Cine europeo

NOUVELLE VAGUE

La Nouvelle Vague es el primer movimiento de ruptura cinematográfica. El nombre de este movimiento fue utilizado por la crítica para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses, surgido a finales de la década de los años 50. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés les imponía. Este movimiento estaba encabezado por dos cineastas: Godard, y Truffaut.

Los cineastas de este movimiento son:
-Por un lado, con una vertiente más aplicada a la técnica, Godard, Resnais, Rhomer, Varda, entre otros.
-Por otro lado, dentro de una vertiente de renovación temática, tenemos a Truffaut, Chabrol, Demy, Malle, entre otros.

La obra de Truffaut “Los 400 golpes” y de Resnais “Hiroshima mon amour” despertaron la atención y fueron el comienzo de este nuevo fenómeno cinematográfico. El proceso de consolidación de la Nouvelle Vague quedó de manifiesto en el Festival de Cannes de 1959, ganó Truffaut, que recibió el premio a la mejor dirección por “Los 400 golpes y Resnais obtuvo un gran éxito con “Hiroshima mon amour”.
Las características de este movimiento son las siguientes: participan en revistas de cine, como Cahier du Cinema; la mayoría no tiene formación técnica, por lo que tienen que depender de técnicos y directores de fotografía. Tienen una forma muy particular de escoger la trama de sus películas, y se alejan del star system, con los grandes actores y actrices (como los de Hollywoood). Hicieron posible que se rodara con cámara al hombro, en localizaciones naturales, con una iluminación indirecta, sin necesidad de montar grandes escenografías en estudios de cine. Los personajes de estas películas están construidos con una mayor complejidad, al borde de la marginalidad, improvisan sus actuaciones para conseguir efecto de espontaneidad.

Nos encontramos en unos momentos de renovación del cine. Existen otros movimientos de renovación del cine como arte, fuera del asunto más comercial como: Free Cinema inglés, Cinema Italiano, Manifiesto de Oberhausen alemán, países del Este y Nuevo Cine Latinoamericano (brasileño).
Frente a este grupo surgió otro movimiento, llamado “Rive Gauche”, que surgió alrededor de la revista Positif con cineastas teóricamente más vanguardistas como Chris Marker y los escritores Marguerite Duras y Alain Robbe-Grillet. El cine de éstos se caracterizaba por ser más retórico, literario, elaborado y cuidado, que los de la Nouvelle Vague.

Vamos a comentar algunos cineastas del movimiento de la Nouvelle Vague.

JEAN-LUC GODARD

Nació en París en el año 1930. Director, crítico, productor y actor francés. Estudio etnología en la Universidad de La Sorbona.  Frecuenta cineclubs y la Cinemateca Francesa, lugares en los que se hace con buena cultura cinematográfica. Sus películas fueron perdiendo los aspectos estructurales y dramáticos más convencionales hasta convertirse en vehículos casi ensayísticos, hasta el extremo de que este director convirtió el cine en un instrumento político y social. Comenzó a trabajar realizando críticas de cine para la revista “Cahiers du Cinema”. Es primordial en el movimiento de la “nouvelle vague” en Francia, al mismo  tiempo que comenzaba a filmar sus primeros cortometrajes. Se pueden distinguir varias etapas en su obra. La etapa de la Nouvelle vague, que se extiende desde su debut con “Sin aliento”, mezclando elementos de los géneros de detectives, comedia y suspenso hasta “Weekend” en el año 1967; una etapa revolucionaria, desde “Le Gai Savoir” hasta “Tout va bien” en el año 1972; y otra etapa contemplativa, que comienza con “Sauve qui peut la vie” en 1980 y se extiende hasta “Helas pour moi” en 1993. Hacia finales de los años 60 su trabajo se volvió prácticamente marxista, títulos como “Pravda” y “Lutta das clases”. Durante los años 70 experimenta en televisión y video, para llegar a los años 80 con filmes más convencionales como “Sauve qui peut”. En los 90, comienza a planificar su obra más emblemática: “Les histories du cinema”. Sus últimas realizaciones son “The old place” en 1998, “Elogio del amor” en 2001, “Nuestra música” en 2004 y “Socialisme” en 2009. Sus proyectos son de bajo costo, realizadas con equipos no sofisticados y eran distribuidos fuera del circuito convencional. Sus historias son emotivas, contadas por el con un gusto especial. En su cine prima la improvisación, y el desorden se convierte en método de creación. Godard encuentra en el jazz un modelo de inspiración.

En 1959 dirige “Al final de la escapada”, que es un thriller con final trágico, una historia con un argumento simple, pero su interés radica en la modificación que Godard hace del lenguaje narrativo convencional. Introduce desviaciones en el hilo de un discurso para expresar algo que se aparta del tema que se está tratando, utiliza un lenguaje grosero como provocación. El guión recoge sólo algunas ideas anotadas, para que así los actores puedan improvisar. Se salta las leyes del cine, altera el raccord, los movimientos de cámara, los fundidos. Proliferación de imágenes de 2º nivel, como espejos, fotos, carteles. Las secuencias son de una toma única. Rechaza el plano contra-plano. Las entrevistas del personaje en el aeropuerto, que dan sensación de modernidad. Tiene rasgos nihilistas, manifestaciones de Nietzsche, existencialismo. Largas conversaciones de los personajes. Afirmó que “Una película ha de tener planteamiento, nudo y desenlace, pero no necesariamente en ese orden.” Los actores miran fijamente a la cámara en varias ocasiones. La película nos muestra a Michel, encarnado por Jean-Paul Belmondo, un hombre que huye de la justicia tras disparar a un policía. Tras este asesinato, llega a París para reencontrarse con un antiguo amor, Patricia, interpretada por Jean Seberg, una joven estudiante, que trabaja como aprendiz de periodista repartiendo periódicos. Patricia se entera de lo ocurrido, y delata a Michael. Tras delatarlo, se lo confiesa. La huida es rocambolesca. La escena del travelling final es rodada en una silla de ruedas. En esta película la cámara fue casi siempre llevada al hombro por el director de fotografía, Raoul Coutard, quien la escondía a veces en la caja del trípode que Godard llevaba para filmar a la gente y que no se dieran cuenta.

En una entrevista a Godard para Cahiers du Cinêma, confiesa lo siguiente: “Me siento muy diferente de Rivette, Rohmer o Truffaut, pero en general tenemos las mismas ideas sobre el cine”. “En mi calidad de crítico, yo me consideraba ya como un cineasta”. Sobre sus primeros proyectos dice lo siguiente: “Yo preparaba mucho mis primeros cortometrajes y los filmaba luego muy rápidamente. Así empecé “A bout de soufflé”, y para el resto tenía muchísimas notas correspondientes a cada escena. Entonces me dije que este método era una locura y lo abandoné. Pensé que si uno se empeñaba en hacerlo, en un día podrían filmarse cuando menos diez planos. Y que en vez de prepararlos con mucha antelación era mejor prepararlos justo antes de filmar. Es algo que tiene que ser posible si uno sabe lo que quiere. No se trata de improvisación, sino de un acabado de último momento”.

FRANÇOIS TRUFFFAT

Nació en París en 1932. Fue un director, crítico y actor francés. Fue uno de los iniciadores del movimiento llamado Nouvelle vague. Gracias al crítico de cine André Bazin, empieza a trabajar en Travail et Culture. Aparece como actor en varias de sus películas: “La habitación verde”, “La noche americana”, “El pequeño salvaje” y también en la película de Steven Spielberg, “Encuentros en la tercera fase”.

Estudió en el Liceo Rollin. Al terminar sus estudios, es internado en un correccional tras cometer pequeños hurtos. Gran parte de su filmografía está marcada por una infancia y una adolescencia difíciles. La reputación que obtiene como crítico duro y exigente es muy grande y sus escritos eran esperados por sus seguidores. En 1969 es invitado por Gregory Peck, Walter Mirish y Daniel Taradash, en representación de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, a formar parte de esta sociedad. Truffaut acepta, siendo el segundo director francés, después de Renoir, que perteneció a esta academia.

Su cine es más naturalista y cotidiano. Basado en el análisis psicológico de los personajes, que están construidos teniendo en cuenta su trasfondo por el pasado. El tema de la dificultad de amar está presente en muchas de sus obras. Sus personajes se dividen en hombres-niño y mujeres fuertes, todos de comportamientos contradictorios. El amor de la pareja es el tema principal en su filmografía, unido a los recuerdos de una infancia conflictiva y a la nostalgia por la adolescencia perdida.

Una de las películas interesantes de Truffaut es “La noche americana”, en la que  los personajes no son maniqueos, hacen lo que hacen por algún motivo o causa. Aborda una técnica para reflejar la noche a través de unos filtros. El tema del amor está en un segundo plano. Un film sobre cómo se rueda una película, los medios disponibles, las grandezas y miserias de los actores y del propio equipo técnico. Trata el cine dentro del cine. En el guión se entrelazan situaciones, van apareciendo situaciones reales de la vida de los actores y del equipo técnico, con sus conflictos personales. Oímos a los personajes de hablar sobre aspectos técnicos relacionados con el rodaje de la película. La filmación se muestra a través de escenas entre el personal técnico y el director Ferrand, encarnado por Truffaut, que trabajan para lograr entregar la película terminada en el tiempo determinado. No vemos una iluminación muy contrastada. Vemos diversos tipos de planos, movimientos de cámara, en un momento vemos a uno de los personajes que duerme, parece ser que está soñando, y vemos una superposición de imágenes, en la que observamos el cartel de una sala de cine entre sonidos un poco oníricos y de estrellas. Algunos fragmentos están en blanco y negro.

Algunos directores de otros movimientos europeos son los siguientes:
KEN LOACH
Este cineasta es heredero del free cinema. Es un director de televisión y director de cine del Reino Unido, conocido por su estilo de realismo social y temática socialista relacionadas con su militancia trotskista.
Con 25 años, mientras estudiaba Derecho en Oxford, entró en contacto con las artes escénicas, actuando en el grupo de teatro de la universidad. Cuando se graduó trabajó como asistente de dirección en el Northampton Repertory Theatre. Pero le interesaba más el mundo audiovisual y después de obtener en 1963 una beca en la cadena de televisión BBC, se inicia en la dirección. También realiza documentales.
Sus proyectos están muy cuidados; su escenografía es simple. Su cine resulta muy actual, ágil y veraz, aunque nunca provoque una lágrima fácil. Cuenta tragedias que no están dirigidas al corazón, porque intenta llamar más al pensamiento y a la reflexión que a las emociones. Mucha gente no soporta este cine porque les exige complicarse la vida y no están dispuestos a pensar. Lo decisivo en sus obras son el guión y la narración, no destaca por los efectos especiales, ni por los maquillajes, ni por grandes escenarios ni por unas músicas excepcionales. El guión es pieza clave en su cine, pero sus actores son generalmente inexpertos y están obligados a improvisar para conseguir realismo y espontaneidad. Apenas realiza ensayos antes de la grabación.

Los temas del cine de Loach son siempre dramáticos, pero no libres de humor. No es el genial humor británico sutil, estudiado y ajeno al mundo mediterráneo, sino el humor de la propia vida. Se reviven situaciones que divierten a través de una técnica perfecta y que hacen pensar más allá de la pura diversión. Sus películas parecen documentales. Loach en su cine, denuncia los traumas que ocasiona la vida en las ciudades industriales en los seres humanos a pesar de los avances tecnológicos, y con sus historias sacude las conciencias de la sociedad contemporánea con el fin de mejorar las condiciones de trabajo de la clase trabajadora.

Una de sus películas es  “Agenda oculta”. Trata sobre dos abogados norteamericanos Paul Sullivan e Ingrid Jessner, implicados en la investigación de maltratos a prisioneros en Belfast. Cuando recibe información que puede resultar comprometida para el Gobierno de Margaret Thatcher, Paul es asesinado y una cinta con información secreta desaparece. El inspector asignado al caso, Kerrigan, formará equipo con Ingrid para investigar los hechos. Kerrigan es de mediana edad, leal a la corona británica y a la verdad. Su motivación es resolver el caso, aunque se lleve por delante a políticos y personas de poder. Vemos planos cortos y medios para conversaciones e interrogatorios. Planos generales para describir lugares y escenarios. La música es utilizada para provocar estados de tensión, emociones, y las persecuciones. La iluminación de claroscuros es para mostrar la clandestinidad, cautiverio. Los diálogos son constantes interrogatorios, conversaciones. Respecto al montaje, acelera el ritmo para provocar tensión. Todo sucede en orden cronológico. El tema principal es el abuso de poder, como tema secundario podríamos mencionar la lucha por la independencia. Es una crítica al gobierno de Margaret Tatcher por venganza, ya que ésta criticaba sus documentales. Me resulta agresiva la escena en la que los dos policías cogen a la mujer bruscamente. Me gustan la forma de empezar la película, con las tomas aéreas del paisaje y la voz en off situando la historia. En algunas escenas vemos una iluminación contrastada. Su cine es militante, con idea izquierdista. La comprensión se hace dificultosa si no se está al tanto y el panorama de los años 80. Se rechaza el uso de la violencia y provoca indignación en cuanto a política.

EMIR KUSTURICA
Es un director de cine y músico serbio nacido en Sarajevo en la República Socialista Federal de Yugoslavia (hoy Bosnia Herzegovina). Con una impresionante serie de largometrajes, Kusturica se convirtió en uno de los directores más creativos urante las décadas del los 80 y del 90. Kusturica se convirtió al cristianismo ortodoxo en 2005. Después de finalizar en 1979 sus estudios en la Academia de Artes Interpretativas (FAMU) de Praga, donde rodó la película “Guernica”.

Una de sus películas es “Prométeme”, comedia serbia, de fantasía. Trata la temática yugoslava. Mezcla el folclore yugoslavo con lo moderno. Vemos imágenes oníricas. La historia muestra a un anciano, que presiente que su muerte está cerca, y embarca en su nieto en una aventura: comprar un icono de San Nicolás. Tsahe es uno de los personajes, que actúa bajo orden de su abuelo. Jasna es aparentemente débil, pero con gran fuerza de espíritu. El jefe Bajo es un mafioso de Belgrado. Muestra las pasiones como el sexo, la zoofilia, la violencia. La madre de Jasna, es una prostituta del local del jefe mafioso. Los gemelos no son malos, colaboran con la mafia por dinero para la familia, no porque sean malas personas. El inspector muestra la corrupción del Estado. Es una comedia satírica con toques de drama. Critica el crimen sociedad contemporánea. La música es fundamental en las películas de Kusturica, que es música serbia. Más que el guión, le interesa el contenido visual. Los personajes son estereotipados. Me resultan muy significativos los planos picados y contrapicados, y los movimientos de cámara son muy rápidos en ciertas ocasiones. Las tomas aéreas me parecen muy buenas. El inicio mientras se va presentando los créditos marean un poco y la banda sonora me resulta característica. También me parece gracioso el abuelillo jugando con la máquina de juegos. Según una crítica de Oscar Martínez9, “Prométeme es una fábula tremendamente positiva repleta de personajes únicos que retrata a su particular modo la vida y los diferentes cambios que han acontecido en la castigada región de los Balcanes”, “una película que, a pesar de no innovar en exceso el registro del cineasta, continúa siendo una maravillosa muestra de buen cine”. “Nos encontramos con un metraje tan largo como endiablado, situaciones surrealistas, humor por doquier a cargo de unos peculiares personajes de claros rasgos fellinianos, y una fotografía repleta de colorido, característico del cineasta serbio a la hora de enfatizar el carácter folclórico de sus películas”.

BERNARDO BERTOLUCCI

Nació en Italia en 1941. Es un director de cine. Empezó a estudiar Literatura moderna en la Universidad de Roma, pero en 1961 abandonó estos estudios para trabajar como ayudante de dirección de Pasolini (escritor, poeta y director de cine italiano), en la primera película de éste, “Accattone”. Más tarde dirigió “La comare seca” en el año 1962.

El cine de este director se identifica por las siguientes características: su puesta en escena, que se caracteriza por un tratamiento muy dramático de la luz. Movimientos de masas con una muy buena coreografía. Es un maestro en planos largos y planos secuencias. Movimiento de cámara de extraordinaria complejidad. Su montaje es estilizado Todas estas características otorgan una dimensión operística a la narración. La mayoría de sus películas transcurren en escenarios más o menos grises, con la excepción de un grupo de películas ambientadas en lugares más exóticos.
Se inició en el mundo del cine realizando cortometrajes en 16 mm con su hermano Giuseppe. En 1961 hizo de ayudante de dirección en “Accattone”. Un año después se estrenaba como director con “La commare secca”. Sus principales características son un minucioso uso de la cámara y del montaje, y el trabajo de la fotografía con finalidades simbólicas. Este director es el más representativo del cinema nuovo. Se dedicó en un principio a la poesía. Podríamos decir que las narraciones de Bertolucci parten de la cotidianidad para ir descubrimiento el surgimiento de la historia. Su cine destaca por un empaque visual, trabaja con planos-secuencia, travelling, picados. La puesta en escena y  la iluminación es muy estudiada. Trabaja como extra en muchas de sus producciones. El montaje es muy estudiado.

Una de sus películas interesantes es “El último emperador”. Es una coproducción de China, Italia, Reino Unido y Francia. Tuvo un presupuesto de 25 millones de dólares. Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi. Es la historia de Puyi, el último emperador de China, que se subió al trono con tres años y fue adorado por millones de personas. Gobernó en la Ciudad Prohibida. Más tarde llegó la revolución comunista y fue encarcelado. En los últimos años de su vida fue jardinero y llevó una vida como un ciudadano anónimo siendo testigo del culto a Mao y de la Revolución Cultural. Tuvo mucho éxito por la puesta en escena. La temática que trata es la idolatría a la dinastía por el emperador. La manera de encuadrar de algunas escenas es muy estudiada. El teatro de la ópera china esta escenificado. Es graciosa la escena en la que el niño se levanta del trono y corre hasta que ve la masa de personas que lo están idolatrando, en esta escena, la cámara lo sigue en su carrera. Me resulta interesante la escena del final, cuando él es jardinero, y compra un ticket para entrar en el palacio y coge la cajita del grillo que le regalaron siendo niño, por sorpresa el grillo sigue vivo. En la película se permiten algunas licencias históricas, pensadas para darle mayor carga dramática. Por ejemplo: Puyi salíó de la Ciudad Prohibida cuando murió su madre, sin embargo en la película se le cierran las puertas. En su vida real, tal como cuenta en sus memorias, no tuvo relaciones íntimas con sus esposas, mientras que en la película se cuenta lo contrario. Me parecen muy interesantes algunos planos generales y planos detalle. Para ciertas escenas utiliza filtros de color. El vestuario y la banda sonora me parecen muy relevantes para la historia. Sin embargo lo que no me resulta apropiado son las escenas en las más o menos del final en las que mantienen relaciones sexuales, me parecen inapropiadas.

KRZYSZTOF KIESLOWSKI

Director y guionista de cine polaco. Nació en Varsovia en 1941. Poco después de finalizar el primer ciclo de estudios, ingresó en la escuela de bomberos pero meses después lo abandona para volver a estudiar. En 1957 se inscribe en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź, Polonia. Su primera producción cinematográfica está centrada en la vida de los trabajadores o los soldados de su Polonia natal. Comienza con cortos documentales.

Tras su paso por la televisión polaca, a mediados de los años 80 comienza a trabajar en Francia, donde realiza su trabajo más importante, la trilogía “Tres Colores”, como homenaje a los colores de la bandera francesa (“Azul”, “Blanco”, “Rojo”). Realiza capítulos de mediometrajes para televisión, como por ejemplo “No matarás”, “No amarás”, que son algunas de sus últimos proyectos. Su cine tiene estilo pausado, intimista: primeros planos, conflictos cotidianos con gente normal. La película “La cicatriz”, tiene un estilo muy diferente al de sus otros trabajos cercano al realismo social, muestra los problemas del protagonista por conciliar su vida familiar y profesional, y la burocracia del sistema comunista. Los protagonistas de sus películas son gente corriente. Su cine se basa en preguntas y sentimientos humanos, como el amor, odio, soledad, entre otros. El mensaje de sus películas es el siguiente: el ser  humano necesita convertirse en otros seres para sobrevivir y vivir el poco tiempo que estamos en el mundo. Replanteamiento de la existencia.

Una de sus películas interesantes es “Azul”. Esta película es un estudio psicológico sobre la libertad. La acción se sitúa en París, donde Julie, esposa del compositor Patrice, debe afrontar la muerte de su marido y su hija en un accidente de automóvil, del que la joven sobrevive. Durante la recuperación intenta suicidarse. Más tarde se enamora de Olivier Benoit, el ayudante de su marido y descubre que Patrice tenía una amante, Sandrine, que ahora tiene un hijo suyo. Julie se hace amiga de Lucile, una prostituta, su vecina, a quien los demás vecinos la quieren echar por dedicarse a la prostitución. Mantiene una relación con el ayudante de su marido, y más tarde comienza una nueva vida. Su única ocupación parece ser nadar en una inmensa piscina. El joven que fue testigo del accidente solicita verla para contarle las últimas palabras de su marido, pero ella no querrá recordar el pasado. Sin embargo, este pasado regresa a su mente. Julie va en busca de su vecino para que le preste su gato y así terminar con los ratones de su apartamento. El director usa varias técnicas para mostrar el sentido de pérdida de Julie y su conflicto. Cuando Julie ve por televisión el funeral desde la cama del hospital, la sombra de su dedo acaricia el ataúd impreso en la pantalla. Utiliza filtros, elementos y luces azules, además de objetos más o menos relevantes. La luz es omnipresente en algunos pasajes de la película y acompaña los compases de la música en torno al cual gira la historia. Algunos fragmentos incluyen varias referencias a los otros colores de la trilogía. Como por ejemplo, en una escena, vemos niños con bañadores blancos y flotadores rojos, saltan a la piscina, cuya agua es azul. Me resultan interesantes los planos superpuestos, como la escena en la que la mujer llora a la vez que vemos un árbol junto a la ventana. Este director juega con lo auditivo-visual. La música va presidiendo la imagen, planos simbólicos y los encuadres son estudiados. Utiliza el fundido negro en el comienzo de la película y para encadenar los planos y las secuencias. En la escena del comienzo, cuando sucede el accidente, vemos los árboles con un verde azulado. Los encuadres muy cerrados indican estado de interiorización. Algunos críticos califican esta película como una de las mejores de la historia del cine. En las tres películas se produce el mismo proceso dramático: amor-pérdida-dolor-transformación-amor, el sujeto está sometido al azar, que aparece como un elemento misterioso que rige el destino del ser humano.

LARS VON TRIER

Nace en Copenhague en 1956. Es un director de cine reconocido mundialmente por la visión crítica del mundo que muestra en algunas de sus películas, generando tanta polémica por los críticos. Ha dirigido series para la televisión danesa como por ejemplo: “The Kingdom y The Kingdom II. Su primera obra se denomina “Orchidergarneren”. Con su segunda obra llamada “Nocturne”, triunfó en el Festival de Cannes.

El tratamiento fotográfico de sus películas es manierista. Prefiere cámara en mano, barridos constantes, que incluso molestan al espectador, utiliza varias tonalidades. Las imágenes las realiza muy rebuscadas. Confiesa que hace películas para satisfacer a Dios y al hombre, pero el resultado puede no ser agradable y puede tener consecuencias nefastas.

Lars Von Trier fue uno de los creadores del Dogma 95, junto con Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen. Es un movimiento que pretende apartándose de los efectos especiales y de la forma de trabajar del star system. Redactan una serie de “reglas indiscutibles” a las que denominan Voto de Castidad. Son las siguientes: El rodaje debe realizarse en exteriores y los decorados deben ser naturales. Solo debe tener los sonidos propios de la acción. La cámara debe sostenerse en la mano. La película tiene que ser en color y la iluminación debe ser natural. Los trucajes y los efectos especiales están prohibidos. La película no debe contener ninguna acción superficial. Los cambios temporales están prohibidos, todo debe tener unidad espacio-temporal Las películas de género no son permitidas. El formato debe ser en 35 mm. El director no debe aparecer en los títulos de crédito. Estas son las características del dogma puro. Sin embargo, los mismos iniciadores de este manifiesto Dogma violan algunas características, porque las ven absurdas. Algunas películas de este movimiento Dogma puro son las siguientes:“Los idiotas” de Lars Von Trier; “Mifune” de Soren Kragh-Jacobsen; “El rey está vivo” de Kristian Levring; “Los amantes” de Jean Marc Barr; “La celebración”, de Thomas Vinterberg. Algunas de estas películas no cumplen totalmente las características del movimiento Dogma 95. Por ejemplo en “Mifune”, vemos tomas aéreas (por lo que no cumple la norma de cámara en mano.

Una de sus películas más emotivas es “Bailar en la oscuridad”. Este film es una mezcla de varios géneros: musical con melodrama descarnado, con toques de tragedia griega. La protagonista, Selma, encarnada por Björk, es una inmigrante checa que vive en Estados Unidos, madre soltera y se aprovechan de ella en alguna ocasión al estarse quedando ciega. Selma se evade de su dura realidad, con sus fantasías musicales, cantando y bailando. Participa en un grupo de teatro. Al estarse quedando ciega, y su hijo se va a quedar también y lo tiene que operar, pero la operación le cuesta mucho dinero, por tanto se tiene que poner a trabajar. Entra a trabajar en una empresa de fregaderos, y hace trampa para entrar, ya que al tener esta discapacidad no la admitirían. La echan del trabajo, y con el dinero que ha conseguido va a operar a su hijo, sin embargo, el sheriff, con el que tiene una relación, le quita el dinero. La joven entra a su casa a reclamarle el dinero, pero cuando lo tiene en sus manos, él la apunta con su pistola, y grita para hacer creer a su esposa que ella ha ido al quitarles el dinero y la manda a por unas esposas, esta escena es truculenta.

Por accidente el arma se dispara y el señor muere. Por este crimen, la mujer es condenada a pena de muerte. Mientras la joven canta, el teléfono suena y su cuerpo cae, colgado del cuello, y un silencio desolador cierra la película. Von Trier nos conmueve con silencios desoladores. La película está rodada con 100 cámaras digitales, para captar todos los ángulos posibles, la fotografía es brillante, la coreografía no es usual, la música es entrañable. Esta película forma parte de la trilogía “Rompiendo las olas” y “Los idiotas”. Me parecen muy buenos los números musicales, que están llenos de imaginación, les dan toques agradables a esta situación tan dura que vive la protagonista, pero creo que le restan credibilidad a algunas situaciones, porque por ejemplo en una corte en la que se está juzgando a una persona por un crimen no se empieza a cantar y bailar, resulta incoherente e ilógico. Ni tampoco es creíble que estando con la cuerda en el cuello, a punto de ser ahorcada por los guardias, empiece a cantar. Me resultan bastante crueles los momentos del final, mientras se prolonga el ahorcamiento de la mujer, le quieren tapar la cabeza con una tela negra, creo que la interpretación de la actriz principal es realmente increíble en toda la película y sobre todo en el final. Parece una crítica a la pena de muerte, ya que es un tema muy candente en la sociedad, y sobre todo en Estados Unidos, que aún se aplica en la actualidad en 26 de los estados del país, además de otros países. Es un film muy emotivo, cuyo final podría dejar traumatizado a algún espectador que tenga cierta sensibilidad. Creo que es importante el valor de la amistad, la relación amistosa que entabla la protagonista con la muchacha.

2 pensamientos en “Cine europeo

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