Clint Eastwood

Es un, director de cine, actor, productor cinematográfico, guionista, músico y compositor de Estados Unidos. Está considerado como una leyenda del cine. Fue influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar, David Janssen, que luego salió a la luz por su papel como actor en la serie “El fugitivo”, y Martin Milner, que realizó otra serie titulada “La vida de Ritley”. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales. En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, de Carmel, pero luego se vio obligado a abandonar el cargo por la incompatibilidad para realizar sus películas.

Años más tarde, rueda en Almería una trilogía de spaghetti western “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”, con los que Clint Eastwood se embolsó la cifra de 270.000 dólares. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de duro y sin piedad. El 1968 crea su propia productora “Malpaso Company”.

Se le considera un “autor estrella”, según los críticos de cine. Otro crítico, de la revista Cahiers du cinema, Andrew Sarris, propone el concepto de “auteur”, que tiene su surgimiento a partir de una serie de cineastas que luchan para enfrentarse con la televisión, para crear su sello personal en las películas. Hay otros críticos como Laurens Knapp que hablan de “autor estrella”, en el sentido que hay directores capaces de adaptarse a la forma de trabajo de Hollywood, pero sin someterse plenamente al sistema comercial y dando un sello personal.

Este director propone narraciones elípticas, personajes vagabundos, antihéroes, de clase trabajadora. Sus películas recuerdan a John Ford, dan tiempo a los personajes para que se expresen. Tiene un estilo muy marcado. Algunas características son un uso de la iluminación muy realista, colores apagados, prefiere rodar en exteriores, planos-secuencia, narrativas circulares, sus personajes son sencillos, individuales, mantienen una postura frente al mundo, puede parecer que incluso están peleados con el mundo. Conoce a Sergio Leone. Él mismo como actor encarna a un tipo duro, con personalidad estilizada, gesto tipificado y exagerado. Con la película “La muerte tenía un precio”, en la primera secuencia, vemos como sus gestos sugieren en vez de definir, su rostro es impenetrable, arquetípico, masculino, nadie es capaz de sacarlo de sus casillas. Lo que más me llama la atención y me resulta interesante de este director es el vestuario de sus películas de western.

A Eastwood lo podemos catalogar como autor estrella, según el crítico Sarris. Es el autor contemporáneo por antonomasia. Podríamos establecer una serie de categorías para estudiar a los cineastas, en función de su cine.

1-Autor-actor
Los directores que pertenecen a esta categoría dan un sello personal a sus películas. Es un director que interpreta y la película tiene su personalidad.

2-Autor
Podríamos encasillar en esta categoría a Stanley Kubrick. (Que dirigió películas como “La naranja mecánica”, “El hombre elefante” y “2001: una odisea en el espacio”. Son películas que te hacen pensar.  Diseñadas al milímetro, con todo planificado.  Atraen al público, aunque no siempre son un taquillazo.

3-Director independiente

El director de esta categoría es excéntrico, crea unos personajes con problemas de adaptación, de integración, personajes no comunes, subjetivos. Eastwood también trabaja con este tipo de personajes, con problemas de personalidad, sus personajes buscan su identidad.

4-Director de acción-espectáculo
Este tipo de director tiene capacidad para sorprender, con escenas casi imposibles de realizar, efectos especiales increíbles, banda sonora, acción. Aquí podemos incluir a Spielberg y James Cameron.
Clint Eastwood entraría dentro de estas cuatro categorías.

En la película “Cazador blanco, corazón negro”, el comienzo es muy interesante: un personaje cabalgando y un guionista bajando de un avión, va mezclando las dos situaciones mediante el montaje paralelo. Esta forma de presentar el montaje la emplea anteriormente en “El jinete pálido”. En esta película, Eastwood confiesa su idea de hacer cine por la boca de los personajes. Se podría decir que muestra su forma de hacer cine dentro del cine. Se apoya en la obsesión y contradicción de capturar a un elefante y rodar un safari. El guía africano va a morir para salvar al protagonista. Una de las personajes es Irene Sanders, que aparece en varias secuencias, y cuenta su guión sobre la historia de un perrito. En otra secuencia, el protagonista, aparece en un hotel, con una dama antisemita con la que va a mantener una conversación racista, a la que va a humillar, y defiende a los judíos, dado que su amigo presente en la escena, es judío. Según mi punto de vista, lo más interesante del final de esta película es cuando el elefante corre y se acerca al personaje, y el joven negro se interpone, los movimientos de la cámara que realiza son muy interesantes, en varios momentos es como si la cámara mostrara lo que ve el elefante y el estado de nerviosismo en el que se encuentra.

“Sin perdón”, se acerca al género western, el protagonista, Munny, un pistolero viejo y viudo, fue un asesino de mujeres y niños, un borracho que pegaba y maldecía a los animales. Tiene dificultades para sacar adelante a sus hijos. En el pueblo, hay un suceso: una prostituta, queda inhabilitada a causa de una que unos clientes la agreden, y sus compañeras, contratan a Munny, para que haga justicia, y mate a los chicos, por la dignidad de las mujeres. El protagonista, es un pistolero retirado, conocido como atracador, se dedica a criar cerdos, una tarea que no le gusta. La temática es la venganza natural, para luchar por la dignidad de las mujeres. El director se aleja de conceptos enrevesados. La película es elíptica, se abre y se cierra con grandes planos generales. Trabaja con iluminación natural, estética neblinosa, grandes paisajes, vemos las calles con las mantas de agua. La leyenda sale sobreimpresionada tanto al principio como al final del film, utiliza el mismo plano al principio y al final de la película. Munny entra en el bar a matar a quien se le pone por delante, mata sin compasión, sin pensárselo dos veces. Esta escena del interior del bar se desarrolla de una forma lenta. Al final, mientras leemos la leyenda sobreimpresionada, con el gran plano general, vemos que desaparece el protagonista y la ropa que hay colgada en un tendedero.

“Bandera de nuestros padres”, que junto a “Cartas desde Iwo Jima” forma un díptico. En “Bandera de nuestros padres” el lado bélico queda de lado, lo que le interesa a Eastwood es el lado mental. Basada en la novela de James Bradley y Ron Powers. Es rodada en Islandia, en época de verano. Hay un desembarco que recuerda a la película de Spielberg “Salvar al soldado Ryan”. Una escena impactante es cuando uno de los marineros cae al agua, al principio parecía algo divertido, luego pasa a ser una tragedia, donde pasaría a ser presa de los tiburones, porque lo van a dejar atrás, en el agua. Otra escena impactante es cuando los marineros llegan a la isla y se abren una serie de compuertas, por las que aparecerán los cañones, que procederán a disparar, vemos grandes planos generales, montaje paralelo, por un lado los marineros andando por la isla, y por otro lado los cañones de detrás de las compuertas. La imagen de Joe Rosenthal, dio la vuelta al mundo y se convirtió en un icono para Norteamérica: seis marines levantando una bandera, que fue un montaje del fotógrafo, porque llegó tarde y le tomó la fotografía mientras subían la bandera por segunda vez.

“Mistic River” cuenta la historia de Jimmy Markum, encarnado por Sean Penn, Dave Boyle, interpretado por Tim Robbins y Sean Devine, que crecieron juntos en un barrio de Boston, los tres pasaban los días jugando en la calle. Un día unos policías secuestraron a Dave y fue violado. Años más tarde, los tres se vuelven a encontrar por el asesinato de Katie, la hija de Jimmy. La noche del asesinato de la chica Dave llega malherido a su casa, por ello todas las pruebas le incriminan como el posible asesino. Vemos dos planos iguales: al principio del film, cuando Dave es cogido por los pederastas y el coche se va alejando, y casi al final, cuando el padre de la muchacha junto a otro amigo lo hacen montar en el coche, engañado, para ir a tomar unas copas, vemos el mismo plano del coche alejando y él mirando hacia atrás. Los temas que vemos son el abuso, el dolor de un padre y la investigación policial. Son buenos los planos los tomados desde arriba, cuando el padre llega al sitio donde está el cuerpo de su hija, y mira hacia arriba por la desesperación, estos planos, pueden dar sensación de la visión de Dios, que está arriba.

“Los puentes de Madison” empieza en el presente y la mayor parte son recuerdos del pasado. Relata la historia de Francesca una solitaria ama de casa italiana residente en Iowa, que se había casado con un soldado estadounidense y emigrado a Estados Unidos. Mientras su esposo e hijos se encuentran fuera conoce y se enamora de un fotógrafo, encarnado por Clint Eastwood, que ha llegado al condado de Madison para realizar una serie fotográfica sobre los puentes. Los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida por la relación extramatrimonial que mantiene con él, historia que refleja en un diario que sus hijos leerán tiempo más tarde, donde verán que la voluntad de su madre. Esta es la película más romántica de Eastwood hasta los últimos tiempos. Hay momentos de aislamiento de los personajes. Vemos una forma muy clásica de contar las cosas. Me gustan las escenas que están iluminadas con velas. Vemos distintos tipos de planos y de angulación de la cámara en diferentes momentos, oímos la voz en off de los pensamientos de la protagonista mientras va en el coche, su interpretación es muy emotiva.

“Escalofrío en la noche”, trata temas como la violencia, tanto física como psicológica. Es un thriller psicológico, mezcla de drama, intriga con tono realista. La trama del film gira en torno a la obsesión que sufre una mujer, Evelyn, por un locutor de radio llamado Dave Garver, a quien llama todas las noches para que ponga la canción “Nebulosa” en su programa. Tras un encuentro de ambos, la mujer empieza a acosar a Dave. Podemos ver planos generales, planos detalle y primeros planos, movimientos de cámara, como travellings y panorámicas. Utiliza la técnica del claroscuro, contrastes fuertes, desincronización del diálogo. Vemos acoso, amenazas, obsesión violenta, protagonismo de la música jazz, evolución de los protagonistas. Se pueden percibir escenas de paralelismo con “Atracción fatal”, en ambas películas la mujer intenta cortarse las venas y muere. El personaje se va a ir construyendo a sí mismo, recibiendo influencia que lo va a afectar y modificar su personalidad, que es la que lo va a hacer evolucionar. Lo mejor del film resulta cuando aparece siempre el personaje de Evelyn, tanto en las escenas en las que hay cierta acción cercana al terror remarcando cada uno de los cuchillazos y la presencia de la sangre, tanto en el rostro cómo en los vestidos y los muebles que rodean a los protagonistas. Vemos una habilidad con la cámara fascinante, con relevantes planos, que en la penumbra de la noche nos daría algo de miedo.  La trama magnífica, con puntos románticos.

“Deuda de sangre”, un thriller, mezcla el suspense y el crimen. Tiene travellings y panorámicas descriptivas, iluminación natural, casi siempre en exteriores, música jazz y country, diálogos coloquiales, basada en una novela de Conelly. Muestra los temas e la venganza, la constancia, el agradecimiento, no usa falseamiento de la realidad. El dinamismo y la variedad de recursos visuales dan ritmo a la película. El protagonista tiene un comportamiento intimista, minimalista, solitario. El argumento es el siguiente: Terry McCaleb (Eastwood) es un agente retirado del FBI, al que se le ha dado una nueva oportunidad en la vida, mediante un trasplante de corazón de una víctima de asesinato. Terry recibe la visita de la hermana de la víctima, recordándole que está vivo gracias al trasplante que recibió y le pide que investigue el asesinato de su hermana. Más tarde descubrirá que los asesinatos que están ocurriendo tienen cierta conexión, relacionados con unos signos. El asesino resulta ser un conocido suyo. En una de las secuencias del final, que vemos en la foto, los planos son un poco picados y contrapicados, para mostrar la inferioridad de uno frente a la superioridad del otro.

“Million dolar baby”, es un drama. El argumento trata sobre una muchacha de unos 30 años, que es camarera de un bar, pero su sueño es ser boxeadora. Durante una de las peleas, recibirá un mal golpe y quedará tetrapléjica, y pedirá la eutanasia, para morir sin dolor. La madre de Maggie, la maltrata psicológicamente, y no considera que el trabajo de boxeo sea un trabajo digno. Vemos tonos grises y azules. Poca utilización de efectos especiales. Tiene un montaje acelerado para las secuencias de boxeo y acción. Tiene un estilo melodramático con tono realista. La voz en off es un pilar básico, que cuenta la historia, con una banda sonora sencilla. Tiene algunos diálogos cómicos, violentos y devastadores. Cuando la Osa da el golpe ilegal a Maggie, el sonido se detiene y se ralentiza, para mostrar el estado de desorientación. La idea principal es la lucha por un sueño, junto a otros temas como el amor, eutanasia, aprender de los errores, que todo el esfuerzo tiene su recompensa. El personaje que encarna Eastwood, ve en Maggie a la hija que nunca tuvo. Maggie representa el afán de superación, aun después de haber sufrido el maltrato de su familia, siente la obligación de ayudar a su madre y le regala una casa. Las escenas con más peso, las muestra con planos cortos, se usa el teleobjetivo para situar a los personajes. No tiene un final feliz, como la típica película hollywoodiense. Creo que el argumento es simple, pero transmite unos valores humanos que llegan dentro y tiene una gran variedad de recursos visuales.

“Cartas desde Iwo Jima”, de género bélico, con estilo dramático y tono realista. Nos muestra varios personajes, como Saigo, que interviene en la guerra por obligación, el general Kuribayashi, actúa por defender a su patria, su objetivo era alargar la resistencia nipona, el teniente Ito también actúa para defender a su patria, pero abusa de su poder y ejerce violencia sobre algunos de los personajes. Algunas localizaciones son: Iwo Jima, Islandia, California. Como recursos vemos flash-back, con música de fondo, algunos efectos especiales pero sin abusar, vemos colores apagados, con poca saturación, con tonos ocres y contraste muy alto, llegando al blanco y negro, sombras muy profundas, ritmo lento, narrativa circular (acaba igual que empieza), efectos sonoros ambientales y propios de la guerra. El tema principal es la guerra, otros subtemas son el patriotismo, la amistad, suicidio como derrota, aceptación de la muerte, exaltación de los sentimientos. Se resalta lo “humano” de una guerra, da voz al enemigo, predominio de emociones y sentimientos. Nos muestra una parte de la historia de la humanidad como fue la Batalla de Iwo Jima, ocurrida en el océano Pacífico durante la II Guerra Mundial.

“Un mundo perfecto”, que trata sobre un hombre, Butch Haynes, que se fuga de la cárcel con Terry, su compañero de celda, en la noche de Halloween, Terry decide entrar en una casa, que resulta estar habitada por una familia de testigos de Jehová, y no podrán salir sin un rehén, que resulta ser Philip, uno de los hijos. Eastwood hace el papel de un agente del FBI, que está en busca de estos criminales que se han escapado. Tras una tensa situación en la que Butch deja a Philip con la pistola vigilando a Terry mientras él sale del coche a comprar, Terry le arrebata el revólver al niño, que sale corriendo del coche, y Terry lo persigue. Al final Butch quien encuentra a Terry y lo mata de un disparo, que escuchamos en off. Butch y Philip comenzarán un viaje, en el que el niño aprenderá muchas cosas sobre la vida preguntando a Butch, y éste en lugar de responderle de malas formas, le responderá con calma. La película se centra principalmente en las relaciones humanas, tocando el tema de los malos tratos a menores. Creo que la temática es atrayente y me parece interesante la evolución psicológica de los personajes, podríamos identificarla como una road movie, porque los personajes realizan un viaje por carretera y vemos un cambio psicológico.

“El jinete pálido” es de género western producida, dirigida e interpretada por Eastwood. Supuso una reactualización de un género que se creía agotado. Tuvo gran éxito de público. El argumento de esta película es el siguiente: En un lugar perdido entre las montañas, un grupo de mineros trabaja para arrancarle a la tierra el oro que les permita dar de comer a sus familias y mantener la ilusión de una vida mejor. Un magnate de la minería industrial de la región, dueño de casi toda la ciudad de Lahood, desea estas tierras de oro, pues sus pozos ya se encuentran casi agotados. Ante la negativa de los vecinos a venderle sus explotaciones. Este magnate recurre a todo tipo de coacciones, amenazas, chantajes, y cuando está a punto de conseguir su objetivo, un forastero viene a cambiar la situación. Este señor sin nombre, denominado Predicador, intentará dar un giro a esta situación. Pero Lahood se reserva un as en la manga: el implacable Comisario Stockburn y su equipo de ayudantes, un grupo de cualificados asesinos a sueldo le hacen el trabajo sucio. Ante semejante amenaza, el Predicador retoma las armas que un día abandonó para dedicarse a la asistencia espiritual, y decide enfrentarse a Stockburn y sus secuaces, para ayudar a sus amigos mineros pero también para saldar una vieja deuda. Esta película se inscribe en lo que podríamos llamar “western psicológico”. Utilizando diversos elementos narrativos y combinados con detalles técnicos elegantes y sutiles, la película construye una historia sólida y compleja. Como anécdotas de esta película, el primer caballo que se le asignó a Richard Kiel, no puedo soportar su peso y tuvieron que proporcionarle otro más fuerte La estación de tren es la misma que se utilizó posteriormente en “Regreso al Futuro III”. El título del film proviene de la Biblia, del libro del Apocalipsis, y la cita del principio es leída por uno de los personajes cuando entra en el pueblo minero El predicador montado a lomos de un caballo pálido. El guión fue realizado por Michael Butler y Dennis Shryack, aunque la idea fue de Eastwood. Según mi punto de vista, la interpretación de Eastwood como misterioso, es asombrosa, sobre todo la escena en la que vemos al muchacho que pretende abusar a la chica, llega él como un héroe y oímos un tiro al aire, fuera de campo, la joven se monta en el caballo junto a él. También creo que es extraordinario el montaje paralelo de la primera secuencia de la película, cuando oímos el trote de los caballos.

Según un artículo de la revista Cahiers du Cinema (febrero 2009), las dos películas más fascinantes, meditativas y melancólicas que ha dado la historia del cine son “Gran Torino” de Eastwood y “El curioso caso de Benjamín Button”, de Fincher. Ambas películas establecen entre sí una dialéctica que ilumina algunas encrucijadas del cine americano de la actualidad. Con “Gran Torino”, Eastwood clausura su revisión del thriller y del género western, convirtiéndose en una parodia de sí mismo y de su propio icono, una especie de autorretrato que funde realidad con ficción, actor y personaje. Mientras Fincher hace que sintamos el paso del tiempo en sus películas, Eastwood prefiere acumular aún más referencias en menos planos.

Las películas de Eastwood y Fincher, no solo tienden puentes con las filmografías anteriores de sus responsables y con el pasado del cine, sino que también construyen pasadizos secretos que les permiten comunicarse entre sí. Tanto Eastwood como Fincher han filmado películas que intentan retratar a Obama con la mayor fidelidad posible.

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