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V de Vendetta: la manipulación, la venganza, el miedo y la violencia.

Hola, amigos, anoche haciendo zapping me encontré con una película que me enganchó, titulada V de Vendeta. Una producción americana dirigida por James McTeigue en 2006, situada en la ciudad de Londres, gobernada por un presidente que impone la represión, el miedo y manipula a los ciudadanos a través de una serie de mensajes por televisión.

Al comienzo de la historia, apreciamos a una chica (Evey) que camina de noche por la calle y es acorralada por tres hombres que pretenden violentarla, cuando un señor enmascarado asoma por una esquina y termina con la vida de los agresores. La chica lo acompaña a una terraza, en la que serán testigos de un atentado preparado con música clásica de fondo, que fulminará un monolito símbolo de la justicia. Pero, justo antes de arrancar lo que denominará el “crescendo”, el enmascarado le preguntará el día en que se encuentran, precisamente comienzan las campanadas del 5 de noviembre, y cita los recuerdos de ese día “conspiración, pólvora y traición”.

Si indagamos un poco sobre los antecedentes de ese día en Gran Bretaña, nos encontramos con que La Conspiración de la pólvora fue un complot fallido organizado (1604-1605) por un grupo de provinciales católicos ingleses (Robert Catesby, Guy Fawkes) para matar al rey Jacobo I, a su familia y a la mayor parte de la aristocracia protestante, atentando contra las Casas del Parlamento durante la Apertura de Estado (5 de noviembre de 1605). Los conspiradores habían planeado secuestrar a los infantes reales, no presentes en el Parlamento, e incitar una rebelión en las Midlands. Esta medida pretendía ser la señal para un gran levantamiento de los católicos romanos ingleses, descontentos por las severas medidas penales adoptadas contra ellos, que finalizaría con la instalación de un rey obediente al Papa en el trono inglés. Realizados los preparativos, el Gobierno descubrió la conjura, que acabó con la ejecución de la mayor parte de los conspiradores y sirvió de pretexto para un endurecimiento de las medidas antirromanas. Este complot de la pólvora fue uno de una serie de tentativas de asesinato fracasadas contra Jacobo I, que siguieron al Complot Principal y al Complot ¡Adiós! de 1603. Muchos creen que la conspiración de la pólvora fue parte integral de la llamada Contrarreforma católica. Por ello, cada 5 de noviembre, en el Reino Unido, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Terranova, Canadá, San Cristóbal y Nieves, algunas partes de Estados Unidos y antiguamente en Australia, se celebra el fracaso del mencionado complot. Allí se conoce como la Noche de Guy Fawkes, la Noche de la Hoguera y la Noche de los Fuegos Artificiales. El descubrimiento a tiempo de la conspiración (5 de noviembre de 1605) impidió el derrocamiento de la dinastía protestante de los Estuardo, personificada en Jacobo I de Inglaterra y VI de Escocia, y la entronización de un monarca católico, previsiblemente su hijo el príncipe Carlos, debidamente instruido en los dogmas católicos.

Teniendo presente estos antecedentes históricos, esta película nos presenta las acciones de este enmascarado, cuyo objetivo es rebelarse contra los autoritarios, contra las injusticias, contra un estado que oprime, que impone la violencia, la represión, el estado policial, el odio y la intolerancia a quienes tienen una ideología distinta a la que intentan establecer a nivel nacional.

La idea de este señor es la venganza, haciendo uso de la violencia y terminando con la vida de la gente y destrozando edificios públicos. Cierto es que la violencia no es más que la expresión del miedo, nada justifica la violencia. Aunque, es el miedo el que intenta sembrar el gobierno en la sociedad, ante los medios de comunicación haciendo uso de la manipulación y sembrando el odio contra el enmascarado. Sin embargo, no podemos pasar desapercibido que V (el enmascarado) es una creación. Una creación del estado represor, dictatorial, que hace uso del terrorismo a pequeña escala, entrando a casa de la gente, no como venganza, sino para conseguir lo que quiere, que no es más que la dominación, el liderazgo y el dinero, manteniendo a las masas bajo control. Una creación que, ha sido fruto de un aprendizaje basado en que toda acción tiene una reacción. Principio tratado por la tercera ley de Newton, que establece que siempre que un objeto ejerce una fuerza sobre un segundo objeto, este ejerce una fuerza de igual magnitud y dirección pero en sentido opuesto sobre el primero. Y, extrapolado al caso de esta “creación”, podríamos decir que ha sido fruto de la violencia, pero en sentido contrario, es decir, entendemos que no para el mismo fin (manipular e imponer el miedo) sino hacer recapacitar a la sociedad, para que deje de tener miedo y unidos, enfrentarse a los gobernantes y las élites.

Esto es lo mismo que hace con la chica en la segunda parte de la película, cuando intenta huir de él, acudiendo a casa de su amigo, que será encontrado y asesinado por guardar un Corán en su casa, a pesar de no ser creyente de esta religión. La chica será encerrada en un habitáculo de unos pocos metros cuadrados, a través de un hueco recibirá una serie de cartas de una muchacha que fue repudiada por su padre por ser lesbiana y fue fusilada por el estado represor, tras hacerlo con su novia en el supermercado. Esta historia le calará a la chica, que será sometida a todo tipo de torturas, humillaciones, aunque en ningún momento podrá apreciar el rostro de la persona que intenta que diga algo sobre el “enmascarado” y hacia el final de su encierro, dispuesta a morir por no hablar, habiendo superado el miedo a quienes la han torturado, se encuentra que el guardia del pasillo no es más que un muñeco y que ha sido torturada por órdenes de V. De esta forma, ha superado el miedo a todo y le da un poco de ansiedad descubrirlo, porque realmente su reacción es fruto del miedo transmitido por los gobernantes, el miedo mental, y esas agresiones no han hecho sino reforzarla como persona, para enfrentarse a ellos.

Como bien dijimos, este individuo enmascarado terminará con la vida de todos aquellos que hicieron uso de las torturas, las agresiones… durante su estancia en uno de aquellos campos de internamiento. Entre los más destacados, tenemos a: un religioso, al que envían a una niña (un poco mayor, según le comenta la persona que lo avisa), y esta niña será Evey, quien le comentará que ha sido secuestrada por V y asomará por la ventana para matarlo, pero el anciano piensa que es un juego sexual. Este momento no será sino un perverso guiño a toda la trama de abusos infantiles que ha estado aflorando en los últimos años y que manchan la credibilidad y el respeto que busca la Iglesia Católica en la sociedad en general y entre sus adeptos en particular. Y en la cual, algunos de sus mandatarios no cesan de juzgar públicamente diferentes cuestiones de la gente (defendiendo la sumisión de la mujer, el poder del hombre en el matrimonio, alzando a figuras dictatoriales en sus misas…), pero dejan en manos de Dios el perdón de los pecados llevados a cabo por algunos de ellos, en lugar de cortar de raíz aquellos que no solo pecan, sino que delinquen y destrozan la vida de tantos y tantos niños alrededor del mundo. Por tanto, este religioso será asesinado, junto a una de las científicas que trabajó en aquellos campos, la última a la que V acudirá, pero mostrará una actitud distinta al resto: resignación. Es consciente perfectamente de lo que llevó a cabo y dejará a la luz un cuaderno en el que anotó cada una de sus actuaciones y, mientras está en la cama, abre los ojos y recibe la visita del enmascarado, que le expresará que la mató hace 10 minutos, agonizará junto a su rosa roja, con la que será encontrada por la policía. Esta será una muerte dulce, sin armas, sin agresiones físicas… a diferencia del resto de los casos, ya que la señora lo ha estado esperando, para que culmine su venganza con su muerte y no muestra ningún tipo de resistencia física.

Después de la trifulca en el túnel del metro, V se enfrentará a su “creador” que no es otro que el presidente del partido que gobierna en el país, terminará con la vida de todos los guardias, se quitará la coraza de hierro manchada de sangre y caerá en los brazos de la joven, quien lo subirá al tren, rodeado de rosas rojas (tren que el enmascarado ha estado ordenando durante años). Un policía la increpará para que no pulse la palanca, pero lo hará y seguirá su trayecto por Trafalgar Square hasta el Parlamento y se fulminará hasta el reloj al marcar las 12 de la noche del día 5 de noviembre del año siguiente, y junto a ello, fuegos artificiales que al finalizar formarán en el cielo una V, de Vendetta, de venganza, del número romano que marcaba el habitáculo en el que el enmascarado permaneció siendo torturado tantos años cuando tenía rostro, hasta la explosión de este complejo que provocó en él esas ansias de represalias, porque le desfiguraron tanto el cuerpo como la mente. Al actuar igual que un maníaco o perturbado mental (ya que se arrepentirá ante Evey encontrando felicidad interior con el destrozo de infraestructuras públicas). Un paralelismo de infraestructuras públicas aniquiladas, con el ideario conservador, manipulador, represor que controla un país, para que sea la propia sociedad quien construya otro, pero basado en destruir ese miedo, en no dejarse manipular, en luchar para conseguir derechos sociales. Un país que en última instancia no respetará el toque de queda de las 12 de la noche, no oirá las palabras de su presidente/líder en el televisor, sino que se colocará la máscara de V, y las calles se llenarán de personas convertidas en él durante esa noche, frente al estado policial que los apuntará con un arma.

En definitiva, todos serán V, todos somos V, quizás una monstruosidad pensarán algunos verdaderos monstruos, pero V no es más que la expresión de lo que un estado manipulador, represor, opresor, hace florecer en su gente, pero reiteramos que la violencia no es más que la expresión del miedo. Así pues, es este estado represor el que tiene miedo, miedo a lo que denominan “radicalismos o extremismos”, pero realmente es a que la gente despierte y se levante del televisor, miedo a que se descubran tantas verdades perversas que esconden bajo sus alfombras rojas. Rojas, como símbolo de tanta sangre derramada por tantas víctimas en diferentes circunstancias, de tantas armas vendidas por el afán del dinero, por la hipocresía. De tantas caras rojas que no pueden ni darlas ante la gente, ni mirarnos a los ojos, por tanta protección que llevan cada vez que caminan por la calle, sino que precisan una pantalla de plasma y un papel bien escrito. Porque bien cierta es una frase de esta película: los artistas mienten para que se sepa la verdad, pero los políticos mienten para ocultar verdades a la sociedad.

Cuestiones sobre el miedo para reflexionar:

-El miedo es inherente al ser humano, nace del instinto y se va desarrollando con el conocimiento de nuestro entorno.

-Superar el miedo empieza por identificarlo para luego intentar derrotarlo.

-El miedo negativo provoca parálisis.

-No hacer nada por derrotar los miedos es caer en la cobardía.

-El que nunca tiene miedo ni piensa en ello es un ignorante e irresponsable.

Pero, socialmente, ¿A qué o a quién tenemos miedo? ¿Por qué tenemos miedo? ¿A la violencia, a la represión, a la manipulación de nuestras mentes, al futuro, al trabajo, a la vida, al terrorismo? ¿Miedo a los muertos, a los vivos? Si el miedo es peligroso, si se convierte en un medio de control social, ¿por qué los gobiernos no llevan a cabo políticas para intentar derrocarlo, sino para beneficiarse de ello?

He aquí una reflexión de José Luís Sampedro: “Gobernar a base de miedo es muy eficaz. Si usted amenaza a la gente diciéndoles que les va a degollar, y luego no les degüella, entonces les puedes azotar y explotar. Y la gente dice “bueno, no es tan grave”. El miedo hace que no se reaccione. El miedo hace que no se siga adelante. El miedo es, desgraciadamente, más fuerte que el altruismo, que la verdad, más fuerte que el amor. Y el miedo nos lo están dando todos los días en los periódicos y en la televisión”.

Finalmente, nuevamente repito: la violencia no tiene justificación. Sin embargo, los poderosos hacen uso de ella lejos de nuestra vista, sin que seamos testigos de ella, pero luego recurren al miedo para apoderarse de nuestras mentes, y que lo sintamos ante cualquier acto vandálico o terrorista. Cuando es la violencia, la que florece y resurge tras haber padecido algún otro tipo de violencia.

¿Quién tiene la culpa? Como bien afirma V: mirémonos todos al espejo.

Justicia, igualdad y libertad, son algo más que palabras, son metas alcanzables si abrimos los ojos.

Os adjuto algunas escenas de la película, no intento defender ni justificar su violencia en ningún momento, sino reflexionar sobre ella:

 

 

 

Referencias consultadas:

Mente filosófica: http://www.mentefilosofica.com/2010/04/reflexiones-acerca-del-miedo.html#warpZR07KdqghzWe.99

Canal de Historia. http://mx.formula-history.tuhistory.com/hoy-en-la-historia/se-planeo-conspiracion-de-la-polvora

Historia General. http://historiageneral.com/2009/05/14/la-conspiracion-de-la-polvora-y-guy-fawkes/

 

 

 

Heterofobia

Investigando un poco por youtube he encontrado un cortometraje titulado “El amor es todo lo que necesitas”, para reflexionar sobre aquello que la sociedad y sectores conservadores tienen asumido como “normal” en las relaciones de pareja.  “Normal” porque es lo tradicional, la costumbre, pero no quiere decir que otras preferencias sexuales no sean válidas o merezcan ser insultadas/vejadas por la sociedad.

En este caso, sucede al contrario, es decir, nos muestra una sociedad que cree “normal” la homosexualidad: las chicas deban estar con las chicas y los chicos, con los chicos, fundándoles la idea de ser pecado o arder en el infierno si el amor surge de parejas entre distintos sexo. Mientras que una niña, a su corta edad, no lo siente así, y por ello, se la discrimina, se la humilla, se le desea la muerte, se la encasilla como la “marimacha” o la “hetero”, de forma despectiva. Viéndose sometida al acoso escolar, pero ya no por parte de los compañeros, sino de los propios maestros, la familia, que cree como solución un traslado, negándose a que su hija sea la diferente, como los nuevos vecinos, cuya calle pretenden evitar por considerarlo un insulto.

Sin más, adjunto el vídeo del que se puede reflexionar ¿cómo nos sentiríamos, si lo que tenemos asimilado como “normal” fuera al revés ylos heterosexuales fueran los “raros”?

El Séptimo sello, Ingman Bergman

A continuación, les muestro un vídeo con algunas de las escenas de la película “El séptimo sello” de Ingman Bergman en el que vemos reflejado sus reflexiones sobre los diferentes temas que preocupan a la sociedad, como lo son la muerte, la religión…

Ritmo lento que va dejando la puerta abierta a la reflexión, a cuestionarse el sufrimiento de la vida.  La música nos va adentrando en ese universo de lo filosófico.

Animo a ver la película entera porque merece la pena.

En la boca del miedo, John Carpenter

Película de John Carpenter del año 1995, que causa más de un momento de angustia y sobresaltos.

En esta película, vemos el gran talento narrativo de Carpenter. Basado en el terror, en el susto fácil (en la atmósfera, la trama y los personajes). Habla de sus obsesiones, inquietudes… como hace en todas sus películas en las que vemos historias espeluznantes.

John Trent es un investigador contratado por una editorial para encontrar a Sutter Cane, uno de los escritores de novelas de terror más famosos que ha desaparecido. John no acepta buscar al escritor pero empieza a pensar que todo se puede tratar de un montaje. Tras leer algunos de sus libros, empieza a tener visiones e investiga la obra del escritor. Descubre que sus novelas además de tener gran éxito, parecen estar detrás de una serie de altercados agresivos, violencia que provoca entre varios de sus lectores.

John y Stiles, una joven editora, emprenden el viaje hasta Hobbe`s End, un pequeño pueblo solitario, donde en teoría, solo existe sobre un papel, en la mente de Cane, pero al que consiguen acceder de forma extraña. En este pueblo, suceden todo tipo de hechos misteriosos, paranormales y violentos, que John no sabe identificar entre la realidad y la ficción.  John Lucha para escapar del pueblo descubriendo la terrorífica transformación de Linda.

Respecto a la parte técnica de la película, se pueden comentar diferentes cosas.

Vemos colores blancos, uniformes médicos, psiquiatras… vemos que nos localizamos en un psiquiátrico. El color blanco nos sugiere la locura, como claramente podemos ver que el protagonista termina sufriendo esquizofrenia paranoica.  También vemos contrastes con las iluminaciones oscuras, sombras… de las habitaciones en las que se sitúan los pacientes del hospital psiquiátrico.

En varias secuencias, vemos que se suceden una serie de imágenes con sangre, imágenes religiosas, relámpagos, cruces, escenas escabrosas de pesadillas, soñar que se está soñando… todo incita al miedo y la locura.

Travellings para acompañar a los personajes en sus movimientos,  diferentes planos (detalle, generales, cortos…). Multitud de efectos especiales, las antorchas de los viandantes iluminan las calles. Apreciamos agresiones, violencia… que se produce al no haber suficientes ejemplares para tantos lectores como los demandan, la gente va enloqueciendo tras la lectura de sus novelas. La música es inquietante para enfatizar ciertos momentos de violencia física o psíquica.

Algunos de los momentos que pueden producir más inquietud se produce cuando van por la carretera, la joven empieza a tener una serie de visiones nocturnas que no sabe identificar si se produce en la realidad o son parte de su mente. Como por ejemplo, mientras conduce y se le presenta el señor mayor en la bicicleta, a los pocos segundos se le presenta otra vez y lo atropella, salen del coche le toman el pulso y les parece que está muerto, pero de momento el señor se levanta y coge su bicicleta, desaparece tras la oscuridad de la noche.

Otro momento inquietante se produce, cuando le parece estar atravesando un largo túnel que nunca se va a terminar y llegan al pueblo, mira hacia atrás y ve que no es más que un simple puente. La joven cree ver niños corriendo, todo está en su mente, pero John no ve nada.

Al entrar al hotel, la joven se vuelve y se queda mirando el cuadro de la pareja, su mente cree ver que la joven del cuadro se gira hacia atrás. Linda analiza una serie de cosas de las circunstancias que están viviendo, y le parece que están formando parte de una historia. Cree que todo lo que Cane escribe se va produciendo.

John no sabe identificar lo que corresponde a la realidad y lo que corresponde a la ficción. La joven confiesa a John que fue un intento de montaje, pero parece ser que  todos los acontecimientos forman parte de lo que Cane escribió en el libro. Linda sale del hostal a escondidas y coge el coche. Llega a la puerta de una iglesia y numerosos niños se le presentan delante diciéndoles que son sus hijos. El papel de Linda juega un papel confuso en la historia, dado que no sabemos si participa de la historia real, si participa del montaje, si existe, si no existe.  En el momento en que entra a la iglesia plantea el tema de los escritores que escriben mandados por las editoriales. A la joven le sale sangre por los ojos, mientras el escritor la abraza, por detrás se va convirtiendo en una criatura viscosa repugnante. Volvemos a ver otra criatura viscosa en la que es convertida la señora de recepción.

Numerosas personas se apoderan de la joven, la colocan en medio mientras varios niños cantan alrededor de ella. John entra en un bar, el señor le confiesa que se va a suicidar, porque según Cane lo escribió en la novela. Tras ver lo que están haciendo con la joven, la coge y la mete en el coche, pero  literalmente se come la llave y no puedo arrancarlo. La joven sale del coche con el cuerpo descompuesto, transformado, como si se tratara de una criatura.

Escapa con el coche, pero tras varios intentos no consigue salir del pueblo, hasta que decide pasar encima de ellos y detrás de todos se encuentra a su compañera, pero choca el coche y de pronto aparece encerrado en un habitáculo, donde se encuentra al escritor. Cane le confiesa varias reflexiones, reflexiones que los espectadores deben hacerse al ver la película. “La religión busca la disciplina a través del miedo pero no entiende la verdadera naturaleza de la traición”, “Cuando la gente empiece a diferenciar la fantasía de la realidad, muchos seres iniciaran su viaje de regreso, cuanta más gente crea más rápido será el viaje, y en vista de cómo se han vendido los otros libros, seguro que va a ser muy, pero que muy popular”.

El final es algo aterrador, cuando John llega a la editorial, el jefe parece no recordar a la joven con la que viajó, supuestamente dos semanas antes el joven le entregó el manuscrito de la novela y ya está a la venta,  “En la boca del miedo” líder en ventas. Parece haber sucedido una epidemia esquizofrenia paranoica. Imagen final impactante, indescriptible, terror en estado puro.

Un periodista lo entrevista entre las rejas de un psiquiátrico. Todo apunta a que la historia lo ha vuelto loco, como a otros muchos lectores alrededor del país. Él mismo se cree parte de una ficción y Cane está detrás de todo.  La terrible mente de Cane es indescriptible, indefinible, es inexpresable lo que puede llegar a pensar un ser humano y transmitirlo con palabras hasta el punto de volver loco a la población que lee sus novelas.

Epidemia de asesinatos masivos, ciudades desiertas, no sabemos qué es realidad y qué es parte de la ficción de la mente de Cane. Desconcierto total del espectador, pero que lo hace reflexionar sobre muchos temas de la vida actual relacionada la violencia, la locura, las presiones de las editoriales, las mentes de los seres humanos que en muchas ocasiones son muy fáciles de manipular… Critica al cristianismo y la fe, reflexión entre lo real con lo ficticio, roce entre el surrealismo y el desequilibrio mental.

El cine de Robert Flaherty

El objetivo de Robert Flaherty era favorecer la comprensión entre los pueblos a través del cine. Entre algunas de sus producciones se encuentran: Moana (1926), Tabú (1931) junto a F.W.Murnau, Historia de Louisiana (1948).
Era partidario de la observación participante, por lo que decidió trasladarse al Ártico canadiense, donde se documentó e investigó acerca de la vida de los esquimales. Gran observador y admirador de las tribus aisladas de la sociedad.
Flaherty utilizaba el cine como medio para mostrar la realidad, lejos del espectáculo. No utilizó actores ya que, según su criterio, prefería a los propios habitantes, porque eran quienes mejor reflejaban su propia cotidianidad. Construyó sus películas bajo las premisas de belleza y verdad.
El documental del que vamos a hablar, Nanook, el esquimal, tuvo que ser rodado dos veces, ya que a causa de un accidente, los negativos se incendiaron. Algo que no afectó mucho a Flaherty, porque no estaba muy de acuerdo con la primera copia.
Esta producción contiene planos en los que busca la belleza. Los combina aportando a cada uno de ellos una función dentro de la obra. Los primeros planos de Nanook mirando a cámara pretenden una unión entre el protagonista y el espectador. A la vez, que se resalta el hecho de que el espectador está siendo observado y acompañado.
Flaherty utiliza las secuencias largas para generar en el espectador la impresión de que se está captando al individuo de forma directa sin que exista ningún tipo de manipulación.
Otra característica que llama la atención sus títulos, pequeñas explicaciones que son introducidas a lo largo del documental, ejerciendo una función de interacción con el espectador.
Como dijimos anteriormente, Flaherty busca la veracidad y la realidad. Sin embargo, su intervención en las localizaciones, hace que estas personas modifiquen su comportamiento habitual para dar vida a unos personajes que le interesaba representar.
Es un tema antropológico. Pretende reflejar un modo de vida diferente mediante la imagen del “hombre primitivo”. No pretende criticar este modo de vida, sino plasmarlo a través de una supuesta familia incivilizada.
Flaherty trabaja sobre un documental dramático. No es un documental de tipo explicativo, sino que hay un personaje que tiene un problema y la cámara lo sigue en su supervivencia.
Una reflexión de Flaherty:
“La finalidad del documental, tal como yo lo
entiendo, es representar la realidad bajo la forma
en que se vive […]. Una hábil selección, una
cuidadosa mezcla de luz y de sombra, de
situaciones dramáticas y cómicas, con una gradual
progresión de la acción de un extremo a otro, son
las características esenciales del documental,
como por otra parte pueden serlo de cualquier
forma de arte. Pero no son éstos los elementos que
distinguen al documental de las otras clases de
filmes; el punto de divergencia entre unos y otros
estriba en lo siguiente: el documental se rueda en
el mismo lugar que se quiere reproducir, con los
individuos del lugar. Así, cuando [el
documentalista] lleva a cabo la labor de
selección, la realiza sobre material documental,
persiguiendo el fin de narrar la verdad de la
forma más adecuada y no ya disimulándola tras un
velo de elegante ficción, y cuando, como
corresponde al ámbito de sus atribuciones, infunde
a la realidad un sentido dramático, dicho sentido
surge de la misma naturaleza y no únicamente del
cerebro de un novelista más o menos ingenioso”
(Robert J. Flaherty).

Finalmente, incluyo un pequeño vídeo con unas imágenes de su documental, y espero que os guste.

Woody Allen

Woody Allen es un director de cine, guionista, escritor, músico y actor americano. Su religión judía va a influir en la mayoría de sus películas. Antes de la dirección comenzó como guionista y también trabajó como actor tanto en varias de sus películas como en las de otros directores. Sigue escribiendo sus guiones en una máquina de escribir de las antiguas y yendo a tocar el clarinete los sábados por la noche al mismo local desde que era niño.

Su primer encuentro con el cine fue con tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo. Amante del humor de los Hermanos Marx y Bob Hope. Además de los hermanos Marx le atraían otras estrellas como Humphry Bogart, James Cagney, Gary Cooper, entre otros. Lo contrataron con 16 años, mientras estaba en el colegio, para escribir chistes y anécdotas, luego escribió para la radio, la televisión y humoristas de cabaret. Luego escribió para él mismo como humorista y posteriormente pasó a escribir guiones de cine y a dirigir.
Sobre la fotografía de sus películas, tuvo la oportunidad de trabajar con Sven Nykvist con quien hizo dos películas y media. También trabajó con Remi Adefarasin, y en su última película con Harris Savides. Confiesa que su madurez en el cine comenzó con Willis, que según dice “es un maestro de las sombras y del claroscuro”.  Como actor realiza dos tipos de papeles, hace de intelectual o de retrasado. Casi nunca lo invitan a participar como actor en otras películas. Se considera miembro del grupo de intelectuales de izquierdas. Intenta escribir la realidad como la percibe, de la misma forma como si estuviera describiendo a una familia de judíos, como en la que se educó, con sus defectos y sus virtudes.

Su estilo puede dividirse en varias etapas:
-Etapa cómica, donde situamos “Toma el dinero y corre”, escrita y dirigida por él, en la que actúa como un ladrón. Fue apoyada por Palomar Pictures, aunque no quedó muy satisfecha con el resultado final, pero fue un éxito de espectadores. “Bananas”, apoyada por United Artist, productora de Charlie Chaplin, con la que firma un contrato. “Bananas” tiene influencias del cine americano cómico y del cine europeo (Bergman, Fellini). Aquí crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, con influencias de Fellini, formada por gags independientes. “El dormilón”, “Sueños de un seductor”, que no dirige pero sale como protagonista. “La última noche de Boris Grushenko”, ambientada en la Rusia del siglo XIX, y juega con varias señas de identidad de ese país. La importancia los gags, la construcción de personajes perdedores y miedosos.
-Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, con su personaje débil y perdedor, descrito como intelectual, por la que recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo.

“Interiores”, con estructura y temática bergmaniana. En esta película no oímos música de inicio, percibimos planos de susurros y gritos, vemos la influencia de Bergman, de “Mitos y susurros” por el tema de la muerte e incomunicación humana. Tiene largos planos evocadores de bodegones, ventanas y demás naturalezas muertas, muchos silencios poéticos y prolongados paseos por la playa. Trata la temática de la muerte, los celos, el egoísmo, Dios, las intimidades del alma humana (todo al estilo de Bergman). Otra influencia de Bergman en esta película es de la obra “Sonata de otoño”, por la protagonista neurótica, dominante.

Tiene también influencia de los grandes pensadores del existencialismo. Una de las hijas de la protagonista se dirige a la cámara, hablando al espectador, y así intentar que el espectador la comprenda. Recibe influencias filosóficas de Fedor Dostoievski (sentido de la búsqueda y de la culpa), Albert Camus, Soren Kierkegaard (filosofía pesimista de la vida). “Manhattan”, en 1979, realizada en blanco y negro y considerada un clásico en la historia del cine, fotografía realizada por Gordon Willis y con música jazz, fue rodada en localizaciones reales, a Allen no le gustó el resultado final debido a su excentricismo y perfeccionamiento, y le propuso a su productora destruirla y hacer otra película gratis, pero la productora no le hizo caso, y estrenó la película, con la que tuvo mucho éxito.  Aquí Allen se inspira en Vicente Minelli, en las películas: “El apartamento”, para el travelling final corriendo por la ciudad de Nueva York, también de “Dos semanas en otra ciudad”, durante el paseo nocturno que termina en un puente colgante. Otra de las películas de esta etapa es “Recuerdos”, con referencia de la película de “Ocho y medio” de Fellini, “Comedia sexual de una noche de verano”, con influencia de Shakespeare y Bergman. “Zelig”, “Broadway Dany Rose”, aquí si sale la ciudad de Nueva York con basura, grafitis, muestra la cara más sucia de esta ciudad, a diferencia de en sus demás películas, donde muéstrala belleza de esta ciudad con total esplendor. “La rosa púrpura del Cairo”. El marido de la protagonista es un personaje agresivo, maltratador, villano, uno de los más contundentes creados por Allen, es desagradable, su manera de actuar es claramente la de un mafioso, hay otros personajes en el cine de Allen con estas características como es Humphry Bogart en “Sueños de un seductor”, los demás personajes de esta película no tienen ninguna autonomía, están supeditados al creador, el gran acierto a nivel técnico es el tránsito de los personajes que salen de la pantalla, se relaciona con el mundo de lo onírico y la realidad. Hay dos clásicos que influyen en esta película, que son: “El discreto encanto de la burguesía” de Luis Buñuel y “El moderno Sherlock Holmes” de Buster Keaton, “Hannah y sus hermanas”, que es una película coral, en la que todos los personajes son importantes, Allen actúa como coprotagonista, la rueda en su casa, con sus niños, la música está adecuada a cada personaje como señal de identidad, el tema principal es el deseo. “Septiembre”, “Días de radio”, donde un personaje recuerda su infancia en Brooklyn, que también tiene influencias de Fellini, “Otra mujer”, en la que cuenta con Bergman para que le aconsejara en temas de fotografía, “Delitos y faltas” donde mezcla comedia y drama.

-Etapa manierista, con películas de influencias de Hitchcock, como “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini, por la esposa de éxito, de clase burguesa, asiste a sesiones de espiritismo para resolver sus problemas. “Sombras y niebla”, , “Maridos y mujeres” en la que mueve la cámara de forma alocada, los personajes se dirigen a la cámara para hablar en ocasiones. “Misterioso asesinato en Manhattan” en la que utiliza muy bien el suspense, “Balas sobre Broadway”, donde Allen deja el papel a John Cusack, “Poderosa Afrodita”, “Todos dicen I love you”, que es un musical, “Desmontando a Harry”, “Celebrity” y la etapa se cierra con “Acordes y desacuerdos”, donde utiliza la técnica del falso documental. Su cine de esta etapa está más centrado en la forma.
-De su etapa de madurez tenemos “Granujas de medio pelo”, donde vemos  que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop”, “El sueño de Casandra”.

Vamos a pasar a comentar algunas de sus películas:

“Poderosa Afrodita” tiene un lenguaje muy vulgar, a diferencia del resto de sus películas, en las cuales se utiliza un lenguaje más formal, comedia con parte musical, tono realista, estilo irónico, los temas que muestra son la prostitución, la adopción, la violencia, el sida, intolerancia, prostitución, machismo, adopción. Tiene escenas largas con largos planos-secuencia, panorámicas, habla del teatro dentro del cine. Lenny, encarnado por Allen, es un periodista deportivo marido de una joven galerista de arte. La esposa, después de mucho insistir, consigue adoptar a un niño. Con el paso del tiempo, Lenny se propone buscar a la madre de su hijo adoptivo y descubre que es una prostituta, a la que intenta ayudar para que tenga un futuro.
En “Scoop” muestra una comedia con elementos fantásticos, donde plantea la ética periodística, vemos planos-secuencia con personajes hablando fuera del encuadre, situaciones poco creíbles, resolución del conflicto de forma ridícula. Transmite valores como la ética de la mentira para conseguir una información, no hay que confiar en el amor ciego. El periodista fallecido Joe Strombel trata, desde el más allá, resolver el caso del asesino de las cartas de tarot. Le ayuda a Sondra Pransky, encarnada por Scarlett Johansson, una periodista, que ve al difunto cuando asiste a un espectáculo de magia de Sid Waterman, interpretado por Woody Allen. El principal sospechoso del caso es Peter Lyman (un aristócrata del que Sondra se enamora. Según mi punto de vista, algunos planos son muy buenos y la iluminación de ciertas escenas dan sensación de miedo. Algunas escenas pueden resultar no creíbles.

“Zelig” es una sátira, que ha sido tratada como falso documental, con una fotografía en blanco y negro, que sirve para recrear los ambientes de los años 20-30. Leonard Zelig, encarnado por Woody Allen, es un judío desamparado. No tiene personalidad propia, pero se da a conocer porque experimenta unas transformaciones en las personas que entran en contacto con él. Su necesidad de ser aceptado le hace transformarse en las personas que tiene a su alrededor, lo que le convierte en un fenómeno mediático. Creo que son geniales las interpretaciones, es muy buena la construcción del documental y los diálogos son memorables.
“Sombras y niebla” es la historia de un hombre cobarde que recibe el encargo de salir a medianoche a la búsqueda de un asesino, que actúa cuando hay neblina. Los vecinos planean su búsqueda y precisa de la ayuda de Kleinman, que no sabe en qué consiste este plan. Utiliza la música de suspense, manejos de silencios, recursos que dan ritmo a la obra, muestra atmósfera expresionista: niebla, oscuridad, claroscuro, callejones poco iluminados, planos-secuencia y planos circulares, música en escena de suspense, manejo de silencios, música de slapstick en las persecuciones. Se la considera como un experimento expresionista. Un asesino siembra el pánico en la ciudad. Tiene influencias de Fellini, Hitchcock, Bergman y del cine negro de los 40 y 50. Tenemos temas como el sexo, la muerte, el caos en la sociedad, infidelidades, dinero, decadencia de la sociedad.

“Match Point” un drama melodramático con tono realista, donde los ejes estructurales en la trama son la pasión, la tentación y la obsesión, muestra la sociedad anglosajona, utilización de música clásica, muestra un reflejo de la sociedad europea. La historia transcurre entre la campiña inglesa y rincones refinados de Londres. Los productores jamás interfirieron en la realización de la película. La película cuenta la historia de Chris Wilton un ex campeón de tenis irlandés de orígenes humildes que traba amistad con Tom Hewett,un hombre rico, al convertirse en su entrenador. Su hermana, Chloe Hewett se enamora de él. Pero Wilton siente una pasión por Nola, encarnada por Scarlett Johansson, una joven que lucha por convertirse en actriz. El cine de Allen ha sido utilizado como objeto de metáforas relacionadas con algunos temas más candentes de la vida nacional, como es el terrorismo. El consejero de Interior del Gobierno Vasco, Javier Balza, utiliza la famosa imagen de la pelota de tenis cayendo hacia un lado, mostrada al comienzo de esta película, para explicar que “el final de ETA y la paz no pueden depender de la suerte”.

“El dormilón”, construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, recuerda a ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia con banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz. Monroe, encarnado por Allen, es dueño de un establecimiento de comida. Tras acudir a una operación de es congelado por error siendo despertado 200 años después, en el futuro, por un grupo de rebeldes que precisa una persona sin identidad para llevar a cabo sus planes de derrocamiento del dictador que gobierna el mundo. Monroe se resiste e intenta escapar, haciéndose pasar por un mayordomo mecánico. Se encuentra con una mujer, Luna (Diane Keaton) y unas persecuciones provocan que sea capturado. Tras ser secuestrado de nuevo es sometido a un proceso de reeducación. Se informa sobre el secreto proyecto que se ofrece como una oportunidad para lograr sus objetivos. El argumento y la trama resultan interesantes, muy futurista para la época, y tiene unos puntos que se notan que solo pueden ser de Allen.

“Misterioso asesinato en Manhattan” tiene un tono cómico. Esta fue la primera película en que Keaton trabajó con el cineasta. Carol Lipton, encarnada por Diane Keaton, es ama de casa de Manhattan. Sospecha que su vecino Paul House, interpretado por Jerry Adler, un hombre de edad avanzada, ha asesinado a su mujer, que ha aparecido muerta, El marido de Carol, Larry, Woody Allen, piensa que es una obsesión, y trata de quitarle la idea de la cabeza, pero Carol investiga a su vecino. Me ha parecido muy graciosa la interpretación de Allen, la iluminación me ha gustado mucho, sobre todo en las escenas nocturnas. Algunos momentos son parecidos a la forma de hacer cine de Hitchcock.
“Maridos y mujeres” está protagonizada por Woody Allen y Mia Farrow. Interpretan el papel de un matrimonio que lleva muchos años de casado y su relación comienza a deteriorarse a partir de que sus mejores amigos, encarnados por Sydney Pollack y Judy Davis, les comentan que se van a separar. Una película intimista, cuyos personajes se alejan de lo absurdo. Los movimientos de cámara acentúan el carácter documentalista, me ha resultado muy interesante las entrevistas que le van realizando a los personajes durante toda la película, ya que hace al espectador partícipe de lo que está ocurriendo y de la vida de los diferentes personajes. Los diálogos no me resultan ingeniosos, pero sí son intimistas, hacen reflexionar.

En “Granujas de medio pelo”, Ray, encarnado por Allen, es un ex-convicto con grandes sueños que está harto de su trabajo. Se le ha ocurrido la idea de robar un banco gracias a lo que él cree un ingenioso plan. Con la ayuda de su mujer y unos ladronzuelos, abrirán una tienda de galletas al lado del banco y mientras su mujer atiende a la clientela, él y sus socios excavaran, hasta construir un túnel hacia el interior del banco. Se harán ricos, pero caerán en la ruina. Según mi punto opinión, visualmente los planos son normales, no veo una iluminación muy estudiada, aunque la trama me resultan interesante y la forma de desarrollarla. Creo que es interesante la evolución psicológica de la esposa.

“Melinda y Melinda”, comienza con una discusión en una cafetería, en la que unas personas debaten las diferencias entre la comedia y la tragedia. A partir de una mínima idea dos escritores, comienzan a inventar sobre cómo desarrollarían sus historias, una cómica y una trágica. Ambas visiones se ven representadas en el personaje de Melinda, mujer que lleva a la gran pantalla algunos temas que más le gustan a este director como la lucha personal entre la moralidad, la identidad, la intimidad, los celos. Creo que la forma de desarrollar la historia me parece muy bien hecha, habla del cine dentro del cine.
“Delitos y faltas”, muestra la historia de Judah y Clifford, que son dos hombres enfrentados a dilemas morales diferentes. Judah, es un oftalmólogo, que pretende terminar su relación con su amante, Dolores, que amenaza con contarlo todo y destruir su vida si la abandona, pero su hermano Jack le ofrece la posibilidad de asesinarla. Por otro lado, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado. Oímos la música jazz durante toda la película, mezclándose con música clásica. Esta película tuvo ciertos problemas de producción, que afectaron al proyecto, como por ejemplo, que del montaje final desaparecieron algunos personajes que daban vida a alguna subtrama y hasta poco antes de su estreno no se supo cuál sería su nombre definitivo. La fotografía es muy buena. Algunos silencios son largos y me resultan inquietantes. Es interesante el montaje en paralelo en ciertos momentos: mientras uno de los personajes conduce un coche y pasa por un túnel, otros señores leen unos libros. Vemos claramente los temas que usualmente trata este director como la religión, el amor, la política y el sexo. Habla del mundo del espectáculo dentro del cine.

“Si la cosa funciona”, es una de sus últimas películas que tiene peor crítica. En la revista cinematográfica Filasiete1, el crítico Claudio Sánchez comenta lo siguiente: “Un Allen menor en una película con destellos de su genialidad, que arranca muy bien y se va desinflando hasta un desenlace pobre”. Comienza la crítica con la siguiente afirmación: “Estamos ante una película menor de Allen, de las de mitad de tabla…, de ésas que parece que el guión lo ha escrito en una servilleta durante los anuncios de la tele”. Sin embargo, el crítico Ricardo Aldarondo, en la revista Fotogramas2, realiza el siguiente comentario de esta película: “Si la cosa funciona” es en realidad, un canto al amor, en el sentido menos remilgado”. “…Una obra sincera, muy divertida, con su filosofía de la vida entre descreída y apasionada…”. Cuenta la historia de una joven que se escapa de casa. Conoce a un hombre mayor que la acoge y busca un trabajo. Este hombre, Boris, se pasa la vida insultando a los niños que asisten a su clase de ajedrez. Tras vivir un tiempo se casa con la joven Melody, y comienzan una vida juntos. Un año después, su madre la encuentra e intenta “ennoviarla” con un joven. La chica se enamora del joven,  se divorcia de Boris, y termina casándose con el muchacho. Creo que el resultado de la película sugiere que no existen reglas en el amor y que todos debemos aprender a ser realistas. Aunque una relación no pueda parecer común, lo importante es que funcione y haga feliz a ambos. Lo que me resulta más complejo de la película es la personalidad de Boris, creo que está muy bien planificada, en algunos momentos se parece a las actuaciones de Allen, cuando habla a la cámara para dirigirse al espectador. Hace menciones al judaísmo, al sexo, reflexiones de la vida.

En “Vicky Cristina Barcelona” oímos una voz narradora que nos relata la historia. Resulta graciosa la banda sonora, aunque no me gusta la parte de España que muestra. Muestra a los españoles como obsesionados con ciertos temas. Está rodada en Nueva York y en las comunidades españolas de Cataluña y Asturias. El argumento de la película se basa en que dos jóvenes estadounidenses, Vicky y Cristina van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky tiene planes de matrimonio y Cristina se deja llevar por los sentimientos. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio. Allen reveló en Nueva York en marzo de 2007 que sería “una película romántica, seria, con algunos momentos divertidos y sin sangre”. Creo que los personajes son lanzados y agresivos. Respecto a la iluminación, me gusta el filtro rojo de ciertas escenas, como las escenas que transcurren en el cuarto oscuro de fotografía, ya que da dinamismo al film. Lo que no me gusta de la película es la interpretación de los actores españoles. Creo que tiene un argumento interesante, pero los diálogos de los actores españoles no me resultan agradables.

Respecto a los créditos de sus películas, son fáciles de reconocer, utiliza la tipografía Windsor Light condesed. Cada vez que vemos en pantalla unas letras blancas sobre fondo negro y música de jazz sonando de fondo, sabemos que estamos ante una de sus películas. En el libro “Woody Allen on Woody Allen” confiesa: “Hice unos títulos elaborados para “Bananas” y “Todo lo que quiso saber sobre el sexo…”, y, entonces, me dije: ¡Es estúpido gastar dinero en los títulos! Es un estúpido hábito muy americano. Voy a poner los más baratos que pueda, que sean un simple anuncio”.