Martin Scorsese

Es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense. Ha sido nominado numerosas veces a los premios Óscar, pero solo lo ha ganado por la película “Inflitrados”, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. También es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a preservar el material fílmico en deterioro.

Scorsese cursó sus estudios a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. Harvey Keitel, estudió con él, en la misma universidad y participó en algunas de sus películas. Vivió en el barrio de Nueva York, de Little Italy. Sus historias son de de temas relacionados con el mundo de la mafia y el contrabando. Sus personajes suelen ser inmigrantes, minorías.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,1 el machismo y la violencia en la sociedad americana. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas. Scorsese es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. Scorsese tiene influencias de otros directores como Orson Welles, John Ford, Luchino Visconti, Fellini, Michael Powell.

Este cineasta forma parte del nuevo Hollywood, junto a Spielberg, Coppola, entre otros. Estos directores tienen una manera de hacer cine, definida con estas características: tienen una formación universitaria, han colaborado en televisiones y proyectos cinematográficos, antes de dedicarse a la dirección. Se establecen como directores y crean sus propias productoras, y no estar como esclavos para otros productores.

“Jo, qué noche”, cuenta la aburrida vida de un joven llamado Paul. En una cafetería, mientras lee un libro, una chica se le acerca, le habla del libro y le deja su número de teléfono. Queda con ella para pasar una noche, y en este barrio se encuentra a personajes peculiares. El protagonista no está acostumbrado a la vida nocturna. La chica tiene problemas de autoestima. Paul se abre a la noche. Los personajes que aparecen son curiosos: un gay, un portero, una camarera. La película comienza con un travelling de la mesa de su escritorio de trabajo. Vemos muchos movimientos de cámara, muchos picados, contrapicados, cenitales. Observamos dos atmósferas, por un lado el inicio, cuando conoce a la chica, y por otro lado, la vida nocturna, atmósfera de pesadilla. La fotografía, al principio es muy iluminada, luego vemos claroscuros muy marcados, filtros azules y rojos, en la madrugada. Utiliza todo tipo de música. El picado y el contrapicado de la escena de la entrada de la discoteca del protagonista y el portero de la discoteca, da sensación de inferioridad y la superioridad de cada uno de ellos.

“Malas Calles”, Charlie, encarnado por Havery Keitel, está atrapado en el mundo de la mafia y corrupción de Little Italy. Todas las noches se reúne en el club de su amigo Tony con su grupo, a tomar unas copas y conversar. Su principal motivación será conseguir uno de los restaurantes de su tío Giovanni, a cambio de dejar de ver a Teresa (su novia secreta) y Johnny Boy (su mejor amigo), porque según su tío son malas influencias. Charlie se cuestiona la expiación de los pecados a través de la religión, e intenta ayudar a Johnny con sus deudas. Johnny Boy es un joven derrochador, que le gusta vivir la vida y las mujeres, le debe dinero a casi todos en el barrio y no se preocupa por pagar, cuando consigue un poco de dinero, no duda en comprarse cualquier tontería, como un sombrero. Hay violencia tanto física como verbal. Está justificada en la mayoría de las escenas por la temática de la historia. Es una mezcla de drama y gánster, con tono realista, y estilo dramático. Los recursos formales que utiliza son: cámara en mano, panorámica para la descripción de los lugares, travelling para el seguimiento de los personajes, planos secuencias, iluminación muy contrastada (Noche-Día), filtros rojos y negros para las escenas del club y las calles. Vemos el cine dentro del cine (personajes viendo una película en una sala de cine), montaje en paralelo en algunas escenas, superposición de imágenes, colocación de la cámara, en ciertas escenas, muy apegada a los personajes (steadycam), como cuando el protagonista está borracho en el bar de Tony y se cae al suelo, vemos también algunas elipsis. Vemos el tema de la religión, el protagonista entra en la iglesia a rezar, aunque sabe que no esta no es la forma para él, para el perdón de los pecados, y también en otra escena vemos una procesión grabada en directo, en este barrio de Little Italy, de Nueva York. La voz en off de los pensamientos de Charlie, tienen valor narrativo, ya que va contando la historia. Los temas que vemos en esta película son el racismo, machismo, contrabando, vandalismo, la moral religiosa. La comprensión es dificultosa si no se conoce el cine de Scorsese y no sabemos la temática que suele tratar.

“Casino”, trata sobre Sam Rothstein, encarnado por el actor Robert De Niro, es el mejor corredor de apuestas de la ciudad de Las Vegas y trabaja para la mafia haciéndoles ganar mucho dinero. Estos mafiosos le ofrecen la dirección de su nuevo casino. Pero los problemas entre algunos integrantes terminan poniendo en peligro el negocio del casino, dejando al descubierto a la organización y a sus integrantes. Sobre la interpretación de los personajes, se podría comentar que Robert De Niro interpreta bien al tipo celoso que no sabe lo que quiere; Joe Pesci es un personaje violento, y Sharon Stone deslumbra como mujer frustrada. La película comienza con una voz en off, apenas el hombre se monta en el coche, estalla y se forma una nube de fuego, que se funde en luces, que parecen ser de las maquinas del casino. Vemos la historia de la caída de un mafioso, todos los acontecimientos giran alrededor del dinero, la violencia y los sobornos, una mujer comprada con joyas y maletas de dinero, escenas de machismo radical, degradación de la amistad entre mafiosos. Vemos varias historias entrelazadas y oímos distintas voces en off, que van contando la historia.

“El aviador” es una película que dramatiza la vida de Howard Hughes. El filme detalla los romances de Hughes con las algunas actrices de Hollywood. Algunas de las escenas del comienzo de la película, aparecen coloreadas de azul, también vemos escenas con filtros rojos. Scorsese mandó sustituir el color verde por el azul para simular una vieja técnica de dos tonos en filmes. El actor principal de esta película es Leonardo Dicaprio. Aparece el cine dentro del cine, vemos tomas aéreas del exterior del avión. Según mi punto de vista, es una película con un argumento simple, pero con gran variedad de recursos formales y sonoros interesantes.

“La edad de la inocencia”, es una adaptación cinematográfica de la novela de Edith Wharton. En esta película vemos la importancia de la decoración de los distintos lugares en los que se desarrolla la trama, me resultan interesantes las escenas del teatro, y el vestuario de cada uno de los personajes creo que es apropiado para la temática del historia. Cuenta dos historias: por un lado Newland Archer, que está atrapado entre cómo debe comportarse y cómo quiere comportarse y su amor imposible la condesa Ellen Olenska, que intenta ser libre; y por otro lado, la joven prometida de Archer, prima de la condesa, se comporta como la han educado, y bajo una falsa inocencia trama un plan de manipulación, para conseguir la vida que desea y quitarse con elegancia a su rival. Según mi punto de vista, la voz en off original, arrastra al espectador y lo introduce más en la historia y en la psicología de cada uno de los personajes. Me resultan muy elegantes los créditos de apertura de la película mezclados con la banda sonora, y el fundido con las flores, mientras se van abriendo.

“Alicia ya no vive aquí” el argumento que cuenta es el siguiente. El marido de Alice, interpretado por Ellen Burstyn, muere y ella se queda sin dinero, pero debe mantener y educar a su hijo. Antes del accidente de su marido, llevaba una vida monótona y aburrida de ama de casa. Después del accidente decide marcharse con la esperanza de encontrar un sitio donde poder vivir sin carencias. Cuando se instala en la nueva ciudad, consigue un trabajo como camarera, y allí conoce a un hombre generoso. Una de las ambiciones de la mujer es retomar su carrera como cantante. Creo que el argumento es simple, pero transmite valores como el afán de superación. La historia la centra en un personaje femenino, a diferencia de sus otras películas, donde el protagonismo se centra en la figura del hombre, tiene momentos románticos.

“Al límite”, el argumento de esta película es el siguiente: Nicolas Cage es Frank Pierce, un conductor de ambulancia, solitario y la dureza de sus condiciones laborales, se pasa las noches recogiendo enfermos, accidentados. Empieza a sufrir alucinaciones en las que se le aparecen aquellas personas a las que no pudo salvar. Para intentar salvarse, Frank se obsesiona con salvar aunque sea una vida. Como recurso formal interesante, vemos algunas escenas con filtros rojos, gran variedad de planos y recursos visuales. Según una crítica de Ismael Alonso6: “Esta película falla por varias cosas: el complejo de culpa, la obsesión por la autoflagelación, la búsqueda de expiación, el enfrentamiento brutal entre el idealismo y el realismo, la violencia surgida de la impotencia, del abuso de la debilidad”. Según mi punto de vista, tiene algo de razón, porque el protagonista vive obsesionado en salvar vidas y es atormentado por el recuerdo de Rose, una paciente a la que no pudo salvarle la vida, es un personaje torturado, obsesionado, un perdedor nato. A lo largo de la historia, el espectador es testigo de la degradación y el vacío moral que va experimentando.

“El cabo del miedo” es una película de suspense. El argumento de la película sería el siguiente: Max Cady acaba de pasar bastantes años en la cárcel, por haber violado y golpeado a una chica de dieciséis años. En su tiempo de condena, Cady aprende a leer, estudia toda clase de libros y se convierte en su propio abogado. Al salir, decide dedicar cada minuto de su existencia a arruinar la vida del abogado que le defendió, ya que piensa que este no hizo todo lo posible por ayudarle en el juicio. Como curiosidad de los personajes de la película, los tatuajes de De Niro fueron hechos con tinta vegetal, que desaparecieron varios meses después de terminar la película, la escena de Lewis y De Niro en el teatro de la escuela fue improvisada. La escena que me causa más impacto, es más o menos por el principio, en la primera media hora, cuando va a casa con la joven, y en el cuarto la ata con las esposas, la agrede violentamente, y se oye el sonido del bocado que le da en la cara, y le vemos en la cara la herida del bocado, y desde fuera vemos la situación por las cortinas. Nos muestra la tensión en estado puro. La banda sonora tiene algunos momentos inquietantes y terroríficos, lo que nos provoca sobresaltos emocionales. Según mi punto de vista, no tiene una iluminación muy asombrosa, pero vemos efectos visuales interesantes y la interpretación de los actores es muy buena. Me provoca nerviosismo y me resultan bien realizadas las escenas del final, cuando se están peleando en el barco, en medio del mar, y la cámara realiza los mismos movimientos rápidos que hace el barco con el viento.

“Gangs of New York”, se inspiró en el libro “Gangs of New York”, de Herbert Asbury. Mientras se debatía la Guerra Civil, un peligroso grupo crecía en el bajo mundo. El padre Vallon comandaba a un grupo de pandilleros, inmigrantes que se denominaban “Los Conejos Muertos”, que vivían en un ghetto, liderados por Bill el Carnicero. En una batalla para decidir quién dominaba la zona de la ciudad llamada “Los cinco puntos”, Bill mata al padre Vallon. Ámsterdam, el hijo, encarnado por Leonardo Di Caprio, hijo del sacerdote, al quedar huérfano tiene que pasar su infancia interno en un reformatorio, hasta que cumple su mayoría de edad, y al salir, se reintegra en la vida de las calles y las bandas de ladrones. Ámsterdam pasa a formar parte de una más de las pandillas controladas por Bill, y planea vengar la muerte de su padre. Logrará acercarse a Bill, ganando su confianza y mientras busca el momento para matarlo. En un momento de descuido, Ámsterdam intenta matarlo, pero no lo consigue. Todo termina en la tumba del padre Vallon al lado de la de Bill el Carnicero y con una secuencia en la que se muestran sucesivamente los cambios en la apariencia de la ciudad, desde la época de la película hasta la actualidad, destacando que el director decidió dejar la imagen de las Torres Gemelas como la última de la película, a pesar de que para cuando se exhibió ya habían sido derribadas. Respecto a los recursos visuales, vemos transiciones que abren la secuencia, como en el inicio. Para mi opinión, tiene un argumento muy bueno, pero para mí, las escenas sexuales las quitaría de toda la película. Los grupos de personas están muy bien coordinados. La iluminación en ocasiones es con velas, en algunas escenas y es muy interesante. Algunos planos están muy estudiados, como las imágenes de a continuación y hace que nos acerquemos a los sentimientos de los personajes. La escena más dramática y emocionante para mí, es cuando el padre está muerto en el suelo y con las manos llenas de sangre, agarra la cara del hijo, mientras éste le grita que se levante.

“Taxi Driver”, está ambientada en Nueva York, poco después de terminar la guerra de Vietnam. Travis es un hombre mentalmente inestable, comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la vida nocturna. Este señor sufre de depresión y ansiedad al sentirse rechazado por la sociedad. Se apunta como taxista nocturno para aprovechar el tiempo y ganar dinero. Sin embargo, mientras conduce su taxi, es testigo de muchas maldades como la prostitución, la violencia, los barrios bajos. Decide anotar todo en un cuaderno, para responder algún día a la violencia con violencia. Conoce a una joven, encarnada por Jodie Foster, e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta. El protagonista, es el narrador de la historia, desde su voz en off. Hace uso de los primeros planos, y la trama tiene similitudes con la obra de Jhon Ford “Centauros del desierto”. Es gracioso que en una de las escenas finales, Robert De Niro mantiene una conversación con Jodie Foster sentados en un bar. En un momento dado Jodie Foster se quita las gafas de sol que lleva puestas y las pone sobre la mesa, y al poco rato se pone otras gafas distintas. Lo más interesante de los recursos visuales, son los filtros rojos para los exteriores nocturnos. En algunos momentos me resulta interesante la iluminación exterior.

“Toro salvaje”, es una película en blanco y negro, aunque vemos algunos momentos en color. La película muestra a Jacke La Motta, que es un corredor de toros asmático, que se entrena para ser número 1 en los pesos medios. Con la ayuda de su hermano, Joey, verá este sueño cumplido tiempo después. Pero la fama, consiguen empeorar las cosas. Su matrimonio se va empeorando, debido a sus celos, y por otro lado la mafia lo presiona para arreglar combates. Observamos la temática religiosa, símbolizada por la cruz católica que hay en su cuarto. Vemos la violencia del protagonista con su esposa. Me resulta devastadora el momento en el que el protagonista se pelea con un boxeador negro, ya no puede más y le da un golpe tan fuerte, que chorrea la sangre hasta el público que está mirando al ring. A pesar de ser en blanco y negro, se puede apreciar muy bien los contrastes de iluminación. En el rodaje de esta película, Robert De Niro, accidentalmente, le rompió una costilla a Pablo Neruda en una escena de pelea.

“Uno de los nuestros” es un drama criminal, el film sigue el ascenso y caída de tres delincuentes, abarcando tres décadas. Fue protagonizada por Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, entre otros. El argumento es el siguiente: Henry, hijo de padre irlandés y madre siciliana, es testigo de la vida de poder y respeto que llevan los gánsters que habitan en su barrio, en una zona de Brooklyn donde la mayoría son inmigrantes, y que está bajo la protección del patriarca de la familia Pauline, Paul Cicero, interpretado por Paul Sorvino. Henry, a sus trece años, dejará de asistir a clases y, fascinado por la vida mafiosa, entrará a formar parte de la organización, comenzando por ser un mero chico de los recados para ir ascendiendo de posición a medida que crece la confianza depositan en él los integrantes del hampa local, involucrándose cada vez en negocios más sucios. Tiene filtros rojos, fundidos en negro, en ocasiones percibimos  movimientos de cámara muy rápidos. En esta película oímos música italiana de Mina y de otros grupos musicales que le gusta Scorsese.

“Shutter Island” trata sobre unos agentes judiciales que son destinados a una isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una asesina peligrosa, que está recluida en un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el doctor John Cawley. Descubren que el centro guarda muchos secretos y la isla esconde secretos peligros. De esta última película, Scorsese confiesa en una revista7 que quedó fascinado con Shutter island desde la primera lectura del guión en una revista. Dice que “Más que la forma en que se cuenta la historia y la ambientación, para mí lo más importante es lo que le sucede al personaje de Teddy, que me parece muy conmovedor. En él se encuentra la conexión emotiva”. “Este es el tipo de película que me gusta mirar, el tipo de historia que me gusta leer”, explica Scorsese. “A lo largo de los años, he tratado de evitar cierta clase de películas que imitan un estilo que, en cierto sentido, encuentro educativo; sin embargo, estas son las películas que siempre vuelvo a ver, una y otra vez. Lo que a mí me parece interesante es el modo en que la historia y la realidad de lo que sucede van cambiando todo el tiempo y el hecho de que, hasta la última escena, todo gira en torno a la forma en que se percibe la verdad”.

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