Francis Ford Coppola

Es un guionista, productor y director de cine estadounidense ganador del premio Óscar cinco veces. Hijo del director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, ingresó a la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas, y años después se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Siendo aún estudiante, comenzó a trabajar para Roger Corman.

A principios de los 60 empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son películas eróticas de poco presupuesto. En este período completó los filmes Tonight for Sure y The Bellboy and the Playgirls, mediometrajes con desnudos. En 1962 conoció a Roger Corman, quien vio en Coppola a un joven con talento para ser instruido en el medio cinematográfico, y tiempo después establecieron una relación profesional en la cual él se convirtió prácticamente en su asistente personal.

Su primera película acreditada fue “Dementia 13”, un largometraje de terror de bajo presupuesto hecho para Corman en 1963 y rodado en nueve días en Irlanda. Pero ese mismo año ya había participado en la realización, sin aparecer en los créditos, de otro filme para el mismo director y productor, denominado “The Terror”.

Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX , siendo “El Padrino” la elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y “Apocalipsis Now” una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood. Por su fracaso en ciertas producciones lo han identificado como autor maldito.

La película “Apocalipsis Now” muestra la guerra de Vietnam. El guión está basado en la novela “El corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad ambientada en el África de finales del siglo XIX. La música que se utiliza es “La Cabalgata de las valquirias”, de Wagner. Este film tuvo mucha dificultad para estrenarse por el tema que trata, ya que por esta época no se había tratado esta temática anteriormente. Quería ofrecer la película, que él había coescrito junto a John Milius, a George Lucas. Dándose cuenta de que él mismo era el único con la ambición para llevarla a buen puerto, comenzó el rodaje el 1 de marzo de 1976 y lo finalizó el 21 de mayo de 1977. Hasta 1979 no la estrenaría, con el título Apocalypse Now. El rodaje tuvo problemas, Coppola mandó un informe al ejército americano sobre lo que iba a ir la película (masacre, consumo de drogas de los militares, relaciones sexuales…), pero el ejército se opuso totalmente a la realización de esta película. Tuvo un presupuesto de 27 millones de dólares, 15 millones más de los previsto al principio. Un huracán destruyó gran parte de los decorados. Marlon Brando exigió a Coppola cantidades excesivas de dinero y planes de rodaje a su gusto. El presupuesto del filme se disparó. El gobierno de Filipinas se llevaba los helicópteros que Coppola utilizaba para las escenas de batalla sin previo aviso, ya que estaban en guerra. Fue presentada en el Festival de Cannes, aún sin terminar el montaje, y ganó la Palma de oro. En una rueda de prensa, Coppola dijo la famosa frase: “Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam”. En esta película cuenta con la ayuda de los directores de fotografía Gordon Willis y Vittorio Storaro, y el decorador Dean Tavoularis. La United Artists apoyó a Coppola en este proyecto. Son interesantes las superposiciones de las imágenes del principio de la película, cuando vemos la cara de un militar consumiendo droga superpuesta a un ventilador de techo, se va fundiendo, y aparecen unos helicópteros y fuego en una selva. Vemos tomas panorámicas de la selva de Vietnam. Oímos los pensamientos del personaje en voz en off. Coppola se inspira en un coronel de la realidad, para realizar el papel de este personaje. Este coronel va a acribillar a los vietnamitas y a sentir alegría por la batalla. Vemos también escenas de imágenes con tono sepia, planos aéreos de helicópteros. El viaje del protagonista cada vez es más surrealista. Durante el rodaje, soltaron a un tigre de verdad, hambriento y los actores no tenían conocimiento sobre esto, y se asustaron. Vemos referencias de esta película en una película de Stanley Kubrick “2001: Odisea del espacio”: la música clásica la presencia de Nietzsche (Dios, muerte, superhombre), tema de África, carácter secreto de ambas misiones, biblia y libros que recuerdan a leyendas mágicas. Lo más impactante de esta película de Coppola es el ritual de la muerte, el montaje en paralelo de los golpes al personaje y por otro lado los golpes que le dan al sacrificar al caribú. Según mi punto de vista, lo más impactante de esta película es la iluminación y la interpretación de los actores. Coppola aparece fugazmente en una escena como reportero de televisión.

“The Cotton Club”, un film experimental, mezcla de musical y gánster. Es protagonizada por Richard Gere y Nicolas Cage. Es una mezcla de géneros: el musical, y el gánster. La película comienza con música fantástica, que recuerda a la película “El templo maldito”, de Sipielberg. Hay un trasfondo policíaco. Gere hace el papel de un trompetista, que busca el éxito, cuya suerte cambia cuando salva la vida de un gánster, Dutch Schulz (James Remar); Sandman es un bailarín que sueña con convertirse en una estrella. La coreografía, en la que destaca los números del claqué de los hermanos Hines, (unos hermanos de piel negra) es espectacular y muy estudiada, y la acompaña una excelente banda sonora. Estos bailarines entran en el club por la escalera del servicio, y cuando terminan de bailar claqué, vuelven a salir por el mismo sitio. Richard Gere da sus primeros pasos como bailarín. Coppola realiza montaje en paralelo, como por ejemplo mientras sucede por un lado la matanza y por otro lado el baile del muchacho negro en medio de la pista. Según mi punto de vista, esta escena del baile está muy bien iluminada, la luz de los focos va siguiendo el movimiento del baile del joven. Durante el final sucede una escena de amor, un tren irreal en una estación, a la vez que oímos música fantástica y jazz. Alterna secuencias musicales con otras de violencia, un proceso que ya utilizó en “El padrino”. Vemos en esta película un tratamiento ocre. Trata la realidad con la ficción. El director de fotografía va a trabajar con una cámara Mitchel.

En 1969, fundó sus propios estudios y ese mismo año, recibió un Oscar por su trabajo como guionista de Patton. Ello motivó que en 1972 la Paramount le encargara el guión y la dirección de “El padrino”, basada en la novela de Mario Puzo y galardonada con tres Oscar.

“Corazonada”, que es un melodrama romántico-fantástico. Pero el público no supo apreciarla como una buena película, tuvo mala taquilla. Trata sobre una pareja feliz que rompe en su quinto aniversario, viven aventuras paralelas y terminan volviendo. El personaje de Hank representa los valores tradicionales, quiere tener una relación estable, es posesivo con la novia, y ejerce violencia verbal (en una escena le dice a su novia “perra”). Frannie es inofensiva, trabaja en una agencia de viajes y simboliza las ganas de vivir. Esta película tiene una iluminación muy interesante. A lo largo de la película podemos ver luces muy fuertes, filtros rojos, va perdiendo color conforme va llegando al final. Algunas escenas comienzan con filtros de colores y se van apagando poco a poco, en el transcurso de la escena. Tiene numerosos fundidos que cierran y abren diferentes secuencias. Hay voces en off mientras está el fundido en negro. La música va matizando la historia. Vemos el uso del flash-black, montaje en paralelo, planos-secuencia. La temática que muestra es la pérdida de la pasión, cayendo en la rutina, lucha por la libertad (aviones, aeropuerto), tiene importancia la iluminación, las sombras, las transiciones, tiene un poco de estética de videoclip.

“El padrino 2”, muestra una sociedad ítalo-americana. Es una continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la sucesión en la familia a cargo de Michael Corleone y los orígenes del patriarca, Don Vito, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos. Es un drama gánster. Técnicamente vemos contrastes de iluminación, escenarios sombríos, luces naturales, estética sombría, algunos aspectos teatrales, ya que el director había trabajado anteriormente en el teatro. Edición en paralelo. Como temas vemos el amor, el poder, la superación, el destino, la violencia, el romanticismo, el honor, la traición, la soledad, la corrupción. La Paramount no quería a Coppola porque sus anteriores proyectos fracasaron. El proceso de rodaje fue más duro y largo que la primera parte, este llevó 112 días de rodaje, y viajes a Nevada, Cuba o Sicilia. Tuvo más éxito que la primera parte y consiguió 11 nominaciones.

“La conversación” además de dirigida, está escrita y producida por el propio Coppola, ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes. Una película con un guión inquietante Gene Hackman interpreta a un especialista en escuchas. Así se ve metido en un oscuro asunto en el que se mezcla un caso de homicidio y una serie de intrigas de poder. Un thriller de suspense con un fuerte carácter psicológico, basado en el remordimiento de conciencia. Un film de espionaje y de violación a la privacidad, de conjeturas y vigilancia secreta. Comienza como una simple investigación de infidelidad, pero va derivando en consecuencias inesperadas. Mantiene la intriga en todo momento, y va derivando en un desequilibrio psicológico del protagonista principal hasta límites de la locura. Me resultan interesantes algunos planos y la iluminación de algunas escenas. Me parece graciosa la escena en la que uno de los personajes está viendo la televisión y vemos referencia a la serie de “Los Picapiedra”. Me resulta inquietante la escena en la que el personaje está muerto, dentro de una bolsa de plástico y los medios de comunicación están grabando la situación. Hace referencia a la religión, en la escena en la que el personaje coge un icono de una virgen, la va mirando hasta que le da un puñetazo y la termina rompiendo.

“Drácula”, una adaptación que no escribió. Basada en la novela de Bram Stoker. El vestuario es diseñado por Eiko Ishioka. La película contiene múltiples efectos visuales de fácil concepción (realizados con instrumentos rudimentarios), pero difícil ejecución: sombras, ilusiones teatrales, marionetas, maquetas pintadas en cristal, paredes que se mueven, con el fin de dotar al relato de una extraordinaria atmósfera irreal; todo ello realizado por el fotógrafo Michael Ballhaus en colaboración con el hijo de Coppola. Esta película fue una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero la adaptación que dirigió Coppola está considerada como su adaptación oficial, ya que es el film más fiel a esta novela. La historia nos muestra al conde Drácula, un antiguo líder de un gran ejército del sudeste de Europa, que reside en un viejo castillo de los Cárpatos, en Transilvania. El conde es un vampiro, que se alimenta de la sangre humana. Este ser tiene el poder de manejar a la naturaleza, tiene poder de volar, adaptar la forma de un murciélago. Los productores habían pensado en otros directores de géneros de terror como William Friedkin o John Carpenter, pero finalmente escogieron a Coppola. Creo que es increíble la interpretación de Hopkins en esta película y el sonido de fondo utilizado en ciertas escenas es inquietante. Vemos transiciones para iniciar ciertas secuencias, en algunas secuencias utiliza el recurso de aceleración de imágenes, las sombras son perturbadores y muy marcadas en ciertas escenas. Algunos planos-secuencia pueden provocar intranquilidad. Observamos el cine dentro del cine: en una escena unos personajes están viendo una película en blanco y negro. Los escenarios oscuros de noche producen miedo. En definitiva, una película inquietante. Me resulta muy buena la interpretación de Anthony Hopkins.

“Tetro” empieza con la llegada de Bennie a Buenos Aires, desde Manhattan con la esperanza de reunirse con su hermano mayor. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, Tetro, se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba. Tetro es ahora un hombre distante y desilusionado. Durante el tiempo que Bennie pasa con su hermano y la novia de éste, Miranda, encarnada por Maribel Verdú, los dos vuelven a vivir las experiencias tormentosas de su pasado. Lo que une el primero y el último film de Coppola es el blanco y negro, el ambiente claustrofóbico, las historias de familias con fantasmas paternos y una mujer que lo ve todo desde fuera. Usa el color en determinados momentos de la película. Según una crítica de la página web de cine La Butaca, esta película es5 “un dilatado capricho que quiere pertenecer a otro tiempo, que el director parió acordándose de las sesiones de cineclub que miraban al cine europeo de los 50 y 60. Es una de la más personales de cuantas ha firmado, si no la que más. Una radiografía del autor, del genio en el seno del competitivo contexto familiar que nos remite irremediablemente a la saga misma de los Coppola. “Tetro” es un capricho que quiere pertenecer a otro tiempo”. Para mí, lo más interesante de esta película son los momentos en los que incluye el color, sobre todo en las escenas de flash back y en algunas situaciones dramáticas, como la situación del accidente. Retrata la inmigración italiana que pobló Buenos Aires en los inicios del siglo XX. Es de nacionalidad española, Algunos componentes del reparto fueron Maribel Verdú, Carmen Maura, Vincent Gallo, Rodrigo De la Serna, Leticia Brédice, entre otros.

Coppola decidió abrir una productora en Buenos Aires para producir y rodar esta película, pero en la pre-producción el guión de la película y otros materiales fueron robados. Dos meses después de que la película comenzara a rodarse en La Boca y otras locaciones, la Asociación Argentina de Actores demandó al director por alargar los horarios de rodaje y tener al equipo trabajando en malas condiciones salariales.

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