signos. El asesino resulta ser un conocido suyo. En una de las secuencias del final, que vemos en la foto, los planos son un poco picados y contrapicados, para mostrar la inferioridad de uno frente a la superioridad del otro.

“Million dolar baby”, es un drama. El argumento trata sobre una muchacha de unos 30 años, que es camarera de un bar, pero su sueño es ser boxeadora. Durante una de las peleas, recibirá un mal golpe y quedará tetrapléjica, y pedirá la eutanasia, para morir sin dolor. La madre de Maggie, la maltrata psicológicamente, y no considera que el trabajo de boxeo sea un trabajo digno. Vemos tonos grises y azules. Poca utilización de efectos especiales. Tiene un montaje acelerado para las secuencias de boxeo y acción. Tiene un estilo melodramático con tono realista. La voz en off es un pilar básico, que cuenta la historia, con una banda sonora sencilla. Tiene algunos diálogos cómicos, violentos y devastadores. Cuando la Osa da el golpe ilegal a Maggie, el sonido se detiene y se ralentiza, para mostrar el estado de desorientación. La idea principal es la lucha por un sueño, junto a otros temas como el amor, eutanasia, aprender de los errores, que todo el esfuerzo tiene su recompensa. El personaje que encarna Eastwood, ve en Maggie a la hija que nunca tuvo. Maggie representa el afán de superación, aun después de haber sufrido el maltrato de su familia, siente la obligación de ayudar a su madre y le regala una casa. Las escenas con más peso, las muestra con planos cortos, se usa el teleobjetivo para situar a los personajes. No tiene un final feliz, como la típica película hollywoodiense. Creo que el argumento es simple, pero transmite unos valores humanos que llegan dentro y tiene una gran variedad de recursos visuales.

“Cartas desde Iwo Jima”, de género bélico, con estilo dramático y tono realista. Nos muestra varios personajes, como Saigo, que interviene en la guerra por obligación, el general Kuribayashi, actúa por defender a su patria, su objetivo era alargar la resistencia nipona, el teniente Ito también actúa para defender a su patria, pero abusa de su poder y ejerce violencia sobre algunos de los personajes. Algunas localizaciones son: Iwo Jima, Islandia, California. Como recursos vemos flash-back, con música de fondo, algunos efectos especiales pero sin abusar, vemos colores apagados, con poca saturación, con tonos ocres y contraste muy alto, llegando al blanco y negro, sombras muy profundas, ritmo lento, narrativa circular (acaba igual que empieza), efectos sonoros ambientales y propios de la guerra. El tema principal es la guerra, otros subtemas son el patriotismo, la amistad, suicidio como derrota, aceptación de la muerte, exaltación de los sentimientos. Se resalta lo “humano” de una guerra, da voz al enemigo, predominio de emociones y sentimientos. Nos muestra una parte de la historia de la humanidad como fue la Batalla de Iwo Jima, ocurrida en el océano Pacífico durante la II Guerra Mundial.

“Un mundo perfecto”, que trata sobre un hombre, Butch Haynes, que se fuga de la cárcel con Terry, su compañero de celda, en la noche de Halloween, Terry decide entrar en una casa, que resulta estar habitada por una familia de testigos de Jehová, y no podrán salir sin un rehén, que resulta ser Philip, uno de los hijos. Eastwood hace el papel de un agente del FBI, que está en busca de estos criminales que se han escapado. Tras una tensa situación en la que Butch deja a Philip con la pistola vigilando a Terry mientras él sale del coche a comprar, Terry le arrebata el revólver al niño, que sale corriendo del coche, y Terry lo persigue. Al final Butch quien encuentra a Terry y lo mata de un disparo, que escuchamos en off. Butch y Philip comenzarán un viaje, en el que el niño aprenderá muchas cosas sobre la vida preguntando a Butch, y éste en lugar de responderle de malas formas, le responderá con calma. La película se centra principalmente en las relaciones humanas, tocando el tema de los malos tratos a menores. Creo que la temática es atrayente y me parece interesante la evolución psicológica de los personajes, podríamos identificarla como una road movie, porque los personajes realizan un viaje por carretera y vemos un cambio psicológico.

“El jinete pálido” es de género western producida, dirigida e interpretada por Eastwood. Supuso una reactualización de un género que se creía agotado. Tuvo gran éxito de público. El argumento de esta película es el siguiente: En un lugar perdido entre las montañas, un grupo de mineros trabaja para arrancarle a la tierra el oro que les permita dar de comer a sus familias y mantener la ilusión de una vida mejor. Un magnate de la minería industrial de la región, dueño de casi toda la ciudad de Lahood, desea estas tierras de oro, pues sus pozos ya se encuentran casi agotados. Ante la negativa de los vecinos a venderle sus explotaciones. Este magnate recurre a todo tipo de coacciones, amenazas, chantajes, y cuando está a punto de conseguir su objetivo, un forastero viene a cambiar la situación. Este señor sin nombre, denominado Predicador, intentará dar un giro a esta situación. Pero Lahood se reserva un as en la manga: el implacable Comisario Stockburn y su equipo de ayudantes, un grupo de cualificados asesinos a sueldo le hacen el trabajo sucio. Ante semejante amenaza, el Predicador retoma las armas que un día abandonó para dedicarse a la asistencia espiritual, y decide enfrentarse a Stockburn y sus secuaces, para ayudar a sus amigos mineros pero también para saldar una vieja deuda. Esta película se inscribe en lo que podríamos llamar “western psicológico”. Utilizando diversos elementos narrativos y combinados con detalles técnicos elegantes y sutiles, la película construye una historia sólida y compleja. Como anécdotas de esta película, el primer caballo que se le asignó a Richard Kiel, no puedo soportar su peso y tuvieron que proporcionarle otro más fuerte La estación de tren es la misma que se utilizó posteriormente en “Regreso al Futuro III”. El título del film proviene de la Biblia, del libro del Apocalipsis, y la cita del principio es leída por uno de los personajes cuando entra en el pueblo minero El predicador montado a lomos de un caballo pálido. El guión fue realizado por Michael Butler y Dennis Shryack, aunque la idea fue de Eastwood. Según mi punto de vista, la interpretación de Eastwood como misterioso, es asombrosa, sobre todo la escena en la que vemos al muchacho que pretende abusar a la chica, llega él como un héroe y oímos un tiro al aire, fuera de campo, la joven se monta en el caballo junto a él. También creo que es extraordinario el montaje paralelo de la primera secuencia de la película, cuando oímos el trote de los caballos.

Según un artículo de la revista Cahiers du Cinema (febrero 2009), las dos películas más fascinantes, meditativas y melancólicas que ha dado la historia del cine son “Gran Torino” de Eastwood y “El curioso caso de Benjamín Button”, de Fincher. Ambas películas establecen entre sí una dialéctica que ilumina algunas encrucijadas del cine americano de la actualidad. Con “Gran Torino”, Eastwood clausura su revisión del thriller y del género western, convirtiéndose en una parodia de sí mismo y de su propio icono, una especie de autorretrato que funde realidad con ficción, actor y personaje. Mientras Fincher hace que sintamos el paso del tiempo en sus películas, Eastwood prefiere acumular aún más referencias en menos planos.

Las películas de Eastwood y Fincher, no solo tienden puentes con las filmografías anteriores de sus responsables y con el pasado del cine, sino que también construyen pasadizos secretos que les permiten comunicarse entre sí. Tanto Eastwood como Fincher han filmado películas que intentan retratar a Obama con la mayor fidelidad posible.

Steven Spielberg

Steven Spielberg es un director, guionista y productor de cine estadounidense, cursó estudios de cine en la Universidad Estatal de California, en Long Beach. En 1969, el Festival de Cine de Atlanta proyectó su corto “Amblin”, con una duración de 22 minutos, lo que le supuso un contrato con Universal.

Realizó un largometraje para televisión llamado “El diablo sobre ruedas”, del que posteriormente se hizo una película, que tuvo mucho éxito. Revitalizó el género de aventuras, llega a todo el mundo, es un “crack” en los efectos especiales.

En 1984, creó su propia productora, Amblin Entertainment. de más de doce películas que fueron auténticos éxitos como “Gremlins”, “Regreso al futuro I, II y III”, “En busca del valle encantado”, “Los Picapiedra”, “Casper”, entre otros. En octubre de 1994, Spielberg, anunció la creación de DreamWorks SKG, un nuevo estudio en el que se asociaba con Jeffrey Katzenberg y David Geffen.
Es fanático del cine desde niño. Desde los 12 años inventaba historias y en algunas escenas trabajaba con salsa de tomate para imitar la sangre. El 1959 realiza su primer intento de película, que dura 3 minutos y le costó 8 dólares, en 8 mm.

Las características que marcan su cine son que muestra las fantasías creíbles, los sucesos ocurren desde el exterior, no son filosóficos, ni intimistas, (a diferencia de Woody Allen y casi todo el cine europeo). Los temas que trata son relacionados con Dios, el más allá, extraterrestres, inocencia que se deja a un lado para dar lugar a la  madurez, se preocupa por hacer del cine algo más que la vida. Spielberg está influenciado por otros directores como Hitchcock, David Lean, Akira Kurosawa, Fran Capra, Stanly Kubrick.

Su primer gran éxito fue “Tiburón”, basada en una novela de best seller de Peter Benchley, presente durante todo el rodaje en calidad de “asesor”, no estaba de acuerdo con la interpretación que hacía Spielberg de su novela y se pasaba el día interfiriendo y quejándose ante el director. Es considerado el primer blockbuster de la historia. La banda sonora es muy importante en la película, porque marca la presencia del tiburón aunque no lo veamos. Comienza con tomas submarinas, planos generales de unos chicos en una playa, haciendo una barbacoa. Una chica se mete en el agua y va a ser devorada por el tiburón, y a partir de aquí van a comenzar al rescate de este animal submarino. Podemos apreciar un poco de terror psicológico, como utilizaba Hitchcock: que el monstruo no se viera hasta casi el final. Maneja el suspense y la elipsis. Los productores de la película le dijeron que rodase en un estanque, pero él prefirió rodar en el mar, en una playa de Massachusetts, donde se hace pie hasta 20 km. Tuvieron muchos problemas con los tiburones, porque el agua salada influía en su mecanismo. Se construyeron 3 tiburones. Spielberg pidió a la productora que no se mostrara el tiburón hasta haber transcurrido una hora de película, para así mantener el miedo y el suspense entre el público, ya que el espectador no tendría una imagen o figura a la que temer, cosa que según el propio Spielberg da muchísimo más miedo.

Esta película fue un taquillazo y le valió la fama internacional con este film. Como curiosidades de esta película, la selacofobia o miedo a los tiburones, muchos psicólogos la atribuyen especialmente a esta película. Según mi punto de vista la banda sonora es inquietante y me parecen muy buenos los efectos especiales. La música que suena cuando el tiburón parece que va a actuar me resulta angustiosa.

“Encuentros en la tercera fase”, donde se ve su carga ideológica hacia lo sobrenatural, la otra dimensión. El protagonista siente la presencia de alienígenas. Un experto intenta comunicarse con estos seres mediante la música, una serie de notas musicales. Se ve una escena de película de “Los diez mandamientos”, en una de las escenas en la que el niño juega con unos trenes eléctricos que los hace chocar, aquí recuerda Spielberg a su niñez, y se da un auto homenaje. El responsable de los efectos especiales es Douglas Trumbult, las nubes del cielo las realiza a base de agua dulce y salada, inyectándole pintura blanca y permanecen en el aire. Las cabezas de los marcianos son unas máscaras. El perfil de niño que trata con ovnis se ve en otras de sus películas, como por ejemplo “ET el extraterrestre”, que es más infantil, tiene diálogos simples, no comunica nada, solo es un extraterrestre que se ha perdido en la tierra y desea volver a su planeta, vemos reflejados dos mundos: el infantil y el adulto. El extraterrestre fue un diseño de Carlo Rambaldi, quien se inspiró en los rostros de Albert Einstein, Carl Sandburg y Ernest Hemingway. Spielberg decidió rodar toda la película de forma cronológica, incluidos los planos de cada secuencia, prescindiendo de story-boards e improvisando mucho, logrando naturalidad y verosimilitud. Logró terminar la película con varios días de antelación respecto al plan de producción. El director cuidó cada detalle al máximo para lograr dar privacidad, intimidad y espontaneidad a sus niños. Percibimos música ciertas de suspense y en otras ocasiones los sonidos y la música pueden llegar a provocar terror y nerviosismo, y las atmósferas nublosas son inquietantes visualmente.

“La lista de Schindler”, es una película mucho más seria, con una temática conmovedora, que intenta reflejar unos hechos que sucedieron en la historia de la humanidad. Se retrata al ejército nazi, los soldados actúan con extrema crueldad y muestra el holocausto judío. Spielberg rodó con la cámara en mano, es un film en blanco y negro con momentos en color. Un momento dramático es en una imagen que aparece una niña con una chaqueta roja, chaqueta que luego aparecerá tirada. Construye una réplica de un campo de concentración. Con esta película Spielberg renunció a cualquier derecho económico y lo donó a asociaciones que se dedican a las víctimas del holocausto nazi.

“Indiana Jones, en busca del arca perdida”, protagonizada por Harrison Ford. El guion fue escrito por Lawrence Kasdan. Indiana Jones es un profesor universitario de arqueología, que para conseguir reliquias históricas. Tras regresar de una misión en  Sudamérica, el gobierno estadounidense le encargará un nuevo cometido: la búsqueda del Arca de la Alianza, lugar en donde se cree que los hebreos depositaron los mandamientos que Dios había otorgado a Moisés, y cuya leyenda atribuye un invencible poder a quien lo posea y los nazis también van detrás de ella. La temática de este film es sagrada. Los personajes son estereotipados, como escenarios vemos el desierto, la selva, los efectos especiales tienen más peso que el guión en sí. Tiene primeros planos y planos medios para diálogos, claroscuros, travelling, panorámicas, planos largos para describir lugares. El montaje tiene cortes rápidos para dar sensación de dinamismo. Esta película fue rechazada por diversas distribuidoras, ya que sus ejecutivos consideraban que el argumento era demasiado extravagante y era muy costosa para producirla. Paramount Pictures decidiría financiar el filme. Debido a las altas temperaturas y al riesgo de contracción de enfermedades, el rodaje en el lugar resultó una experiencia severa. Varios actores y personal técnico se enfermaron, aunque Spielberg fue uno de los pocos que no lo hizo, porque consumía comida enlatada. Los efectos especiales son muy interesantes.

“El color púrpura”, basada en una novela de Alice Walker. Es una película más intimista y perspectiva más madura. Nominada 11 veces a los óscar, aunque finalmente no ganó ninguno. Cuenta la vida de una mujer que negra que sufrió de niña abusos por parte de su padrastro, con el que tiene 2 niños, fruto de estas violaciones, tiene una actitud pasiva, resignada, sumisa, fe en Dios, encarnada por la actriz Whoopi Goldberg, que se da a conocer con esta película. Como temática trata la religión, el racismo, la violencia de género, pérdida de la infancia, la muerte como escapatoria, la esclavitud. El nombre de la película se asocia al sufrimiento, al dolor, a los golpes que reciben las mujeres, la divinidad, la sabiduría, esta película marcó una diferencia respecto a sus películas anterior, pero la academia no la reconoció como mejor director. Muestra entornos de paisajes naturales que contrastan con la violencia que llevan a cabo diferentes personajes. Vemos primeros planos del buzón relevantes en el argumento de la historia. Aparecen ceremonias cantando, típicas de la cultura negra.

“Salvar al soldado Ryan” es una película bélica, que retrata a las minorías, Kaminski realiza la fotografía, y ganó el óscar a la mejor fotografía, los decorados están bien confeccionados y detallados. Tenemos primeros planos, planos detalle en los que se ve el sentimiento y miedo de cada uno de los personajes, hay un cambio en la intensidad de la luz, vemos siluetas casi negras. Como recursos sonoros, oímos sonidos ambiente de tanques, gritos, disparos, lluvia, el montaje tiene una estructura clásica, con transiciones entre batalla y batalla, otros temas son la religión, dolor, miedo, compañerismo, lealtad, el patriotismo, humanidad, critica la guerra y al nazismo, enfatiza la crueldad de la guerra. Al poco de terminar “Salvar al soldado Ryan”, Spielberg y Tom Hanks, ambos como productores ejecutivos, se hicieron cargo de la miniserie “Hermanos de sangre”, para HBO y DreamWorks Television.

“El imperio del sol”, que es de género bélico. Parte de la película fue rodada en España, en la localidad andaluza de Trebujena, y parte del reparto de extras donde se rodó la película pertenecen a ese lugar. Lo que me resulta interesante de esta película es la banda sonora, la misma música suena tanto al principio como al final, presente también en una ocasión en la mitad de la película, cantada por el niño, y le da cierto toque de dramatismo y sentimiento. Me resulta muy buena la interpretación del niño en toda la película.

“Atrapame si puedes” basada en la vida de Frank Abagnale Jr., encarnado por Leonardo Dicaprio, quien antes de cumplir 19 años consigue millones de dólares haciéndose pasar por piloto de una empresa aérea, por médico y por abogado. Su principal modo de operar era la falsificación de cheques, delito en el que logró tanta habilidad y experiencia, que el FBI finalmente lo reclutó como asesor en ese tipo de fraudes. La banda sonora me parece interesante, los créditos parecen muy estudiados y planificados, adelantan sobre lo que puede tratar la película. Me resulta graciosa la escena en la que el protagonista consigue engañar al policía que lo anda buscando. Es interesante el plano de cuando lo capturan, se monta en el coche de la policía y se ve su cara en el espejo retrovisor del interior del coche, y la luz roja del coche de policía contrasta con la iluminación oscura de la noche.

Podemos comparar a Spielberg con Shyamalan. Uno de los motivos visuales más usuales en las obras de ambos es el del plano que muestra a sus protagonistas mirando al cielo, lo que provoca un inmediato efecto metafórico en la imagen de sus espectadores, que observan la pantalla con la misma expectación que los héroes del film. Ambos quieren devolver el cine a sus procedimientos narrativos clásicos del cine de la industria de Hollywood. Shyamalan se inclinó por las películas con contenido sobrenatural, como Spielberg, y no por las comedias románticas como otros directores americanos. A la película “Señales”, de Shyamalan algunos críticos le encuentran parentesco con “Encuentros en la tercera fase”, de Spielberg, pero es precisamente en la creación del misterio, la revisión de los mitos y la presentación de los extraterrestres donde Spielberg logra un éxito rotundo y sin embargo Shyamalan fracasa. Una de las películas que he visto de Shyamalan es “La joven del agua”, pero no me resultó una historia interesante, aunque en  otra de sus películas como “El sexto sentido”, el argumento es interesante, la forma de contar la historia con las elipsis y flashs back.

Spielberg se convirtió en el director más joven de la historia en firmar un contrato a largo plazo con uno de los grandes estudios de Hollywood. Uno de los maestros de los efectos especiales.

Woody Allen

Woody Allen es un director de cine, guionista, escritor, músico y actor americano. Su religión judía va a influir en la mayoría de sus películas. Antes de la dirección comenzó como guionista y también trabajó como actor tanto en varias de sus películas como en las de otros directores. Sigue escribiendo sus guiones en una máquina de escribir de las antiguas y yendo a tocar el clarinete los sábados por la noche al mismo local desde que era niño.

Su primer encuentro con el cine fue con tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo. Amante del humor de los Hermanos Marx y Bob Hope. Además de los hermanos Marx le atraían otras estrellas como Humphry Bogart, James Cagney, Gary Cooper, entre otros. Lo contrataron con 16 años, mientras estaba en el colegio, para escribir chistes y anécdotas, luego escribió para la radio, la televisión y humoristas de cabaret. Luego escribió para él mismo como humorista y posteriormente pasó a escribir guiones de cine y a dirigir.
Sobre la fotografía de sus películas, tuvo la oportunidad de trabajar con Sven Nykvist con quien hizo dos películas y media. También trabajó con Remi Adefarasin, y en su última película con Harris Savides. Confiesa que su madurez en el cine comenzó con Willis, que según dice “es un maestro de las sombras y del claroscuro”.  Como actor realiza dos tipos de papeles, hace de intelectual o de retrasado. Casi nunca lo invitan a participar como actor en otras películas. Se considera miembro del grupo de intelectuales de izquierdas. Intenta escribir la realidad como la percibe, de la misma forma como si estuviera describiendo a una familia de judíos, como en la que se educó, con sus defectos y sus virtudes.

Su estilo puede dividirse en varias etapas:
-Etapa cómica, donde situamos “Toma el dinero y corre”, escrita y dirigida por él, en la que actúa como un ladrón. Fue apoyada por Palomar Pictures, aunque no quedó muy satisfecha con el resultado final, pero fue un éxito de espectadores. “Bananas”, apoyada por United Artist, productora de Charlie Chaplin, con la que firma un contrato. “Bananas” tiene influencias del cine americano cómico y del cine europeo (Bergman, Fellini). Aquí crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, con influencias de Fellini, formada por gags independientes. “El dormilón”, “Sueños de un seductor”, que no dirige pero sale como protagonista. “La última noche de Boris Grushenko”, ambientada en la Rusia del siglo XIX, y juega con varias señas de identidad de ese país. La importancia los gags, la construcción de personajes perdedores y miedosos.
-Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, con su personaje débil y perdedor, descrito como intelectual, por la que recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo.

“Interiores”, con estructura y temática bergmaniana. En esta película no oímos música de inicio, percibimos planos de susurros y gritos, vemos la influencia de Bergman, de “Mitos y susurros” por el tema de la muerte e incomunicación humana. Tiene largos planos evocadores de bodegones, ventanas y demás naturalezas muertas, muchos silencios poéticos y prolongados paseos por la playa. Trata la temática de la muerte, los celos, el egoísmo, Dios, las intimidades del alma humana (todo al estilo de Bergman). Otra influencia de Bergman en esta película es de la obra “Sonata de otoño”, por la protagonista neurótica, dominante.

Tiene también influencia de los grandes pensadores del existencialismo. Una de las hijas de la protagonista se dirige a la cámara, hablando al espectador, y así intentar que el espectador la comprenda. Recibe influencias filosóficas de Fedor Dostoievski (sentido de la búsqueda y de la culpa), Albert Camus, Soren Kierkegaard (filosofía pesimista de la vida). “Manhattan”, en 1979, realizada en blanco y negro y considerada un clásico en la historia del cine, fotografía realizada por Gordon Willis y con música jazz, fue rodada en localizaciones reales, a Allen no le gustó el resultado final debido a su excentricismo y perfeccionamiento, y le propuso a su productora destruirla y hacer otra película gratis, pero la productora no le hizo caso, y estrenó la película, con la que tuvo mucho éxito.  Aquí Allen se inspira en Vicente Minelli, en las películas: “El apartamento”, para el travelling final corriendo por la ciudad de Nueva York, también de “Dos semanas en otra ciudad”, durante el paseo nocturno que termina en un puente colgante. Otra de las películas de esta etapa es “Recuerdos”, con referencia de la película de “Ocho y medio” de Fellini, “Comedia sexual de una noche de verano”, con influencia de Shakespeare y Bergman. “Zelig”, “Broadway Dany Rose”, aquí si sale la ciudad de Nueva York con basura, grafitis, muestra la cara más sucia de esta ciudad, a diferencia de en sus demás películas, donde muéstrala belleza de esta ciudad con total esplendor. “La rosa púrpura del Cairo”. El marido de la protagonista es un personaje agresivo, maltratador, villano, uno de los más contundentes creados por Allen, es desagradable, su manera de actuar es claramente la de un mafioso, hay otros personajes en el cine de Allen con estas características como es Humphry Bogart en “Sueños de un seductor”, los demás personajes de esta película no tienen ninguna autonomía, están supeditados al creador, el gran acierto a nivel técnico es el tránsito de los personajes que salen de la pantalla, se relaciona con el mundo de lo onírico y la realidad. Hay dos clásicos que influyen en esta película, que son: “El discreto encanto de la burguesía” de Luis Buñuel y “El moderno Sherlock Holmes” de Buster Keaton, “Hannah y sus hermanas”, que es una película coral, en la que todos los personajes son importantes, Allen actúa como coprotagonista, la rueda en su casa, con sus niños, la música está adecuada a cada personaje como señal de identidad, el tema principal es el deseo. “Septiembre”, “Días de radio”, donde un personaje recuerda su infancia en Brooklyn, que también tiene influencias de Fellini, “Otra mujer”, en la que cuenta con Bergman para que le aconsejara en temas de fotografía, “Delitos y faltas” donde mezcla comedia y drama.

-Etapa manierista, con películas de influencias de Hitchcock, como “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini, por la esposa de éxito, de clase burguesa, asiste a sesiones de espiritismo para resolver sus problemas. “Sombras y niebla”, , “Maridos y mujeres” en la que mueve la cámara de forma alocada, los personajes se dirigen a la cámara para hablar en ocasiones. “Misterioso asesinato en Manhattan” en la que utiliza muy bien el suspense, “Balas sobre Broadway”, donde Allen deja el papel a John Cusack, “Poderosa Afrodita”, “Todos dicen I love you”, que es un musical, “Desmontando a Harry”, “Celebrity” y la etapa se cierra con “Acordes y desacuerdos”, donde utiliza la técnica del falso documental. Su cine de esta etapa está más centrado en la forma.
-De su etapa de madurez tenemos “Granujas de medio pelo”, donde vemos  que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop”, “El sueño de Casandra”.

Vamos a pasar a comentar algunas de sus películas:

“Poderosa Afrodita” tiene un lenguaje muy vulgar, a diferencia del resto de sus películas, en las cuales se utiliza un lenguaje más formal, comedia con parte musical, tono realista, estilo irónico, los temas que muestra son la prostitución, la adopción, la violencia, el sida, intolerancia, prostitución, machismo, adopción. Tiene escenas largas con largos planos-secuencia, panorámicas, habla del teatro dentro del cine. Lenny, encarnado por Allen, es un periodista deportivo marido de una joven galerista de arte. La esposa, después de mucho insistir, consigue adoptar a un niño. Con el paso del tiempo, Lenny se propone buscar a la madre de su hijo adoptivo y descubre que es una prostituta, a la que intenta ayudar para que tenga un futuro.
En “Scoop” muestra una comedia con elementos fantásticos, donde plantea la ética periodística, vemos planos-secuencia con personajes hablando fuera del encuadre, situaciones poco creíbles, resolución del conflicto de forma ridícula. Transmite valores como la ética de la mentira para conseguir una información, no hay que confiar en el amor ciego. El periodista fallecido Joe Strombel trata, desde el más allá, resolver el caso del asesino de las cartas de tarot. Le ayuda a Sondra Pransky, encarnada por Scarlett Johansson, una periodista, que ve al difunto cuando asiste a un espectáculo de magia de Sid Waterman, interpretado por Woody Allen. El principal sospechoso del caso es Peter Lyman (un aristócrata del que Sondra se enamora. Según mi punto de vista, algunos planos son muy buenos y la iluminación de ciertas escenas dan sensación de miedo. Algunas escenas pueden resultar no creíbles.

“Zelig” es una sátira, que ha sido tratada como falso documental, con una fotografía en blanco y negro, que sirve para recrear los ambientes de los años 20-30. Leonard Zelig, encarnado por Woody Allen, es un judío desamparado. No tiene personalidad propia, pero se da a conocer porque experimenta unas transformaciones en las personas que entran en contacto con él. Su necesidad de ser aceptado le hace transformarse en las personas que tiene a su alrededor, lo que le convierte en un fenómeno mediático. Creo que son geniales las interpretaciones, es muy buena la construcción del documental y los diálogos son memorables.
“Sombras y niebla” es la historia de un hombre cobarde que recibe el encargo de salir a medianoche a la búsqueda de un asesino, que actúa cuando hay neblina. Los vecinos planean su búsqueda y precisa de la ayuda de Kleinman, que no sabe en qué consiste este plan. Utiliza la música de suspense, manejos de silencios, recursos que dan ritmo a la obra, muestra atmósfera expresionista: niebla, oscuridad, claroscuro, callejones poco iluminados, planos-secuencia y planos circulares, música en escena de suspense, manejo de silencios, música de slapstick en las persecuciones. Se la considera como un experimento expresionista. Un asesino siembra el pánico en la ciudad. Tiene influencias de Fellini, Hitchcock, Bergman y del cine negro de los 40 y 50. Tenemos temas como el sexo, la muerte, el caos en la sociedad, infidelidades, dinero, decadencia de la sociedad.

“Match Point” un drama melodramático con tono realista, donde los ejes estructurales en la trama son la pasión, la tentación y la obsesión, muestra la sociedad anglosajona, utilización de música clásica, muestra un reflejo de la sociedad europea. La historia transcurre entre la campiña inglesa y rincones refinados de Londres. Los productores jamás interfirieron en la realización de la película. La película cuenta la historia de Chris Wilton un ex campeón de tenis irlandés de orígenes humildes que traba amistad con Tom Hewett,un hombre rico, al convertirse en su entrenador. Su hermana, Chloe Hewett se enamora de él. Pero Wilton siente una pasión por Nola, encarnada por Scarlett Johansson, una joven que lucha por convertirse en actriz. El cine de Allen ha sido utilizado como objeto de metáforas relacionadas con algunos temas más candentes de la vida nacional, como es el terrorismo. El consejero de Interior del Gobierno Vasco, Javier Balza, utiliza la famosa imagen de la pelota de tenis cayendo hacia un lado, mostrada al comienzo de esta película, para explicar que “el final de ETA y la paz no pueden depender de la suerte”.

“El dormilón”, construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, recuerda a ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia con banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz. Monroe, encarnado por Allen, es dueño de un establecimiento de comida. Tras acudir a una operación de es congelado por error siendo despertado 200 años después, en el futuro, por un grupo de rebeldes que precisa una persona sin identidad para llevar a cabo sus planes de derrocamiento del dictador que gobierna el mundo. Monroe se resiste e intenta escapar, haciéndose pasar por un mayordomo mecánico. Se encuentra con una mujer, Luna (Diane Keaton) y unas persecuciones provocan que sea capturado. Tras ser secuestrado de nuevo es sometido a un proceso de reeducación. Se informa sobre el secreto proyecto que se ofrece como una oportunidad para lograr sus objetivos. El argumento y la trama resultan interesantes, muy futurista para la época, y tiene unos puntos que se notan que solo pueden ser de Allen.

“Misterioso asesinato en Manhattan” tiene un tono cómico. Esta fue la primera película en que Keaton trabajó con el cineasta. Carol Lipton, encarnada por Diane Keaton, es ama de casa de Manhattan. Sospecha que su vecino Paul House, interpretado por Jerry Adler, un hombre de edad avanzada, ha asesinado a su mujer, que ha aparecido muerta, El marido de Carol, Larry, Woody Allen, piensa que es una obsesión, y trata de quitarle la idea de la cabeza, pero Carol investiga a su vecino. Me ha parecido muy graciosa la interpretación de Allen, la iluminación me ha gustado mucho, sobre todo en las escenas nocturnas. Algunos momentos son parecidos a la forma de hacer cine de Hitchcock.
“Maridos y mujeres” está protagonizada por Woody Allen y Mia Farrow. Interpretan el papel de un matrimonio que lleva muchos años de casado y su relación comienza a deteriorarse a partir de que sus mejores amigos, encarnados por Sydney Pollack y Judy Davis, les comentan que se van a separar. Una película intimista, cuyos personajes se alejan de lo absurdo. Los movimientos de cámara acentúan el carácter documentalista, me ha resultado muy interesante las entrevistas que le van realizando a los personajes durante toda la película, ya que hace al espectador partícipe de lo que está ocurriendo y de la vida de los diferentes personajes. Los diálogos no me resultan ingeniosos, pero sí son intimistas, hacen reflexionar.

En “Granujas de medio pelo”, Ray, encarnado por Allen, es un ex-convicto con grandes sueños que está harto de su trabajo. Se le ha ocurrido la idea de robar un banco gracias a lo que él cree un ingenioso plan. Con la ayuda de su mujer y unos ladronzuelos, abrirán una tienda de galletas al lado del banco y mientras su mujer atiende a la clientela, él y sus socios excavaran, hasta construir un túnel hacia el interior del banco. Se harán ricos, pero caerán en la ruina. Según mi punto opinión, visualmente los planos son normales, no veo una iluminación muy estudiada, aunque la trama me resultan interesante y la forma de desarrollarla. Creo que es interesante la evolución psicológica de la esposa.

“Melinda y Melinda”, comienza con una discusión en una cafetería, en la que unas personas debaten las diferencias entre la comedia y la tragedia. A partir de una mínima idea dos escritores, comienzan a inventar sobre cómo desarrollarían sus historias, una cómica y una trágica. Ambas visiones se ven representadas en el personaje de Melinda, mujer que lleva a la gran pantalla algunos temas que más le gustan a este director como la lucha personal entre la moralidad, la identidad, la intimidad, los celos. Creo que la forma de desarrollar la historia me parece muy bien hecha, habla del cine dentro del cine.
“Delitos y faltas”, muestra la historia de Judah y Clifford, que son dos hombres enfrentados a dilemas morales diferentes. Judah, es un oftalmólogo, que pretende terminar su relación con su amante, Dolores, que amenaza con contarlo todo y destruir su vida si la abandona, pero su hermano Jack le ofrece la posibilidad de asesinarla. Por otro lado, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado. Oímos la música jazz durante toda la película, mezclándose con música clásica. Esta película tuvo ciertos problemas de producción, que afectaron al proyecto, como por ejemplo, que del montaje final desaparecieron algunos personajes que daban vida a alguna subtrama y hasta poco antes de su estreno no se supo cuál sería su nombre definitivo. La fotografía es muy buena. Algunos silencios son largos y me resultan inquietantes. Es interesante el montaje en paralelo en ciertos momentos: mientras uno de los personajes conduce un coche y pasa por un túnel, otros señores leen unos libros. Vemos claramente los temas que usualmente trata este director como la religión, el amor, la política y el sexo. Habla del mundo del espectáculo dentro del cine.

“Si la cosa funciona”, es una de sus últimas películas que tiene peor crítica. En la revista cinematográfica Filasiete1, el crítico Claudio Sánchez comenta lo siguiente: “Un Allen menor en una película con destellos de su genialidad, que arranca muy bien y se va desinflando hasta un desenlace pobre”. Comienza la crítica con la siguiente afirmación: “Estamos ante una película menor de Allen, de las de mitad de tabla…, de ésas que parece que el guión lo ha escrito en una servilleta durante los anuncios de la tele”. Sin embargo, el crítico Ricardo Aldarondo, en la revista Fotogramas2, realiza el siguiente comentario de esta película: “Si la cosa funciona” es en realidad, un canto al amor, en el sentido menos remilgado”. “…Una obra sincera, muy divertida, con su filosofía de la vida entre descreída y apasionada…”. Cuenta la historia de una joven que se escapa de casa. Conoce a un hombre mayor que la acoge y busca un trabajo. Este hombre, Boris, se pasa la vida insultando a los niños que asisten a su clase de ajedrez. Tras vivir un tiempo se casa con la joven Melody, y comienzan una vida juntos. Un año después, su madre la encuentra e intenta “ennoviarla” con un joven. La chica se enamora del joven,  se divorcia de Boris, y termina casándose con el muchacho. Creo que el resultado de la película sugiere que no existen reglas en el amor y que todos debemos aprender a ser realistas. Aunque una relación no pueda parecer común, lo importante es que funcione y haga feliz a ambos. Lo que me resulta más complejo de la película es la personalidad de Boris, creo que está muy bien planificada, en algunos momentos se parece a las actuaciones de Allen, cuando habla a la cámara para dirigirse al espectador. Hace menciones al judaísmo, al sexo, reflexiones de la vida.

En “Vicky Cristina Barcelona” oímos una voz narradora que nos relata la historia. Resulta graciosa la banda sonora, aunque no me gusta la parte de España que muestra. Muestra a los españoles como obsesionados con ciertos temas. Está rodada en Nueva York y en las comunidades españolas de Cataluña y Asturias. El argumento de la película se basa en que dos jóvenes estadounidenses, Vicky y Cristina van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky tiene planes de matrimonio y Cristina se deja llevar por los sentimientos. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio. Allen reveló en Nueva York en marzo de 2007 que sería “una película romántica, seria, con algunos momentos divertidos y sin sangre”. Creo que los personajes son lanzados y agresivos. Respecto a la iluminación, me gusta el filtro rojo de ciertas escenas, como las escenas que transcurren en el cuarto oscuro de fotografía, ya que da dinamismo al film. Lo que no me gusta de la película es la interpretación de los actores españoles. Creo que tiene un argumento interesante, pero los diálogos de los actores españoles no me resultan agradables.

Respecto a los créditos de sus películas, son fáciles de reconocer, utiliza la tipografía Windsor Light condesed. Cada vez que vemos en pantalla unas letras blancas sobre fondo negro y música de jazz sonando de fondo, sabemos que estamos ante una de sus películas. En el libro “Woody Allen on Woody Allen” confiesa: “Hice unos títulos elaborados para “Bananas” y “Todo lo que quiso saber sobre el sexo…”, y, entonces, me dije: ¡Es estúpido gastar dinero en los títulos! Es un estúpido hábito muy americano. Voy a poner los más baratos que pueda, que sean un simple anuncio”.